Kostellorizon

Penguin Cafe - A matter of life...

2012-01-23T09:41:00.000-08:00

Simon Jeffes racconta di una notte travagliata, l'avvelenamento da pesce avariato gli aveva procurato una serie infinita di incubi. La notte sarebbe passata lasciando dietro di sé i soliti strascichi da post-avvelenamento ed un nome: “Penguin Cafe”. In uno degli incubi appena passati Jeffes si trovava davanti ad una società che sembrava uscita da 1984 di Orwell; il sistema teneva sotto scacco l'intera popolazione. Appena fuori da questa “campana di vetro” però si ergeva una sorta di isola felice: il “Penguin Cafe”, venuto fuori proprio dalla penna di Jeffes che – sempre nel sogno - per ribellarsi al regime imposto, scriveva poesie dipingendo mondi armoniosi. “Io sono il proprietario del Penguin Cafe e vi dirò parole a caso...”, così recitava una delle sue poesie, che Simon avrebbe ricordato anche una volta uscito dagli oscuri tormenti di quell'incredibile notte.

La Penguin Cafe Orchestra sembra venire fuori, più che da un incubo, da una vera e propria magia, e troverà in Brian Eno – produttore del loro primo lavoro del 1976 – un grande sostenitore.
Jeffes è un musicista di estrazione classica intenzionato ad andare oltre i soliti stilemi della tradizione e proprio questa vivacità intellettuale e la continua voglia di cercare nuovi incastri musicali faranno della Penguin Cafe Orchestra un ensemble in grado di abbracciare l'etnico piuttosto che l'avanguardia. Si tratta di vero e proprio artigianato sonoro in cui le scelte timbriche si rivelano fondamentali per poter dipingere paesaggi sempre diversi.

Quella della Penguin Cafe Orchestra è una pagina di musica rimasta sempre ai margini della storia, un racconto da appendice, caduta quasi nel dimenticatoio, soprattutto dopo la morte di Simon Jeffes nel 1997. Proprio come nelle migliori storie artigiane, il testimone passa di padre in figlio per far sì che la tradizione continui ad essere tramandata; ecco allora che a 14 anni di distanza dalla silenziosa dipartita di Simon, il figlio Arthur decide di riaprire i battenti del Penguin Café, già, perché la Penguin Cafe non è soltanto un semplice ensemble di musica classic-folk da camera, è un luogo dello spirito, un'attitudine alla vita.

L'impronta data da Arthur a questo nuovo disco di inediti - “A Matter Of Life...” - è meno audace rispetto alle strade percorse dal padre, ma non viene meno il gusto per l'esotico che da sempre ha caratterizzato le composizioni della Penguin Cafe Orchestra e che in questo disco raggiunge il suo punto più alto in “Pale Peach Jukebox”, tripudio di strumenti a corde e ad arco. Le trame principali vengono comunque lasciate al pianoforte minimale di Arthur Jeffes che tratteggia paesaggi all'apparenza freddi e distaccati (“Finland”), ma che non tarderanno a diventare sempre più caldi e familiari (“That, Not That”), fino a diventare parte imprescindibile del nostro viaggio (“Landau”). Poi c'è una foto sbiadita, nascosta in qualche angolo del “Cafe”, illuminata soltanto dalle ultime luci del giorno; un ricordo tanto chiaro quanto inafferrabile, vera e propria ricerca del “tempo perduto” (“Harry Piers”). “Harry Piers” si può ricollegare anche alla copertina del disco che, riprendendo una parte di copertina di “Signs Of Life” del 1987 – il frammento in cui il bambino abbraccia il pinguino - sembra volerne sancire la chiusura del cerchio.

Chiara Felice

Recensione pubblicata sul sito www.xtm.it

Waterboys - An Appointment With Mr. Yeats.

2012-01-13T03:20:00.000-08:00

La poesia di William Butler Yeats ha da sempre avuto un forte ascendente su artisti di estrazione rock e folk: Van Morrison, Donovan, Loreena McKennitt; riferimenti importanti li ritroviamo nelle liriche degli U2, mentre il nostro Branduardi gli ha dedicato un intero album (“Branduardi canta Yeats”).
Mike Scott – irlandese di adozione – incontra la poesia di Yeats in età adolescenziale, grazie ai numerosi libri di sua madre, insegnate. Con i suoi Waterboys, verso la fine degli anni ottanta decide di mettere in musica una delle sue poesie più famose, “The Stolen Child”.

L'amore di Scott per i versi del poeta irlandese - così ricchi di musicalità e potenza immaginifica - farà sedimentare nella sua mente la volontà di creare qualcosa di più; “The Stolen Child” era il primo passo di un lungo cammino. Lo spunto gli arriverà durante un concerto-evento dedicato a Yeats nel quale solo Scott avrebbe omaggiato il poeta musicando quattro delle sue poesie, mentre tutti gli altri artisti si sarebbero limitati a cantare brani propri. Già, quella sera di inizi anni novanta, all'Abbey Theater di Dublino - teatro fondato da Yeats – nessun artista avrebbe scomodato la propria creatività per omaggiare la poesia di Yeats; nessuno tranne Scott.

Marzo 2010, a quasi vent'anni di distanza dall'evento dell'Abbey Theater, l'intenzione di Mike di creare un concerto interamente dedicato a Yeats si sarebbe finalmente realizzata: Mike Scott era finalmente pronto per l'appuntamento! Venti poesie arrangiate in chiave Waterboys per un concerto affascinante e il successo di quella serata avrebbe dato seguito ad un disco in studio. Il disco, “An Appointment With Mr. Yeats” vede la luce nel 2011 e prevede 14 delle 20 canzoni del concerto.
Le poesie di Yeats sembrano aver tirato fuori la vena creativa che da un po' di tempo latitava in casa Waterboys. L'apporto fondamentale viene dato dal violinista Steve Wickham autore di alcuni dei passaggi più belli, come quelli in “News For The Delphic Oracle” e “Sweet Dancer”; Wickham si dimostra ancora una volta vera e propria stella polare del gruppo. Gli arrangiamenti di Scott sono ispirati e ricchi di diverse contaminazioni musicali, dal blues di “The Lake Of Innisfree” alle inclinazioni progressive del flauto di Sarah Allen in “Song Of Wandering Aengus”. Il sound tipico dei Waterboys lo ritroviamo nell'ispirata “Let The Earth Bear Witness” e in “September 1913”, addolcita sul finale dalla voce di Katie Kim, voce che sarà un ottimo contraltare al cantato di Scott in molti brani dell'album (“Sweet Dancer”, “Politics”). Il disco è un lungo viaggio pieno di posti e profumi diversi, che inizia con l'incalzante vitalità di “The Hosting Of The Shee” - con un arrangiamento ricco di richiami alla terra d'Irlanda - per terminare con la notturna “The Faery's Last Song”, meditazione che si trascina lenta, avvolta dalla delicatezza del flauto della Allen.

“An Appointment With Mr Yeats” è un disco sicuramente importante per Scott, che si è voluto prendere il suo tempo per rendere giustizia – a modo suo – alla poesia di uno dei poeti più importanti a cui l'Irlanda abbia dato i natali. Tutta questa attesa non è stata vana.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Peter Gabriel - New Blood

2011-12-14T12:10:00.000-08:00

Un album di cover da parte di un artista, indipendentemente dalla sua età – ma peggio ancora se sulla strada del “too old to rock'n'roll” - viene da sempre considerato un gesto che cerca di supplire alla mancanza di ispirazione. Come dire: “in caso di emergenza, pubblicare interpretazioni di brani altrui”. E qui inizia la ramificazione in migliaia di storie che andrebbero analizzate ad una ad una per dividere le ottime prove dalle pessime riuscite. Ma chi stabilisce che per fare un album di cover non ci voglia tanta ispirazione quanta ce ne vorrebbe per un album di inediti? Stravolgere un originale richiede un approccio particolare, che concentra in sé elementi molteplici e per niente superficiali, come invece si sarebbe portati a pensare.

Nel 2010 anche Peter Gabriel decide di intraprendere questo tortuoso cammino. Il suo “Scratch My Back” comprende dodici tracce di altrettanti artisti, destrutturate e ricostruite completamente, fino a stemperare ogni ricordo dell'originale; tutto questo grazie ad un minuzioso lavoro che Gabriel ha portato avanti insieme all'arrangiatore John Metcalfe e ad un ensamble di più di quaranta elementi.
Nel disco spiccano le sublimi versioni di “Flume”, “The Power Of The Heart”, “The Boy In The Bubble” e “Mirrorball”, ma l'attenzione inizia a risentirne man mano che ci si avvicina alla conclusione del disco.

Peter Gabriel sapeva meglio di chiunque altro che il passo dall'ottima prova di “Scratch My Back” ad un nuovo lavoro che avrebbe visto la rivisitazione in chiave orchestrale di alcuni dei suoi grandi classici sarebbe stato molto breve. Le prive avvisaglie ci furono già durante il concerto di Verona, ma il coinvolgimento e l'entusiasmo vissuti durante quel concerto sono difficilmente rintracciabili nel “New Blood” appena uscito. Quattordici brani che ripercorrono l'intera carriera di Gabriel, riarrangiati nel tentativo di dar loro nuova linfa vitale, ma l'esperimento riesce solo in piccolissima parte. La scelta delle canzoni non sempre è delle migliori e brani come “In Your Eyes” e “Diggin In The Dirt” sembrano ingabbiare tutta la vitalità interpretativa dell'ex Genesis e appaiono quasi una forzatura; così come la stessa “Solisbury Hill” che in questa nuova veste orchestrale sembra eclissare quel senso di rinascita che da sempre la caratterizza.

Non è una questione di mancanza di impegno o professionalità, è una questione di ispirazione. L'illuminazione creativa che Gabriel ha avuto per “Scratch My Back” non è ricomparsa per questo nuovo lavoro in studio, che però non manca di rivisitazioni che a tratti sembrano quasi superare gli originali come la toccante “San Jacinto”, carica di una fortissima potenza interpretativa da parte di Gabriel. Sulla stessa scia del trasporto emotivo si colloca la contrastata “Darkness”, riportata a nuova vita, così come il rito ancestrale di “The Rythm Of The Heat”, qui privo di ogni percussione che ne aveva caratterizzato l'origine; mentre la pioggia contrappuntistica di “Red Rain” riesce ad essere trascinante quasi quanto la versione del “Secret World Live”.
La magia che ci sembrò di vivere alla conclusione del concerto di Verona, durante l'esecuzione di “The Nest Who Sailed The Sky” - che chiude in via ufficiosa “New Blood” - in questo disco sembra essere svanita. La chiusura ufficiale viene lasciata alla sempre presente “Salisbury Hill”, preceduta da cinque minuti (“A Quiet Moment”) di registrazioni di rumori ambientali, captati intorno ai Real World Studios. Cinque interminabili minuti che segnano uno stacco fortissimo con il resto del disco e che lasciano intuire la non volontà da parte di Gabriel di inserire “Solisbury Hill” in questo contesto. Come dargli torto?

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Libro "La musica sperimentale". Di Michael Nyman.

2011-11-15T05:43:00.001-08:00

Una lunga attesa. Un'imperdonabile svista. Già, forse “svista” è un termine che calza a pennello in questa circostanza. Si possono lasciar passare la bellezza di trentaquattro anni prima che qualcuno decida di tradurre uno scritto che è una vera e propria pietra angolare per la comprensione di un fondamentale movimento musicale del novecento? A quanto pare sì e dobbiamo ringraziare la casa editrice “Shake” se la lunga attesa è stata interrotta e finalmente possiamo fruire di questa indispensabile lettura in italiano, senza quindi dover più ricorrere al testo originale (in inglese). Questo lungo preambolo introduttivo era d'obbligo visto che stiamo parlando di un vero e proprio cult in ambito di scritture sulla musica sperimentale.

Ma andiamo con ordine. Nel 1974 viene pubblicato “Experimental music: Cage and beyond”, una lucida esplorazione sulle influenze delle idee e della musica di John Cage. Una zona di confine quella percorsa da Cage e gli altri autori sperimentali, un confine schiacciato da una parte dalla tradizione classica e dall'altra dall'avanguardia (avanguardia che nel libro viene posta in antitesi alla musica sperimentale).

La musica sperimentate era – come ha avuto modo di scrivere Brian Eno nella sua prefazione al libro - “una musica di processo anziché di prodotto” e forse proprio in questa definizione è racchiusa la spiegazione della difficile comprensione di questo processo di fare musica. Il fulcro centrale di una composizione sta nel processo creativo, processi che possono essere i più disparati (le composizioni nate attraverso l'utilizzo dell'I-Ching di Cage, tanto per citarne uno).
Michael Nyman – uno dei maggiori esponenti del minimalismo e autore di questo libro – analizza dall'interno, con uno sguardo capace di essere al tempo stesso teorico e artistico, questo movimento e cerca di dare un ordine logico, ma soprattutto cronologico: quindi si parte dalle sperimentazioni del decennio '50-'60 di Feldman, Brown, Wolff e Cage fino ad arrivare al punto in cui – per dirla con le parole di Eno - “è parso che la tradizione sperimentale stesse cominciando a collassare”; lì la narrazione di Nyman si ferma.

La lettura si rivela tanto affascinante quanto di difficile assimilazione, perché non si deve dimenticare che dietro alla destrutturazione apportata dagli “sperimentalisti” si nascondeva una profonda conoscenza tecnica e la comprensione di un pezzo come 4'33” di Cage – ampliamente analizzato nel libro di Nyman – passa anche attraverso una discreta conoscenza di teoria e filosofia musicale. Il concetto di base dal quale Nyman parte è quello di prendere “4'33” come punto di partenza perché, in quanto “vuoto” (sono quattro minuti e trentatré secondi di silenzio), si sarebbe rilevato ricco di possibilità ed interpretazioni. Con l'analisi dell'appena citata composizione di Cage, ha inizio il viaggio dell'autore, viaggio che ci aiuterà a tracciare una mappa di tutte le tappe fondamentali di questo affascinante processo creativo che è stata la musica sperimentale.
“La musica sperimentale”, questo il titolo del libro in italiano, è quindi una lettura fondamentale per comprendere quali siano le radici di un genere che avrebbe influenzato buona parte della musica del '900.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Fleet Foxes - Helplessness Blues.

2011-11-08T12:00:00.000-08:00

Generalmente ogni primo disco è intriso di racconti plasmati dai sogni e dalle speranze di una intera vita, genuino e travolgente come solo i primi lavori sanno essere. Difficile, se non impossibile, ripetere la magia una seconda volta, non per mancanza di talento quanto perché le aspettative che nascono in conseguenza ad un successo inaspettato finiscono - indipendentemente dalla propria volontà - con il contaminare la purezza degli inizi. In parole povere, ogni secondo disco segna l'addio all' "età che non ha pensieri". Adesso si è "adulti" e ci sono responsabilità alle quali bisogna rispondere; la macchina del music business si è messa in moto, il "fare musica" diventa quasi di secondaria importanza.

Ascoltando "Helplessness Blues" dei Fleet Foxes, non è difficile pensare che anche le giovani volpi di Seattle siano caduti nella trappola. Perfettamente calati nella parte di "indie-folk musicians" con barba e capelli lunghi e camicie della migliore tradizione boscaiola, confezionano un album che sembra essere il risultato di alchimie appositamente create (e ritoccate) in studio. Non bastano i cori caldi di Montezuma, la svolta free (ma non jazz) del finale di "The Shrine/An Argument", o l'intimismo di "Blue Spotted Tail" a rendere il disco meno freddo, ma soprattutto formale fino al midollo. La lista degli strumenti utilizzati (harmonium, dulcimer, moog, marxophone e altri ancora) è lunga quasi quanto quella degli autori che li hanno ispirati (dai classici Byrds, Dylan, Pete Seeger, Brian Wilson, Neil Young, CSN&Y, Peter Paul & Mary ai misconosciuti ai più, Judee Sill e Robbie Basho) e, trattandosi di folk revival prima ancora che di indie-folk, non poteva di certo mancare quel sound dal retrogusto di folk fine anni settanta inizi settanta tipico di gruppi quali Pentangle o Steeleye Span. Insomma, tanti i nomi tirati in ballo e citati volontariamente o meno nel disco (come la camaleontica "Sim Sala Bim" che nasce Pentangle e termina Led Zeppelin; per essere più precisi nella "Going To California" dei Led). In questo intreccio di rimandi è facile perdersi e dimenticarsi degli episodi felici del disco, come l'avvolgente "The Cascades", la già citata "The Shrine/An Argument", fotografia in musica del passato che si fonde con il presente: dal folk degli anni d'oro, all'attuale scena folk che, anche se con non poca fatica, cerca di tracciare una nuova strada che possa permettergli di trovare la propria identità e sganciarsi - definitivamente - da un passato che pesa come un macigno sulle spalle di questi "nipoti del folk".

La speranza è che il terzo disco possa essere la fusione perfetta tra la genuinità del primo lavoro e la maturità compositiva di "Helplessness Blues"; aspettativa che non è da intendersi come pretenziosa visto che i Fleet Foxes hanno tutte le carte in regola per poter fare il meritato salto di qualità, ma per farlo hanno bisogno di sganciarsi dalla monotonia imposta dalle case discografiche (anche quelle che si definiscono indipendenti ma che invece, alla fine, tendono a plasmare a loro piacimento il sound dei propri artisti).

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.blogfoolk.com

Memories Of Machine - Warm Winter.

2011-10-13T03:53:00.000-07:00

“Stories come out of other stories, lead to the other stories”. Storie uscite da altre storie, che portano a nuove storie, esperienze che divergono per poi camminare in parallelo e infine congiungersi per percorrere insieme un breve tratto di strada. La musica è per eccellenza un'arte frutto dell'unione di anime adesso in sintonia, adesso in contrasto, è questo l'unico percorso in grado di portare ad un'armonia finale. I percorsi di Giancarlo Erra (Nosound) e Tim Bowness (No-Man) - “Memories Of Machine” - si sono incontrati in questo progetto che ha avuto una gestazione di quasi cinque anni, toccando nel corso del suo sviluppo, più di una città (Roma, New York ma anche la terra di Svezia e quella di Albione).

“Warm Winter” è un album di raffinata bellezza, un piccolo lavoro di cesellatura, dove ogni fraseggio è stato studiato per essere essenziale ma allo stesso tempo avvolgente, dove una nota tenuta più a lungo assume una potenza emotiva che non ammette competizione con nessun passaggio virtuosistico. Dietro “Warm Winter” sembra esserci una perenne ricerca dell'essenziale e da questo punto di vista la voce rarefatta di Bowness trova il perfetto completamento negli inserti della chitarra di Erra; brani come “Lucky you, lucky me”, “Something in our lives”, “Before we fall” sono piccoli gioielli che restato sospesi nella nostra memoria. Tra i pezzi da incorniciare ci sono sicuramente anche “ Change me once again” - con la batteria di Gigi Zito che contribuisce a dar vita ad un brano in perfetto stile Nosound e il deciso assolo di Steven Wilson - e “Lost and found in the digital world”, brano – quest'ultimo – che si sviluppa su un tessuto di soundscapes ad opera Fripp e sul quale si staglia, oltre all'eterea voce di Bowness e agli accordi pizzicati di Erra, la bellissima tromba di Aleksei Saks, preludio allo squarcio di luce creato dall'assolo del leader dei Nosound, assolo che sembra aprire un passaggio verso un'altra dimensione.
Nuova vita viene resa a “Beautiful song you should know” - già presente nell'album dei No-Man “Schoolyard Ghosts” - che qui assume toni ancora più intimi, anche grazie agli inserti di violoncello di Marianne De Chastelaine.
Il disco si chiude con le atmosfere di “At the centre of it all” che vede la partecipazione alle chitarre di Peter Hammill, il brano è il perfetto sfumato ad un disco che, nonostante le collaborazioni eccellenti, sembra essere a tutti gli effetti un lavoro personalissimo e ispirato (come dimostra la sua title track), dove i suoni sono stati cuciti alla perfezione su ogni singola parola.

Non basterà un ascolto per poterlo capire (nonostante la sua semplicità sia disarmante), è un album che ha bisogno di entrare in circolo nella nostra mente, ma una volta entrato resterà per molto tempo nella nostra memoria.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Gus MacGregor - Gus MacGregor.

2011-09-14T07:27:00.000-07:00

"I was like an old hobo. My diary was just filled with confirmation numbers for trains and planes and buses. I would travel anywhere for a gig, play a folk club in Bournemouth then spend seven hours on a coach to Nottingham.” Una vita che risponde quasi in pieno a tutte le tappe del folk-singer (e, più ingenerale, dell'artista) quella di Gus MacGregor, inglese di nascita e statunitense nell'attitudine musicale. Parole che sembrano provenire direttamente da un racconto dei gloriosi anni sessanta e che ci riportano alla vera natura della musica e dello scrivere canzoni. In questo suo primo lavoro omonimo, MacGregor cerca di mantenere la stessa raccolta energia che si ha quando si eseguono brani in un angolo di strada, per un manipolo di passanti in cerca di tranquillità, richiamati dalla sentita interpretazione di una canzone, che sia inedita oppure presa in prestito da un gigante del songwriting ormai nell'olimpo della musica.

Sono storie personali quelle narrate, di una semplicità a tratti sconvolgente, fatte di ricordi in attesa di riallacciarsi ad una nuova realtà: “Now this old Vauxhall has seen better days, but the radio still works quite well, and if I tune it just enough, between the static and the engine buzz I can still imagine us”. Le storie personali si intrecciano al sentire “politico” dell'autore, che nella conclusiva “I bet you wish you'd listened to me now” - brano che trae ispirazione dai discorsi di Nelson Mandela – decide di sfruttare al massimo le sue doti interpretative spogliando il brano di ogni accompagnamento musicale, in modo da rimarcare maggiormente il messaggio racchiuso nel testo.
Dal punto di vista musicale non mancano i richiami allo stile di Paul Simon, che si palesano negli arpeggi di “Crown the thorns”; così come non ci si esime dal mettere in pratica, a proprio modo, ciò che resta dei solchi ormai appiattiti di un vinile di Dylan, “When you see no ship, only hardships. May the wind dry the tears from your eyes; may the sun turn rain to rainbow in your sky”. Sono i brani come l'appena citata “Rain To Rainbows” - canzoni che restano fuori dai riflettori delle radio-hits – ad avere il profumo di un ambiente familiare; interpretazioni che assumono quasi il sapore di una preghiera grazie all'ottima interpretazione dell'artista.

Gus MacGregor in questa sua prima fatica discografica, sveste i panni di attore per mettere a nudo i propri sentimenti con l'ingenuità di un bambino al primo approccio alla vita; e lo fa con una fortissima carica di positività, “I swear I heard the angels calling and heaven send a lifeline down, saying we'll wake you when you're falling, just before you hit the ground”.
Come direbbe un autore sicuramente caro a MacGregor “There is a crack in everything, that's how the light gets in”.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Mathias Eick - Skala.

2011-08-25T07:04:00.000-07:00

Mathias Eick è uno dei più promettenti e giovani musicisti della casa ECM. La casa discografica - così come la terra di origine - è la stessa di Jan Garbarek, sassofonista diventato da anni vero e proprio pilastro ECM, i cui lavori hanno avuto grande influenza sulle composizioni di Eick. “Skala”, arrivato a tre anni di distanza dal disco di debutto “The Door”, si presenta diverso fin dall'approccio rispetto al suo predecessore. “The Door” era una sorta di live in studio, mentre “Skala” è studiato fino ai minimi dettagli. La caratteristica abbastanza anomala rispetto al sound standard della casa discografica è la presenza – in alcuni brani del disco – di ben due batteristi (Gard Nilssen e Morten Qvenild); scelta fortunata che riesce a donare una maggiore pienezza di suono e a dar vita a groove molto più energici (“Biermann”, “Edinburgh”). Gli arrangiamenti sofisticati non perdono mai di vista la stesura di linee melodiche riconoscibili, che sembrano quasi strizzare l'occhio al pop (“Skala”, “Oslo”). L'omaggio a Joni Mitchell (“Joni”) è uno dei punti più alti del disco, lirico e sognante; mentre lo splendido crescendo di “Oslo” potrebbe quasi far pensare ad una composizione dei Radiohead: notturno e a tratti straziante, poi un sussurro di tromba puntellato da delicate note di pianoforte e infine l'esplosione di energia in perfetto stile Thom Yorke e soci. La meraviglia e le invocazioni della toccante “Biermann” anticipano le influenze del jazz anni settanta - tipiche soprattutto del già citato Garbarek - di “Day After”, preludio alla conclusiva “Epilogue”, ultima lettera da una terra – quella scandinava – estremamente ricca dal punto di vista musicale e dalla quale Eick ha saputo prendere gli spunti migliori, superando a pieni voti quella che canonicamente viene considerata la “prova di maturità”: il secondo disco in studio. L'esperienza con Chick Corea ha sicuramente dato un'impronta formativa forte a Mathias Eick, così come i vari premi internazionali e non, hanno permesso al giovane musicista di crearsi una base economica solida, in grado di permettergli una certa libertà in ambito compositivo; non a caso “Skala” può vantare la partecipazione di musicisti quali Andreas Ulvo, oltre ai già citati Morten Qvenild e Torstein Lofthus. Il secondo lavoro in studio di Eick è destinato a diventare uno dei dischi più belli pubblicati dalla ECM in questo 2011 e le emozioni che hanno saputo suscitare l'eleganza e l'espressività timbrica di questo giovane musicista fanno ben sperare per il futuro.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Gazpacho - Missa Atropos.

2011-06-23T06:14:00.000-07:00

"Classical post ambient nocturnal atmospheric neo-progressive folk world rock" e poi via con i soliti termini di paragone, assomiglia a: Marillion, Porcupine Tree, Muse, Radiohead, Pink Floyd e altri artisti che non staremo a riportare. Navigando sul web alla ricerca di informazioni sui Gazpacho ci si può ritrovare senza molte difficoltà in una descrizione del genere - partita da un critico musicale e fatta rimbalzare di sito in sito - una lista infinita di aggettivi che servono più ad allontanare che ad avvicinare eventuali ascoltatori. Quando la fantasia e la capacità di saper raccontare un disco finiscono, arrivano in “soccorso” termini dal suono ammaliante, che rispecchiano solo in piccolissima parte, la vera essenza del sound di un gruppo.

A discapito di un nome infelice, scelto dalla band in omaggio all'eterogeneità del nucleo fondativo del gruppo, i Gazpacho sono riusciti ad intraprendere negli anni una notevole crescita musicale. Dall'autoproduzione degli inizi, all'approdo alla label dei Marillion (Racket Records) e nel 2010, finalmente, l'interesse di un'etichetta come la Kscope si concentra sull'ultimo lavoro in studio del gruppo, Missa Atropos.

Come già accaduto per i precedenti lavori Night e Tick Tock, anche Missa Atropos è un concept album. La storia narrata è quella di un uomo che decide di tagliare tutti i legami con il mondo per trasferirsi all'interno di un faro e, in quello splendido isolamento, spera di riuscire a scrivere la messa finale per la Dea Atropos. L'intero disco si snoda intorno ai suoi tre tentativi di scrittura e cerca anche di rivelare i motivi che hanno portato l'uomo ad isolarsi dal mondo.

Missa Atropos sembra nascere da una ricercata condizione di allontanamento dal mondo da parte della band, tredici brani caratterizzati da un'atmosfera notturna, con suoni essenziali e notevoli crescendo (Snail) che restano avvolti nella dimensione notturna che pervade l'intero disco. L'introduzione di pianoforte - tra l'Amelie di Tiersen e il Chiaro Di Luna di Beethoven - della meravigliosa She's Awake è il perfetto preludio alla voce rarefatta di Jan Henrik Ohme, che qui ricorda molto quella di Matthew Bellamy dei Muse. Al risveglio e alla delicatezza di She's Awake e Will To Live, si contrappone la complessità di Defense Mechanism, River e della fluttuante title - track, caratterizzata da una continua evoluzione, resa ancora più affascinante dalla perfetta entrata in scena degli strumenti (su tutti spicca il breve passaggio di violino di Mikael Kromer).

Nessuna concessione a virtuosismi, quello che emerge da questo lavoro è che dietro ci sia stato un grande lavoro di squadra, non c'è uno strumento che spicca più degli altri, ogni strumento è stato utilizzato per creare una determinata atmosfera; tutto è stato studiato per riuscire ad avere una convergenza tra le varie personalità musicali che compongono il gruppo e poter così dar vita ad un album ricercato ma allo stesso tempo privo di ogni inutile orpello.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.radiogas.it

Pendragon - Passion

2011-06-17T01:41:00.001-07:00

Quasi trent'anni separano The Jewel dall'ultimo album in studio dei Pendragon, Passion. Quasi tre decenni di attività caratterizzati da azzardi, sperimentazioni e ritorni alle origini; questa potrebbe essere, in sintesi, la storia dei Pendragon, band britannica che insieme a gruppi come Marillion e IQ ha cercato di mantenere vivo un genere che proprio in quegli anni – gli anni Ottanta – continuava ad assistere, impotente, al proprio declino. Gli anni d'oro del progressive erano ormai un ricordo lontano e dischi di livello eccellente si potevano ascoltare con la stessa frequenza con la quale si riesce ad osservare il passaggio di una meteora. The Jewel e The Masquerade Overture (quest'ultimo del 1996) sono sicuramente le due punte di diamante della discografia del gruppo, mentre il loro ultimo Passion sembra decretare un ulteriore momento di arresto da parte della band di Nick Barrett. Ascoltando e riascoltando l'album ci si accorge che manca qualcosa; a dispetto del titolo, questa volta sembra proprio che la passione sia venuta meno. Non può bastare una tecnica eccellente (soprattutto quella del batterista Scott Higham), l'utilizzo di campionamenti studiati ad hoc, le stratificazioni sonore dal tocco ambient e i cori - a tratti floydiani - a fare un ottimo disco; così come non basta l'interessante artwork e il dvd aggiuntivo con il making of del disco, a rendere il giudizio dell'ascoltatore meno inclemente. I momenti migliori risultano essere i due estremi, l'incalzante title track che apre il disco e la conclusiva Your Black Heart, che sembra essere un vero e proprio omaggio a buona parte dei gruppi che hanno fatto la storia del rock. Tra questi due estremi si collocano brani più lunghi come la trascinante This Green And Pleasent Land e la mutevole Empathy. La maggior parte delle canzoni scorre via senza lasciare traccia del proprio passaggio dietro di sé. C'è sicuramente tanta preparazione tecnica e conoscenza musicale dietro questo disco, ma la sensazione che si ha una volta arrivati alla fine dell'ascolto è che manchi un elemento fondamentale, che è poi quello che distingue un buon album da un disco eccellente: l'ispirazione. A discolpa di Barrett e soci va il fatto di aver quasi sempre cercato di intraprendere nuove strade, senza fermarsi alla riproposizione delle classiche formule tipiche del progressive di fine anni sessanta inizi settanta; anche con Passion si è cercato di mettere in atto questo tentativo, riuscendoci però solo in piccolissima parte, per il resto, ciò che traspare è la sensazione di una generale freddezza derivata dalla consapevolezza delle proprie abilità, che però non riesce ad andare oltre questa.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Traffic - John Barleycorn Must Die (Deluxe Edition).

2011-06-15T02:50:00.000-07:00

Lo spirito del grano deve morire.

Una copertina color sabbia; al centro il disegno di un covone, l'ultimo covone, lo “spirito del grano” alias “John Barleycorn”. John Barleycorn Must Die - brano che da il titolo ad un album dei Traffic che passerà alla storia come una delle pagine più affascinanti della storia del rock - attinge direttamente dalla tradizione contadina ed in particolar modo da un rito molto antico, quello della mietitura del grano. Il grano, una volta cresciuto, doveva essere mietuto; il taglio dell'ultima parte restante e la fasciatura di quest'ultima (covone) rappresentava la morte dello “spirito del grano”. Metaforicamente parlando questo rito altro non era che il naturale ciclo della vita, perché solo con la morte dello “spirito del grano” poteva avvenire la rinascita. John Barleycorn – canzone popolare diffusa in Inghilterra e Scozia - vanta centinaia di versioni. Gruppi cardine della scena folk come Pentangle, Fairport Convention, John Reinbourn Group piuttosto che Steleeye Span o Jethro Tull l'hanno reinterpretata, ma su tutte, la versione che ci viene in mente quando pensiamo a questo brano della tradizione è sicuramente quella dei Traffic.

John Barleycorn Must Die è sicuramente l'episodio più folk di tutto il disco della band di Winwood; arpeggio di chitarra e passaggi a due voci in puro stile folk, con brevi incursioni del flauto traverso di Chris Wood a ricordarci la radice progressive del gruppo. La title track costituisce un episodio a sé rispetto al resto dell'album, basta tornare indietro fino al brano di apertura Glad per accorgersi di quanto questo gruppo sia stato capace di spaziare tra i generi più diversi. In Glad non troveremo il famoso “accordo alla Steely Dan” ma dobbiamo ammettere che Winwood ha anticipato di almeno un paio di anni alcune intuizioni di Donald Fagen. Il brano di apertura è un vero e proprio crocevia di generi con le tastiere che adesso accompagnano, adesso rispondono ai fraseggi del sax, resi ancora più dinamici dall'alternanza dell'uso della sordina. Lo strumentale che apre il disco sfuma fino a lasciare il posto al funk di Freedom Rider in cui - oltre alle meravigliose incursioni di Wood che alterna sapientemente il sax elettrificato al flauto traverso - arriva anche la voce di Winwood, intrisa di venature soul. Influenze jazz, funky, soul e folk attraversano tutto il disco, trasformando l'album in un lavoro progressive a tutti gli effetti. Se Empty Pages - brano in continuo mutamento - ha come protagonista le digressioni psichedeliche dell'hammond di Wood, splendidamente controbilanciate dalla “black voice” di Steve; la successiva Stranger To Himself inganna le nostre intuizioni con l'iniziale fingerpicking in perfetto stile Renbourn, che dura il tempo di due battute (ma ritornerà nel corso del brano, insinuandosi tra tra la voce e le tastiere di Winwood), per poi mutare forma in un ibrido jazz-rock con tanto di breve assolo di chitarra elettrica. Il finale è lasciato al malinconico blues di Every Mother's Son. “A backdoor to the universe that opens doors” questo è John Barleycorn Must Die - per dirla con l'ultimo verso di Every Mother's Son - disco che all'alba degli anni settanta tracciava a suo modo un nuovo cammino per la musica rock, donando a questo genere un respiro più ampio, attingendo da tradizioni musicali diverse, ma che hanno alla base una stessa, identica, radice.

Nella versione deluxe appena uscita in doppio cd – che vede la supervisione di Winwood – oltre alla rimasterizzazione dell'album originale, si trova un secondo disco con versioni alternative e brani live, su tutte spicca la travolgente unione in un'unica suite di Glad e Freedom Rider.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.radiogas.it

Bellowhead - Hedonism

2011-05-17T10:44:00.000-07:00

La formazione dei Bellowhead potrebbe quasi far invidia ad una consueta big band di jazz, a differenza di quest'ultima però, in questo caso non troveremo tromboni, trombe, sax, contrabbassi e batteria, o meglio, non troveremo solo loro. La famiglia di fiati viene ampliata con l'aggiunta di oboe, flauto, helicon, clarinetto basso e tuba. A questa prima sezione, che farebbe pensare ad una formazione di stampo classico, vanno ad aggiungersi strumenti tipici della tradizione folk anglosassone (e non solo) come fiddle, mandolino, concertina, organetto e bouzouki; ed ecco creato un vero e proprio ensemble di eterogeneità musicale.

Difficile, vista la composizione della band, relegare il gruppo al genere folk tout-court; l'esperimento di Jon Boden e compagni appare più complesso e pretende di attingere dal folk per poter andare oltre i confini di un genere che meglio di molti altri si presta ad innesti particolari. L'originalità delle rivisitazioni dei Bellowhead ha attirato l'attenzione della stampa d'oltremanica fin dal loro primo album in studio, Burlesque (2006). Nel 2008 le aspettative della critica non vengono infrante, grazie all'ottimo disco Matachin.

Nati prevalentemente come live band, i Bellowhead hanno dimostrato di riuscire a racchiudere in un album il tripudio di vitalità ed energia tipiche dei loro show. L'ultimo lavoro Hedonism, dimostra, molto più dei suoi precedenti, la crescita della band sotto questo punto di vista. Crescita che è dovuta all'ottimo lavoro del produttore John Leckie, ingegnere conosciuto soprattutto per i suoi lavori con Radiohead, Pink Floyd e altre band dai nomi altisonanti, ma che in realtà è artefice di altrettante ottime produzioni (ascoltare Isla dei Portico Quartet). Leckie, con la sua maestria è riuscito a far sì che la registrazione in studio non perdesse quell'approccio genuino e trascinante tipico dei live della band, riuscendo allo stesso tempo a dosare ottimamente l'entrata in scena degli strumenti, così da render vive vere e proprie “scene di vita”.

Se nel travolgente brano iniziale, New York Girls, gli strumenti a corda la fanno da padrone, nella strabordante Cold Blows The Wind sono i fiati a tessere la trama principale. I Bellowhead sono una vera e propria carovana portatrice sana di vitalità (Cross-Eyed And Chinless), in grado di rivisitare la tradizione – magari unendo ritmi tipici della musica tardo rinascimentale con ritmi della tradizione scandinava - senza mai scadere nel pacchiano (Parson Farewell) e mantenendo viva la curiosità dell'ascoltatore grazie ai continui cambi di atmosfera (A-Begging I Will Go).

E dai marinai del porto di Amsterdam di Jacques Brél, che i Bellowhead riarrangiano (Amsterdam) creando un meraviglioso crescendo di melanconia, si passa ad un canto tipico dei marinai, Little Sally Racket che qui esplode in un vorticoso (free) punk. I Bellowhead sono un'anima complessa, mutevole e inafferrabile proprio per la sua particolare natura; la strada intrapresa sembra essere quella giusta ed Hedonism ne è la conferma.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.radiogas.it

The Crayonettes - Playing out, songs for children and robots.

2011-04-30T17:21:00.000-07:00

Dietro al progetto Crayonettes ci sono Kathryn Williams e Anna Spencer, la prima cantautrice dalla voce soffusa e affascinante, la seconda fondatrice del trio punk – tutto al femminile – delle Delicate Vomit. La linearità e la distorsione continua; la ricerca dell'equilibrio contrapposta alla distruzione di quello stesso equilibrio come prova della propria unicità. Due mondi musicali diametralmente opposti trovano il loro punto di incontro nella comune esperienza dell'essere madre e nell'intenzione di voler dar vita ad una serie di canzoni in grado di divertire i propri figli (e non solo). Ecco quindi svelato l'arcano che si celava dietro il “progetto Crayonettes”. “We got to thinking about creating something that would make them laugh and make us laugh. We wanted songs that sounded like punk or disco or hip hop or country – The Small Faces brushing their teeth or The Velvet Underground asking questions about toads!”. Non sappiamo se Kathryn e Anna siano riuscite nell'intento di far divertire i propri figli, quello che appare chiaro è che questo “Playing Out – Songs For Children & Robots”, interamente suonato (e cantato) dalle due artiste – eccezion fatta per le parti di viola, contrabbasso e basso elettrico – si presenta come l'unione dei percorsi musicali delle due musiciste. Undici brani in poco meno di trenta minuti che spaziano tra echi pop (“Rainy Day”), omaggi alla disco-music (“Robots In The Rain”, “Let's Dance On The Moon”) delicate parentesi folk (“Sweet On The Floor”), avvolgenti richiami a ritmi etnici (“Emergency”) e immancabili riferimenti al punk (“Pirates On The Bus”) . Il disco non può essere definito un vero e proprio trionfo di elettronica, ma non mancano i ricorsi a suoni campionati, i quali spesso si alternano - creando veri e propri cambi di scena - a strumenti della tradizione come la viola o la chitarra acustica (“Illegal”). Gli episodi più avvolgenti risultano comunque essere quelli completamente (o quasi) privi di qualunque sovrastruttura elettronica.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su www.xtm.it

Approfondimento Porcupine Tree - "I was born in '67..."

2011-04-14T07:36:00.000-07:00

"I was born in '67..."

Nell'interminabile universo musicale è facile imbattersi in gruppi di difficile collocazione perché allergici ad ogni tipo di stabilità rassicurante. Facile per alcune band diventare l'altoparlante di gruppi che hanno segnato la storia del rock, ancora più facile trovare il proprio sentiero e finire con il diventare un'interminabile copia di se stessi. I Porcupine Tree costituiscono un tipico esempio di “mina vagante” e la loro musica – nel bene e nel male – riesce a sfuggire ad ogni etichettatura di genere; band in continua mutazione stilistica, eterna dannazione per i fan della prima ora. A loro modo hanno dato un senso al termine “progressive”, che al di là di ogni connotazione prettamente tecnica è un termine che vuole indicare prima di tutto continua evoluzione, cammino costante verso nuovi cambiamenti.

Ma cerchiamo di andare con ordine.

I Porcupine Tree nascono verso la fine degli anni ottanta come one-man-band dell'eclettico Steven Wilson, che in quegli stessi anni stava portando avanti un altro suo progetto (No Man) con il cantante Tim Bowness. Il padre di Wilson, oltre che grande appassionato di musica era anche un eccellente ingegnere elettronico e la costruzione di una multi-track tape machine per il figlio adolescente, ha permesso a Wilson di tuffarsi nel creativo mondo della registrazione fin da giovanissimo. Negli anni a venire Steven allestirà la propria stanza come una vera e propria sala di registrazione e così nel 1989 crea una cassetta a nome Porcupine Tree dal titolo Tarquin's Seaweed Farm, mentre l'anno successivo arriverà l'EP The Love, Death & Mussolini e The Nostalgia Factory...And Other Tips For Amateur Golfers. La maggior parte dei brani contenuti in questi tapes (ormai diventati veri e propri oggetti da collezione) confluiranno - con le dovute modifiche in fase di riarrangiamento – nell'album del 1991 On The Sunday Of Life (****), vero e proprio omaggio di Wilson alla musica che lo aveva formato. L'album è interamente suonato da Steven, eccezion fatta per gli inserti di oboe - eseguiti da Timothy Masters - che aprono passaggi verso mondi incantati (On The Sunday Of Life) e spiragli di razionalità tra i vortici acidi della prima parte dell'album (che prenderà il nome di First Love). Nella “Chiaroveggenza” della seconda sezione del disco è invece racchiusa l'essenza ultima dei Porcupine Tree, due brani che da soli inquadrano alla perfezione il “gruppo”, in opposizione per durata e arrangiamenti. Da una parte la sinistra Radioactive Toy, caratterizzata da tastiere rassicuranti e digressioni chitarristiche in perfetto stile Gilmour (periodo The Wall), essenziali e assolutamente efficaci. Immediatamente dopo troviamo la splendida Nine Cats, ballad visionaria e sognante puntellata da astrali note di chitarra. I Beatles vengono invece palesemente citati in Footprints (“Tangerine trees and marmalade skies and plasticine porters with looking glass ties“) e indirettamente nella “Joy Division-style” This Long Silence (“Mark Chapman stared at fantasy bare wires burned his brain as Sergeant Pepper led the band playing through the rain”), che prelude alla lunga It Will Rain For A Million Years, il brano più intenso di tutto l'album.

Se On The Sunday Of Life può essere considerato a tutti gli effetti una sorta di “best of” della one-man-band Porcupine Tree, nel 1993 arriva il momento di dare alla luce il primo vero e proprio album a marchio Porcupine, Up The Downstair (****).

Nell'album doveva rientrare anche lo psichedelico viaggio tra le droghe allucinogene di Voyage 34, brano che originariamente aveva la durata di 13 minuti, ai quali Wilson ne aggiunse altri 17 facendo di Voyage 34 il singolo più lungo di tutti i tempi, secondo solo – come Steven sottolinea nelle note di copertina della ristampa dell'album - alla Blue Room degli Orb. Una volta accantonata l'opzione di far rientrare Voyage 34, in Up The Downstair quest'ultima uscirà come EP nel 1992.

“What you're listening to are musicians, performing psychedelic music under the influence of mind-altering chemical called...”, così si apre Up The Downstair, con una voce introduttiva che lascia in sospeso la pronuncia di un acronimo che non è poi così difficile da riconoscere. Anche se timidamente, arrivano i primi ingressi nel gruppo, Richard Barbieri nella programmazione elttronica del brano della title track e Colin Edwin al basso di Always Never. L'album è un lungo fluire di immagini sfocate, con testi che lasciano spesso una sensazione simile a quella che si prova guardano una foto strappata. Il lavoro in fase di incisione di Wilson continua a rivelarsi sorprendente, così come sorprendente appare la facilità con cui riesce a dare vita a brani di “breve” durata come, la trascinante Synesthesia e con la stessa facilità elaborare componimenti che nonostante i loro dieci minuti di vita, riescono ad ipnotizzare l'ascoltatore, vedi la title track o la splendida Burning Sky.

Burning Sky che a tratti, con i suoi cambi di tempo repentini, si presenta come un vero e proprio omaggio al progressive vecchio stile. Gli inserti di chitarra di Wilson appaiono invece sempre più intelligenti, mirati e dosati ottimamente (Fadeway, Always Never, solo per citarne alcuni).

A proposito di ruolo principale della chitarra, una delle vette raggiunte dai Porcupine è sicuramente The Sky Moves Sideways, brano articolato in due parti, che da il titolo al terzo lavoro della band. Con l'album The Sky Moves Sideways (****), finalmente il termine Porcupine Tree smette di essere lo pseudonimo usato per indicare la sola persona di Steven Wilson.

In questo disco viene annientata ogni percezione di spazio-tempo; se gli undici minuti di Burning Sky potevano sembrarci un tempo considerevole, qui abbiamo un album incorniciato da due brani della durata complessiva di quasi quaranta minuti (e non dimentichiamo i 17 minuti di Moonloop). Wilson non è certo nuovo a questo genere di composizioni (ricordiamoci Voyage 34), ma dovevamo aspettare il 1995 e l'ingresso nella band di musicisti del calibro di Chris Maitland (batteria), oltre ai confermati Richard Barbieri e Colin Edwin, per riuscire ad ascoltare un album che suonasse a tutti gli effetti come un lavoro di squadra. Gli accordi fluttuanti di chitarra che aprono The Sky Moves Sideways Phase One creano un ottimo preludio a quello che sarà un continuo cambiamento: chitarre che scompaiono per dare spazio ai sintetizzatori, che a loro volta si alternano a passaggi di percussioni, brevissimi solo di chitarra, passaggi di flauto traverso, il tutto fino a creare un vortice musicale che aumenta e diminuisce continuamente, fino alla sua dissolvenza finale. Moonloop, altro pezzo cardine del disco, con il suo crescendo che sfocia in un delirio di improvvisazioni è il giusto controcanto alla delicatezza dell'eterea The Moon Touches You Shoulder.

“We invite you, wherever you are, whether you're at home or whatever, to kick your shoes off and put your feet up and lean back and, uh, get yourself a cup of coffee or something and just relax and join us in enjoying some very quiet and romantic and relaxed music for a couple of hours. Born, Live, Die, Signify”, così, come nel caso di Up The Downstair, anche per Signify (***1/2) ci ritroviamo ad ascoltare una voce narrante che ci introduce al disco; ma proprio mentre siamo alle prese con la nostra buona tazza di caffé, pronti a viaggiare con la mente tra le atmosfere fluttuanti create da Wilson e i suoi, non facciamo in tempo a chiudere gli occhi che già veniamo bruscamente riportati con i piedi per terra dall'incedere incalzante della seconda traccia, Signify. Ma la title track è solo una nuvola passeggera, il senso delle parole introduttive di Bornlivedie arriva soprattutto con le tracce Pagan e Waiting (phase I e phase II). Con loro inizia il vero e proprio viaggio, uno di quei viaggi alla “Porcupine Tree”, con tappeti sonori sui quali Wilson apre efficaci parentesi chitarristiche, oppure - su quegli stessi tappeti sonori – troviamo i percorsi tracciati dalle percussioni di Maitland, che diventano motore trainante per i grappoli di note delle tastiere di Richard Barbieri, che ci conducono fino ad una vera e propria esplosione di batteria, chitarra ed elementi elettronici. Le due fasi di Waiting resteranno sicuramente il punto più alto di tutto il disco. La successiva Server (così come Waiting phase I) merita menzione per la voce di Maitland che si unisce a quella di Wilson nel ritornello, caratteristica che non mancherà mai (anche se la seconda voce non sarà sempre quella di Maitland) nei momenti più lirici dei Porcupine. Per un millesimo di secondo veniamo traditi dal delicato suono del flauto traverso di Idiot Prayer che ci riporta indietro fino ai King Crimson di I Talk To The Wind. Nonostante il gruppo sembri sempre più affiatato, l'album non manca di momenti di smarrimento, come nel caso di Intermediate Jesus, ricca di digressioni musicali che però non portano da nessuna parte. Dark Matter è invece un chiaro omaggio al bending di David Gilmour, ma allo stesso tempo ci regala uno spaccato dei Porcupine che ascolteremo di lì a tre anni. La voce narrante dell'inizio, la ritroviamo anche sul finale, pronta a dirci i risultati della seduta: "You've just had a heavy session of electro-shock therapy and you're more relaxed than you've been in weeks. All those childhood traumas magically wiped away - along with most of your personality".

Poteva mai esistere un sogno più stupido che fare della musica e volerla vendere? Questo è a grandi linee il pensiero di Wilson, pensiero che è anche alla base del disco della svolta dei Porcupine Tree, Stupid Dream (***), appunto. Dimenticatevi il passato, i viaggi lisergici negli angoli più nascosti dei nostri universi; preparatevi ad una brusca sterzata verso brani concepiti come hit-song dai ritornelli ovattati (Piano Lessons) e testi molto meno misteriosi. I brani più belli del disco sono quelli che hanno ancora qualcosa dei Porcupine Tree dell'altro universo e valgono da soli l'intero album: Even Less, Slave Called Shiver, Don't Hate Me, la straziante Stop Swimming, A Smart Kid e Tinto Brass. Il disco è impeccabile dal punto di vista della registrazione e i brani, anche quelli più ammiccanti al pop-rock da classifica, risultano comunque ottimamente strutturati. Non è difficile ogni tanto chiedersi quale sia il gruppo che si sta ascoltando (sentite l'inizio di Stranger By The Minute), ma superati questi brevi attimi di smarrimento, bisogna riconoscere a Wilson e compagni la grande capacità di spaziare tra i generi più disparati e di aver iniziato – finalmente – ad unire le proprie forze.

Gli inizi del nuovo millennio vengono inaurati da Lightbulb Sun (**1/2); lo “Stupido Sogno” sembra prendere sempre più piede e si incarna in The Rest Will Flow, brano che avrebbe tranquillamente potuto far parte di un disco dei Blackfield (uno dei tanti progetti paralleli di Wilson), grazie al suo ritornello intriso di pop e ai suoi arrangiamenti orchestrali. Ma i Porcupine Tree dell'universo parallelo non sono ancora scomparsi del tutto e si palesano nella “breve suite” di Russia On Ice. La Nine Cats di On The Sunday Of Life qui potrebbe essere la bellissima Shesmovedon, brano dal ritornello sognante e testo molto più diretto rispetto alla criptica ballad del primo album. La virata verso lidi più “sicuri” sta continuando e Four Chords That Made A Million - chiaro riferimento al “copia e incolla” facile dei fratelli Gallagher – ne è uno degli esempi più lampanti. I Nostalgici dovranno appigliarsi a Hate Song e Russia On Ice per rituffarsi nei gloriosi tempi in cui la strada percorsa era ancora quella di un rock progressivo intriso di psichedelia, richiami jazz e accenni metal. Questi due brani restano la base portante di tutto l'album, la prima grazie ai geniali arrangiamenti concepiti dalla band, la seconda per la sua capacità di traghettare nuovamente l'ascoltatore – proprio come ai vecchi tempi – verso mondi che ormai sembravano essere perduti, sommersi da questa nuova inclinazione Wilsoniana verso il sicuro.

Qual è uno dei primi traguardi da raggiungere per far sì che lo “Stupido Sogno” si realizzi? Ovvio, l'approdo ad una major. In Absentia (****1/2) del 2002 sancisce proprio questo: l'entrata dei Porcupine Tree nella Lava Records. I brani si fanno ancora più raffinati, Blackest Eyes, canzone che apre il disco, chiarisce subito ogni eventuale dubbio su quello che sarà l'incedere dell'album.

Le fa seguito un brano che diventerà un must durante i concerti dei Porcupine, Trains, vero e proprio riassunto dell'estro creativo del gruppo. Sono tornati, ecco i Porcupine che aspettavamo da un po' di dischi a questa parte; li ritroviamo nelle atmosfere di Lips Of Ashes o nel riff di The Sound Of Muzak, pronto ad aprirsi al “refrain alla Wilson”. I due opposti sembrano riuscire a fondersi in questo disco, l'orecchiabilità di alcuni ritornelli è parte perfettamente integrante e non elemento dissonante dell'album e questo lo si può notare in brani come Gravity Eyelid e Prodigal. Il lavoro sublime fatto sugli arrangiamenti di batteria lo si deve al nuovo entrato Gavin Harrison, che ha elevato all'ennesima potenza la bellezza di Wedding Nails, brano strumentale acido e intriso di venature metal. Il disco risulta molto più unitario rispetto al precedente e la sua continua evoluzione, i continui cambi di atmosfera, lo rendono ancora più evocativo. La chiusura è impeccabile e arriva dopo la tempestosa Strip The Soul, crocevia di miriadi di generi musicali. Dopo continue rincorse in cerca della tanto bramata vetta, Collapse The Sun Into Earth, caratterizzata da accordi di pianoforte alla Sigur Ros, così come al gruppo islandese rimandano anche gli inserti orchestrali; la sensazione è davvero quella di essere arrivati, di poter guardare dall'alto tutto ciò che abbiamo sempre visto da tutt'altra prospettiva.

L'attività principale di Steven Wilson è sì quella con i Porcupine Tree, ma negli anni l'instancabile musicista ha dato vita a molti altri progetti paralleli (No-Man, Bass Communion, I.E.M. e Blackfield) nei quali faceva (e fa) confluire le sue passioni musicali che sono le più diverse: ambient, elettronica, pop-rock, krautorock e via discorrendo. A queste attività ne vanno aggiunte ancora altre tra le quali la produzione di tre dischi della band svedese Opeth, (Blackwater Park, Deliverance, Damnation). Mikael Akerfaeldt, vocalist e chitarra degli Opeth, ricambia la stima di Wilson partecipando come back vocalist e seconda chitarra in alcune tracce del nuovo album dei Porcupine Tree, Deadwing (***1/2). La continua evoluzione dei Porcospini questa volta ci porta ad ascoltare un disco con molte più influenze metal, partendo dalla title -track fino ad arrivare a Open Car, passando per il riff di Shallow piuttosto che dal giro di basso jazz-style di Halo; tutto senza dimenticare la componente emotiva, che è data dalle aperture – prevalentemente acustiche – dei refrain. Se prendiamo Nine Cats e la uniamo a She's Moved On molto probabilmente otterremmo Lazarus, piccolo gioiello in cui la sovrapposizione di linee chitarristiche sfocia - e si fonde - con gli arpeggi incalzanti della tastiera, per rincorrere insieme il climax. Se Lazarus è il brano che una volta terminato ti lascia ancora gli occhi sognanti, la breve suite Arriving Somewhere è in assoluto la punta di diamante del disco. L'inizio, in perfetto stile Pink Floyd ultima maniera, riesce a creare la giusta attesa: un lungo e continuo crescendo fino alla sezione centrale, dove ha luogo una vera e propria esplosione di chitarre, batteria e tastiere, in perfetto stile Porcupine-prog-metal, placata improvvisamente per una breve parentesi di chitarra alla Watershed (Opeth), per poi riprendere il suo corso, ma con una maggiore morbidezza.

L'inizio di Fear Of A Blank Planet non lascia scampo, se “Deadwing” si chiudeva con la delicata e sognante Glass Arm Shattering, la title track del nuovo album (****) non lascia via d'uscita: ritmi incalzanti, sostenuti dalla splendida batteria di Harrison; scenari oscuri che a tratti sembrano aprire a brevi attimi di tranquillità, che continuano comunque ad avere un sapore sinistro. Il nuovo disco dei Porcupine Tree ha un ospite illustre, un certo Robert Fripp, che si paleserà nei soundscapes della delicata My Ashes, che andrà a confluire nella suite Anesthetize, quasi diciotto minuti di completa immersione in flussi sonori sempre diversi, con richiami a generi e gruppi musicali diversi (all'inizio del brano non si fatica a riconoscere i Joy Division). Brano che si sviluppa in tre parti ben distinte: crescendo iniziale che si svilupperà in una sezione centrale caratterizzata anch'essa da un crescendo, ma di tutt'altro genere, intriso di metal; la terza sezione è la chiusura del cerchio, la quiete dopo la tempesta, come è giusto che sia. Il titolo Sentimental è una sorta di depistaggio visto il testo disilluso e non proprio ottimista della canzone, ma testo a parte, il brano rappresenta il lato geniale del gruppo; quasi ogni album dei Porcupine contiene una stella più luminosa delle altre, che ha alla base arrangiamenti semplici e riesce a funzionare alla perfezione senza l'ausilio di nessuna sovrastruttura.

Quanti fan della cosiddetta prima ora avranno continuato ad acquistare dischi della band fino a Fear Of A Blank Planet? Forse non moltissimi, di sicuro c'è che se siete arrivati fino al suddetto album, tappandovi le orecchie per non sentire suoni che secondo voi appartengono ad una altra band, The Incident (**1/2) potrebbe essere la pietra tombale che posizionerete sopra buona parte della produzione Porcupine Tree.

Concept che si sviluppa in un unico disco più un secondo cd contenente pezzi completamente slegati rispetto alla storia principale. Gli arrangiamenti si ancora più sofisticati ma l'album a tratti sembra davvero un disco frutto di un'altra band. Pezzi per lo più brevi se si tiene conto dei tempi dei Porcupine, eccezion fatta per gli undici minuti di Time Flies che non nasconde un debito chitarristico nei confronti della Floydiana Dogs, ma che risulta essere anche il momento più interessante di tutto il lavoro. La title track invece il suo debito lo ha con alcune campionature Gabrieliana memoria. A ricordare che si tratta di un concept, oltre alla storia che c'è alla base della creazione del disco (l'attesa in coda a causa di un incidente stradale è stata la scintilla che ha innescato l'ispirazione di Wilson), troviamo anche diverse trame musicali che vengono riproposte in più di un brano, vedi per esempio quella di Occam's Razor che ritorna in Degree Zero Of Liberty o Octane Twisted che ritroviamo in The Seance. L'album racchiude storie diverse di – appunto – incidenti, ma si tratta di storie appena accennate, che lasciano spazio a molte interpretazioni. Il sound della band sposta ulteriormente la propria bussola e il singolo Drowing The Line ne è l'esempio più lampante.

Con questo disco, alla corte dell' “Albero di Porcospino” saranno arrivati sicuramente nuovi – e probabilmente più giovani – fan; molti altri si saranno rintanati nella propria stanza, nella speranza che il nastro di Tarquin's Seaweed Farm resista all'usura del tempo (ma soprattutto all'inclemenza dell'impianto stereo). Sfortunatamente per loro non ci sarà nessuna macchina del tempo che possa riportare i loro (ex)beniamini indietro, Wilson ha fatto le sue scelte, è prendere o lasciare.

Chiara Felice

Approfondimento pubblicato su www.radiogas.it

Portico Quartet - "Knee-deep in the North sea".

2011-04-01T04:33:00.000-07:00

La storia dei Portico Quartet è la storia di quattro musicisti che dalle strade della South Bank londinese, riescono ad approdare agli studi della Real World di Peter Gabriel in poco più di una manciata di anni. Ma tra gli inizi passati suonando a pochi passi dal teatro nazionale di Londra e il passaggio allo “studio-isola” dei Real Wolrd - immerso nel silenzioso paesaggio collinare di Bath - c'è una tappa intermedia: “Knee-Deep In The North Sea”, uscito nel 2007 per la Babel/Vortex, che permetterà ai Portico di attirare su di sé le attenzioni della critica (la rivista specializzata “Time Out” lo nominerà album dell'anno) e del grande pubblico (grazie all'entrata in nomination per il “Mercury Music Prize” del 2008). Il successivo “Isla” diventerà il loro lavoro di maggior successo - vantando non pochi debiti verso il produttore John Leckie (Radiohead, Pink Floyd, Muse...) - e sancirà il sodalizio dei Portico Quartet con l'etichetta di Gabriel. Sull'onda di questo successo, la Real World ha deciso di ristampare in edizione deluxe “Knee-Deep In The North Sea”. Chi si era abituato alle trame ipnotiche create dall'hang di Nick Mulvey, qui si troverà di fronte a tutt'altra realtà sonora, figlia dei tanti giorni passati in strada ad inventarsi improvvisazioni in grado di restare nella mente di chi – casualmente o meno – si imbatteva in quell'angolo di città. L'attenzione dell'ascoltatore viene catturata soprattutto dal suono dello hang, strumento degli inizi del nuovo millennio, nato in Svizzera nonostante il suo timbro rimandi a strumenti di provenienza “esotica”. L'hang è l'elemento intorno al quale si sviluppa tutto il resto, soprattutto le melodie del sax di Jack Wyllie. Il jazz di “Knee-Deep In The North Sea” risulta meno elaborato rispetto al suo successore, caratterizzato da melodie di assoluta orecchiabilità (“News From Verona”, “Somethings Going Down On Zavodovski Island”). Se “Isla” era a tratti estremamente sofisticato, questo è più diretto, genuino, composto per gran parte da brani schietti, privi di qualunque orpello, che mirano alla creazione di una melodia ben definita. Dicevamo della genuinità di “Knee-Deep In The North Sea”, genuinità che ritroviamo in brani come “Cittagazze” o nell'alchimia di “Prickly Pear” e “Steps In The Wrong Direction”, mentre la title track sembra essere una sorta di preludio all'album “Isla”. Per adesso i Portico Quartet non hanno sbagliato un colpo, le loro creazioni di “paesaggi in musica” riescono ad andare oltre il solito “jazz di catalogo” e ascoltarli dal vivo è sicuramente il modo migliore per poterli apprezzare come meritano. Menzionare a dovere i quattro autori di queste eccellenti esperienze sonore è il minimo che si possa fare: Duncan Bellamy (batteria e autore delle copertine dischi), Milo Fitzpatrick (contrabbasso), Nick Mulvey (hang e percussioni) e Jack Wyllie (soprano, sax tenore ed elettronica); a loro dobbiamo la creazione e l'interpretazione di questi brani intelligenti, fortemente influenzati dalla musica classica contemporanea piuttosto che da quella ambient o etnica. Sono convinta che torneremo presto a parlare della loro musica!

Chiara Felice.

Recensione pubblicata sul sito "Extra!" ( http://www.xtm.it/ )

Blackfield - Wecolme to my DNA.

2011-03-24T12:33:00.000-07:00

Steven Wilson è un vero e proprio lavoratore indefesso e stare dietro a tutti i suoi flussi creativi rischia di diventare un vero e proprio impiego a tempo pieno. L'arteria principale verso la quale veicola le sue intuizioni e i suoi progetti musicali più impegnativi è sicuramente quella dei Porcupine Tree, ma accanto a questa attività, nel corso degli anni si sono aggiunti numerosi affluenti che influenzano e a volte vengono influenzati dai Porcupine. Tutto questo scaturisce dal bisogno di Wilson di dare sfogo alle sue molteplici passioni musicali, ecco allora nascere eccellenti collaborazioni, come quella con Tim Bowness con il quale forma (nel lontano 1987) il duo No-Man. Negli anni successivi fonda i progetti Bass Communion e I.E.M., gruppi dove trovano sfogo sperimentazioni ambient ed elettroniche (Bass Communion) o che cercano di elaborare e sviluppare la tradizione del cosiddetto krautorock (I.E.M.). Il suo progetto più giovane è proprio “Blackfield”, duo nato nel 2001 dalla collaborazione di Wilson con il cantante israeliano Aviv Geffen. Con i Blackfield viene fuori il “light side” del leader dei Porcupine Tree, quello più “leggero”, incline alla creazione di pezzi da classifica, orecchiabili ma di ottima fattura. Geffen, artista poco affezionato alle lunghe digressioni musicali tipiche dei Porcupine e Wilson, camaleontico musicista che riesce a trasformare in oro tutto (o quasi) quello che tocca, questa è l'alchimia dalla quale prendono vita i dischi del duo, ormai al loro terzo album. “Welcome To My DNA”, ultimo lavoro in studio, è sicuramente il loro disco migliore, maggiormente curato in ogni dettaglio. Può sembrare un paradosso ma scrivere un pezzo da tre minuti può essere infinitamente più complesso che scrivere una suite da venti minuti. Chi è abituato ad ascoltare lo Steven nella versione dei Porcupine Tree ha bisogno di qualche istante in più per adattarsi ai tempi dei Blackfield, deve rigenerare la propria fantasia adattandola ai tre minuti canonici delle canzoni pop, ma questo non sarà un grande sacrificio e il trasporto di brani come “Blood” e “Oxygen” sapranno ricompensarci a dovere! Una chitarra dal timbro ovattato si ritaglia il proprio spazio in buona parte dei brani del disco (“Rising On The Tide”, “On The Plane”), mentre la coinvolgente “Blood” ci ricorda la supervisione di Wilson al meraviglioso disco degli Orphaned Land “The Never Ending Way Of Orwarrior”; tutt'altra atmosfera in “Dissolving With The Night” vero e proprio decollo in musica, caratterizzato da un'epicità tipica dei migliori Sigur Ros. Non mancherà tempo e ci ritroveremo nuovamente qui, a parlare di un nuovo disco che vede Wilson come protagonista, l'unica speranza è che continui a sviluppare queste sue molteplici sfaccettature e che la creatività non venga mai meno (ma che allo stesso tempo venga utilizzata al meglio).

Chiara Felice

Recensione pubblicata sul sito "Extra!" ( http://www.xtm.it/ )

Luigi Campoccia "On the way to Damascus".

2011-03-20T08:03:00.000-07:00

Luigi Campoccia, pianista jazz per moltissimi anni a fianco di Giorgio Gaber, ha all'attivo tre album solista. Se i suoi primi due lavori volevano essere un omaggio rispettivamente a Gaber e alla storia del jazz, quest'ultimo disco proietta l'attenzione verso una fonte di inesauribile ricchezza culturale qual è l'area del mediterraneo. “On The Way To Damascus” o meglio, dall'Isola d'Elba al golfo di Smirne. Per l'occasione, oltre ai musicisti Paolo Corsi, Rossano Gasperini (entrambi già nell'album “Walking About Jazz”) e Daniele Malvisi, Luigi si avvale della collaborazione di due musicisti turchi: Onder Focan alla chitarra e Aziz Senol Filiz al ney (strumento a fiato dal passato millenario, tipico dell'Asia occidentale e della Persia). Focan e Senol rappresentano le due anime della Turchia: il primo fortemente influenzato dalla musica occidentale, il secondo sapiente conoscitore della propria tradizione musicale e possessore – a quanto si dice – del ney più antico che ci sia in circolazione, che ha ben 250 anni! L'intenzione non è quella di creare un disco “alla moda”, il classico album di jazz annacquato da richiami orientaleggianti; non si cerca il tocco di colore etnico che al giorno d'oggi fa sempre molto “esotico”; la strada che si è inteso percorrere è ben diversa, caratterizzata dalla voglia di poter instaurare un dialogo tra due culture musicali. Esperimento che sembra esser riuscito; basta ascoltare l'onirica “Kacsam Birakip” per rendersi conto di quanto oriente ed occidente possano fondersi e a tratti confondersi, mantenendo sempre ben radicate le proprie radici. Il brano (scritto da Mehveş Hanım, compositrice ottomana del novecento) è un affascinante dialogo a tre: pianoforte e ney sembrano esserne i protagonisti principali mentre la chitarra è l'elemento mediatore, che a tratti ricama, a tratti da sfogo ai propri flussi creativi. La chitarra di Focan riesce ad esprimere il meglio di sé nella successiva “Over The Carpet”, un tango sostenuto, caratterizzato per tutta la prima parte dai fraseggi dell'elettrica, perfetta anticipazione dell'intermezzo che vede ney e pianoforte protagonisti principali. “On The Way To Damascus”, il brano che apre il disco è invece il preludio, una lunga ascesa che dagli accordi tipici del jazz sfocia verso le alterazioni della musica orientale. Tutto l'album è un magnifico percorso ricco di atmosfere adesso soffuse e nascoste nella penombra, adesso calde e avvolgenti come gli stretti vicoli di un'antica città turca. La sensazione che si ha ascoltando il disco è che ogni musicista dia vita ad una sorta di canovaccio musicale attorno al quale gli altri iniziano a modellare le proprie idee; idee che confluiscono perfettamente in questo grande affluente principale. Percorsi individuali che si uniscono per portare avanti un'idea comune. Jazz, appunto.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su "Extra!" (http://www.xtm.it/)

A Toys Orchestra live @ Viper Theater (Firenze).

2011-03-18T14:50:00.000-07:00

In moltissimi casi non bisogna mai prendere alla lettera gli orari ufficiali dell'inizio dei concerti (in questo caso 21.15). Ammetto che forse sono "too old for rock'n'roll" (ovviamente anche "too young to die") però questa abitudine tutta italiana di far iniziare i concerti ad orari alquanto improbabili finisce sempre con il gettarmi nello sconforto, oltre ad abbassare notevolmente il mio entusiasmo, ma probabilmente questo è un problema tutto mio. Grande preambolo per dire che alle 21.30 del 3 marzo 2011 mi trovo, puntuale, all'entrata del Viper Theater. Nonostante l'accredito, mi viene comunque chiesto di acquistare un "biglietto di cortesia" della modica cifra di un euro che servirà a pagare i diritti siae; la storia mi ha fatto storcere un po' il naso e ancora adesso sento puzza di "cortese furbata". Ma adesso basta con le negatività.

Era da tempo che aspettavo l'occasione di poter assistere ad un concerto degli A Toys Orchestra; qualche anno fa rimasi affascinata dal loro penultimo lavoro Technicolor Dreams (2007), che mi portò ad ascoltare anche il precedente Cuckoo Boohoo (2004). Finalmente un gruppo di indie italiano che riesce ad attirare la mia attenzione (a loro favore, per quanto mi riguarda, ci sono i testi in inglese). Il tour degli A Toys Orchestra (che per questa data avranno i Dilatazione di Prato ad anticipare la loro salita sul palco), promuove il loro ultimo disco in studio Midnight Talks. Date le sonorità del disco, il gruppo sembra appena uscito dagli Abbey Road in compagnia dei Fab-Four, anche se il brano che apre il concerto, Mistycal Mistake, rimanda senza appello ad un famoso pezzo dei Queen. Ma torniamo ai Beatles - citati musicalmente e liricamente nella "Rubber Soul" di Plastic Romance - che sembrano essersi insinuati nel sound degli A Toys Orchestra donando a molti brani quel "cambio di scena" tanto caro ai quattro ragazzi di Liverpool. Il pubblico ascolta con un silenzio quasi di riverenza, forse stupito da una resa live al di sopra delle aspettative. Mentre giù dal palco ognuno mantiene quasi religiosamente il proprio posto, sopra al palco la storia è ben diversa e si assiste ad un gran via vai di bassisti che si portano alla sei corde, tastieristi che imbracciano la chitarra (compresa una fender telecaster personalizzata da un adesivo che presenta in bella vista la scritta "la speranza è una trappola") o si trasferiscono alla diamonica; tutto sotto gli occhi di un batterista che sembra essere l'unico punto fermo, stella polare che non si concede il lusso del cambiamento. In questo grande susseguirsi di cambiamenti continui che fanno davvero pensare alla messa in scena di un gioco infinito non mancano momenti più introspettivi, legati soprattutto a brani di album precedenti, come la melanconica Invisible (da Technicolor Dreams) e l'inossidabile Peter Pan Syndrome (da Cuckoo Boohoo). Se Midnight Talks rappresenta un passo in avanti nella maturità artistica del gruppo, questo concerto ne è la controprova grazie alla riproposizione di queste raffinate "conversazioni notturne" in formato hit-song.

Acquisto del vinile obbligatorio visto il bel concerto e poi via a casa continuando a canticchiare "...let me lose control, let me climb your plastic world...", squarcio di luce in questa notte fiorentina.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su RadioGas ( http://www.radiogas.it/default.asp )

Belshazzar's Feast - Find The Lady.

2011-03-16T20:25:00.000-07:00

Tra montagne nebbiose e pub situati in una strada alla fine del mondo, arriva il suono di una fisarmonica accompagnato da una voce che in un certo qual modo sembra esserci familiare. Voce modellata da secoli e secoli di racconti. Racconti che in parte sembravano esser destinati all'estinzione e in parte erano invece usciti vittoriosi dalla lotta contro il tempo. Tempo che può nascondere ma non cancellare. Di storie sepolte dal tempo “Find The Lady” sembra non averne traccia, troviamo invece molti traditional conosciuti, a partire dal brano che apre l'album “Wild Rover”, vero e proprio cavallo di battaglia per molti gruppi di estrazione folk. Tutto è pervaso dall'ombra del passato, dalle canzoni al nome del gruppo: Belshazzar's Feast, titolo di una delle cantate più note del famoso compositore William Walton. A capo di questo grande carrozzone stracolmo di storia c'è il violinista Paul Sartin, già con i Bellowhead, affascinante progetto di folk contemporaneo composto da ben undici elementi (compresa una sezione di ottoni). Nei Belshazzar's Feast, Sartin presta anche la sua voce ed è affiancato dal fisarmonicista Paul Hutchinson, oltre che dai musicisti Pete Flood (percussioni), Jackie Oates (viola, cori) e Jim Moray (chitarra), giovane e abile produttore che curerà il mixaggio del disco. L'album è ottimamente prodotto e curato negli arrangiamenti, l'ispirazione sembra l'unico elemento mancante. Non basta infatti la grande preparazione musicale di Sartin e company; la tradizione viene ripresa e riproposta senza grandi stravolgimenti, senza virate geniali. Un'ora di musica orecchiabile ma priva di slanci appassionati. Affascinanti le atmosfere create, grazie anche ai tappeti sonori della fisarmonica (“Queen Of Hearts/ Well Done Jack”, “Home Lad, Home”), facile in molti casi pensare alla verde terra d'Iranda (“Widows Shall All Have Husbands”). “Primus Hornpipe” è l'unica eccezione che ci porta fuori dai confini delle due isole sorelle per catapultarci nella piccola collinetta di Montmartre, nel chiaro-scuro di un locale parigino, intenti ad ascoltare l'incedere jazzato di un gruppo di musicisti, magari capitanati dal vecchio Django (Reinhardt). La bravura c'è, ma sarebbe stato bello far andare l'ascoltatore oltre i luoghi comuni della propria fantasia.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Wyatt/Atzmon/Stephen - "...for the ghosts within"

2011-02-24T15:41:00.000-08:00

...For The Ghosts Within è un progetto che nasce da un'idea del musicista jazz Gilad Atzmon insieme alla violinista Ros Stephen e che vede, quasi in veste di ospite illustre, la partecipazione di Robert Wyatt. Non si può quindi parlare di un vero e proprio nuovo disco a esclusivo marchio Wyatt, ma piuttosto di un'interessante collaborazione che ha dato vita ad un album a tratti affascinante. Ad un primo e superficiale ascolto si potrebbe rimanere alquanto interdetti nel notare una certa disomogeneità generale, ma quando si ascolta del materiale che vede la presenza dell'ex Soft Machine non si può certo limitarsi alle impressioni del primo ascolto. Non è il caso di fare paragoni con pietre angolari del rock quali Rock Bottom piuttosto che Shleep, ...For The Ghosts Within è più un ritorno alla giovinezza, ai brani che in un modo o nell'altro hanno influito nell'evoluzione musicale di Wyatt, a questi si vanno ad aggiungere canzoni che in una certa maniera tentano di sperimentare nuove strade, cercando di far interagire il rap con musiche dal forte afflato etnico (Where Are They Now?), tentativo non pienamente riuscito. L'inizio dell'album ha tutto il sapore di un vecchio musical, stile Un Americano a Parigi, con gli archi a sottolineare scene di romanticismo pieno di pudore e il cantato di Wyatt che sembra dar voce alle malinconie del protagonista. L'inizio è pieno di pathos, ma già dal secondo brano, il clarinetto di Atzmon inizia a tessere linee melodiche di forte impronta orientale, che esploderanno nella bellissima title track, resa ancora più dolce dalla voce della moglie di Atzmon, Tali. Una buona parte dell'album è dedicata all'interpretazione di brani della tradizione jazz, non passa inosservata la rivisitazione di What A Wonderful World, carica di malinconia; malinconia che viene mitigata dai delicati arrangiamenti d'archi. Di classico in classico, non poteva mancare il tributo a Duke Ellington e alla sua In A Sentimental Mood; anche qui l'introduzione d'archi è quella che ci si aspetta all'inizio di uno di quei vecchi film in bianco e nero, quando la macchina da presa si sofferma per qualche istante sul volto del protagonista, nella speranza di captarne i sentimenti più nascosti. Chissà se il clarinettista Woody Allen, dopo aver sentito il bellissimo clarinetto di Atzmon in questa In A Sentimental Mood, l'avrebbe inserita nella colonna sonora del suo Manhattan. Round Midnight di Thelonious Monk viene qui fischiettata da Wyatt, mentre Lush Life di Strayhorn ci trasporta in una condizione di onirica melanconia. ...For The Ghosts Within non nasce con la pretesa di essere un album imprescindibile per la storia della musica, ha invece le sue radici nella voglia di creare qualcosa di bello (che al giorno d'oggi non è per niente scontato). Nell'insieme è un album piacevole, anche se non mancano battute di arresto. Può darsi che ci dimenticheremo i brani a pochi giorni di distanza dal loro ultimo ascolto, ma sicuramente sarà piacevole poterli riascoltare a distanza di tempo, quando alla ricerca di una disperata fuga dalla realtà, verremo catapultati in un mondo ovattato e avvolgente, esattamente come la voce di Robert Wyatt; allora torneremo ad apprezzare questo disco come merita.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Approfondimento Loreena McKennitt.

2011-02-20T02:00:00.000-08:00

“Tell me o muse of those who travelled far and wide...”

“Eclectic Celtic”. Chi scrive non aveva mai letto o sentito nominare questo genere musicale, o almeno, non prima di imbarcarsi verso un viaggio che l'avrebbe portata alla scoperta di mondi a volte lontanissimi, ma che spesso sembravano provenire da una stessa radice, quella celtica. Il viaggio – che non prevede un punto di attracco permanente ma che è un continuo divenire – vede al timone una figura che sembra uscita direttamente da un romanzo ambientato nella verde terra di Irlanda negli anni d'oro dell'aristocrazia. I tratti del volto e i lunghi e ricci capelli rossi tradiscono una discendenza irlandese (padre irlandese e madre scozzese), ma è il Canada la nazione che può vantarne i natali. Loreena McKennitt, prima ancora di essere una sublime cantante e una raffinata polistrumentista, è una donna estremamente determinata che si è costruita da sola la propria popolarità, ma che dal successo non si è lasciata scalfire, continuando il proprio viaggio alla ricerca di storie perdute, sepolte nei luoghi più disparati della terra, alla perenne ricerca di una radice comune tra i diversi popoli. La sua voce ha la potenza emozionale che solo alcuni luoghi religiosi riescono ad avere, è un canto che ha tratti sembra trasformarsi in preghiera.

Ma dicevamo di “eclectic celtic”, “celtico eclettico”, una musica che parte da una radice celtica per poi – come vedremo – inserire innesti appartenenti ad altre culture musicali.

“Mi innamorai di quella che oggi viene definita “musica celtica” alla fine degli anni settanta, ma fu solo quando trovai un legame con la sua storia che il mio viaggio cominciò. Durante una mostra di opere artigianali celtiche a Venezia nel 1991, imparai la diffusione geografica e storica dei Celti. Mi trovai attratta da un antico mosaico ricco di suoni, ritmi e storie”. A conferma delle parole di Loreena troviamo il suo primo lavoro “Elemental” (***) che comprende esclusivamente brani della tradizione, riarrangiati e adattati dalla McKennitt, eccezion fatta per “Stolen Child”, poesia di W.B.Yeats musicata da Loreena e “Lullaby”, poesia di William Black anch'essa messa in musica dall'artista. Album che, nonostante la sua semplicità e la sua esiguità a livello di strumenti musicali (tenuto conto di quello che troveremo in futuro) mette in evidenza lo stile austero dell'artista. Tutto è incentrato sulle capacità vocali di Loreena e sull'arpa, strumento prediletto dall'artista. Il disco, autoprodotto, viene registrato in una sola settimana in un fienile dell'Ontario. Siamo nel lontano 1985 e le collaborazioni al disco sono pressoché nulle, fanno eccezione l'attore e musicista folk Cedric Smith interprete di una toccante “Carrighfergus” e l'attore Shakespeariano Douglas Campbell, che rende memorabile l'interpretazione di “Lullaby”. In un disco che, senza smanie di protagonismo, si pone come obiettivo quello di rispolverare i tesori della tradizione, non poteva mancare la classica “She moved through the fair” che qui viene riportata alla sua condizione naturale, spogliata di qualunque orpello.

“Da bambina la mia impressione più vivida della musica invernale è nata dalle canzoni e dagli inni registrati nelle chiese o nelle grandi sale, ricche della propria unica atmosfera e tradizione”. Questo è lo spirito con cui Loreena si rimette al lavoro per il suo secondo album in studio, “To Drive The Cold Winter Away” ( **1/2 ) che uscirà nel 1987. L'album continua sulla stessa linea di “Elemental”, arrangiamenti scarni, caratterizzati dall'arpa e costruiti per esaltare le doti vocali di Loreena. Le registrazioni avvengono in gran parte all'interno dell'abbazia di Glenstal, situata appena fuori dalla città di Limerick (Irlanda) e immersa nel silenzio più assoluto. La parte restante delle registrazioni si terrà invece in una chiesa della cittadina di Guelph, nell'Ontario, luogo di grande ispirazione per l'artista. Ad esaltare la voce della McKennitt non ci sono soltanto gli arrangiamenti ma anche la scelta dei luoghi in cui effettuare le registrazioni, brani come “Balulalow” o “Let All That Are To Mirth Inclined” sembrano qui dimostrare, in tutto il loro splendore, i secoli di storia che hanno sulle spalle. A differenza del disco d'esordo che vantava un solo momento interamente strumentale (“The Lark In The Clear Air”), “To Drive The Cold Winter Away” tenta di alleggerire il percorso musicale con due passaggi strumentali (“The Stockford Carol” e “Banquet Hall”), posizionati in punti strategici del disco.

“Parallel Dreams” ( ***1/2 ), uscito nel 1989, chiude la trilogia degli anni ottanta, caratterizzata da suoni ancora fortemente ancorati alla tradizione. Il profumo d'Irlanda ha ancora il sopravvento (“Huron 'Beltane' Fire Dance”) ma non sono distanti gli anni dei cambiamenti e dei viaggi alla ricerca di sempre nuove fascinazioni musicali e narrative. L'evoluzione è dietro l'angolo e si inizia a lavorare per poterla raggiungere, partendo proprio dai musicisti. Se i primi due album risultavano scarni dal punto di vista del numero dei musicisti, “Parallel dreams” tenta di fare un passo avanti; quadruplicandone il numero. Entrano in gioco uillen pipes e tabla (“Standing Stones”), chitarra classica e strati sonori creati con i sintetizzatori (“Breaking The Silence”), l'immancabile violino (“Dickens' Dublin”) e molti altri strumenti. Un album che segna l'inizio della maturità musicale dell'artista.

Non esiste un disco della McKennitt che non abbia un filo logico, un tema portante dal quale iniziare a tessere le fila di ogni canzone. Se “Parallel Dreams” aveva come tema i “sogni paralleli”, sogni che viaggiano su un doppio binario, quello contemporaneo (“Breaking The Silence”) e quello storico (“Annachie Gordon”) rincorrendo sogni d'amore e di libertà, “The Visit” (*****) cerca di “indagare” sulle reali origini dei celti, mettendo sull'ago della bilancia l'ipotesi che questo popolo possa essersi spostato dall'Europa orientale in occidente, ed in particolar modo verso le isole britanniche. Inizia con questo disco il tentativo di mescolare elementi appartenenti alla cultura musicale mediorientale con quelli tipici della musica celtica. “The Old Ways” è forse l'esempio più lampante, tambura (strumento a corde indiano), uillean pipes (flauto irlandese) ed altri strumenti appartenenti in parte alla sfera musicale mediorientale e in parte a quella irlandese riescono a creare paesaggi sonori di rara bellezza, in un crescendo musicale che ha il sapore di una vera e propria “nuova alba”. L'esperimento continua con il bellissimo brano d'apertura, “All Souls Night” e la strumentale “Between The Shadows”. “Tango To Evora” è invece un chiaro omaggio alla tradizione spagnola, mentre Bonny Portmore è sicuramente uno dei momenti più toccanti del disco, superato solo da “Cymbeline”, brano tratto dall'omonima opera teatrale di William Shakespeare, qui la tradizione inglese assume i colori delle terre d'oriente grazie agli inserti musicali del sitar.

Se “The Visit” si chiudeva con ipnotiche “note d'oriente”, “The Mask And The Mirror” (****) ci risveglia nel bel mezzo del deserto; “Mystick's Dream” è infatti un tripudio di suoni appartenenti alla tradizione musicale araba, intervallati da passaggi che rimandano alla tradizione del canto gregoriano. Ecco la nuova tappa del viaggio di Loreena, le terre che si affacciano sul mediterraneo, Spagna (“Santiago”), Marocco (“Marrakesh Night Market”). Questa ricerca musicale non poteva non avere uno studio di registrazione all'altezza, e quale miglior luogo se non quello dei Real World di Peter Gabriel?! Da sempre Gabriel, attraverso la sua etichetta Real World e i suoi studi di registrazione omonimi promuove la cosiddetta “world-music” (termine che il tempo ha privato del suo significato primario), i suoi studi, immersi nella campagna di Bath, al riparo da ogni stress cittadino, erano il luogo adatto per le registrazioni della McKennitt. Una parte dei brani verranno quindi registrati ai Real World.

“The Visit” aveva tracciato il cammino, “The Mask And The Mirror” continua il percorso intrapreso. Le forti tinte “celtiche” dei primi album adesso vengono mitigate per poterle mescolare con suoni diversi; l'arpa non è più lo strumento portante dei brani, non ci sono strumenti predominanti, c'è solo il tentativo di creare paesaggi sonori il più possibile in armonia tra loro, non ci si stupisce quindi di ascoltare un piccolo riff di chitarra elettrica subito dopo un intro che comprende anche esraj e tambura (“Bonny Swans”). Il momento della maturità è iniziato e anche la voce di Loreena inizia ad avere qualcosa alle eccelse doti vocali, sembra iniziare ad avere maggiore consapevolezza di sé e l'interpretazione ne guadagna; basta ascoltare la mistica “Full Circle” per rendersi conto di quanto sia maggiore il trasposto emotivo dell'artista.

L'ascesa di Loreena continua e “The Book Of Secrets” (****) diventerà uno dei suoi album più venduti. Registrato interamente ai Real World vanta una partecipazione di musicisti molto interessante, a partire dal “gabrieliano” David Rhodes per arrivare all'importante ambasciatore della musica folk inglese Danny Thompson, passando per la violoncellista Caroline Dale. Il disco, frutto come i precedenti di molteplici letture, continua ad essere influenzato non solo dalla letteratura ma anche dai numerosi viaggi, andando ad imprimere nella mente di chi ascolta immagini provenienti dai luoghi più disparati. “Prologue” segna l'inizio del viaggio; non si capisce bene dove ci troviamo perché oriente ed occidente si incontrano fondendosi in un disegno dalle tinte indefinite, mentre invece la splendida “Skelling” avrebbe potuto essere un brano della colonna sonora de “Il Signore degli anelli” (e in effetti così doveva essere in un primo tempo), qui si sente solo il profumo d'Irlanda e delle sue distese di verdi colline. Non passa molto tempo che ci ritroviamo nuovamente nel bel mezzo del deserto alla ricerca di un caravanserai (“Marco Polo”). La letteratura ritorna con “The Highwayman”, poema di Alfred Noyes musicato dall'artista proprio mentre alloggiava ai Real World, il cui paesaggio circostante ben si presta alle atmosfere del romanzo di Noyes. Uno dei brani più belli è senza dubbio “Dante's Prayer”, scritta durante un viaggio in treno attraverso la Siberia, rispolverando la lettura dell'Inferno di Dante.

Un lungo periodo, durato quasi un decennio separerà “The Book Of Secrets” dal nuovo lavoro in studio di Loreena.

Il 2006 è l'anno del ritorno e grandi sono le aspettative per il nuovo album dell'artista. Effettivamente “An Ancient Muse” (****) non delude le attese.

L'invito di “Incantation” ha tutto il sapore del richiamo dei Muezzin all'adhan ed infatti veniamo subito catapultati all'interno di un mondo dominato da atmosfere soffuse ed avvolgenti, brani come “The Gates Of Istanbul” piuttosto che “Caravanserai” sembrano proprio volerci riportare indietro fino agli anni della “via della seta”, “Sacred Shabbat” prosegue sulla stessa linea, diventando un nuovo tassello di quel mosaico multicolore quale è la cultura mediorientale. Anche in “An ancient muse” ritroviamo diversi momenti strumentali, anche in questo caso ricchi di pathos, come l'evocativa “Sacret Shabbat” piuttosto che “Kecharitomene”. In più passaggi si può riconoscere un tema musicale di base che ricorre in più brani, vedi per esempio l'appena citata “Kecharitomene” che riprende in parte il tema di “Caravanserai”. ”Penelope Song” è il momento più toccante dell'intero album, la voce di Loreena è ormai matura e in grado di dosare perfettamente la propria tecnica in modo da ottenere un'interpretazione in grado, ogni volta, di commuovere.

Si ritorna ai Real World, luogo ideale per registrare un disco dai forti sapori invernali. Parafrasando Shakespeare arriva il “sogno di una notte di mezzo inverno”, “Midwinter Night's Dream” (***); in parte si ritorna alle origini. “I really wanted to recapture some of the frankincense and myrrh in this music”, questo è l'intento della McKennitt e ad ascoltare “Un flambeau, Jeannette, Isabelle” le intenzioni sembrano essersi realizzate. Ma all'atmosfera pre-natalizia del brano appena citato, si contrappongono momenti di malinconia (“Snow”) e di “splendidi isolamenti (“Seeds Of Love”). L'odore di terra bagnata, la dimora che riscalda ed accoglie gli aromi speziati dell'inverno sono sensazioni quasi palpabili in brani come “In the bleak midwinter” e “The Seven Rejoyces Of Mary”, canzoni che ci riportano proprio a questa dimensione di invernale melanconia. “A midwinter night's dream” è un album che alterna momenti di vivace musicalità (“The King Wenceslas”) a momenti di maggior intimismo (“Breton Carol”). Disco ben riuscito, che lavora verso l'essenziale e che si propone di far tornare alla mente ricordi e odori tipici della “stagione della riflessione”.

Il 2010 si chiude con l'ultimo lavoro in studio della McKennitt, “The Wind That Shakes The Barley” (***1/2) che ci riporta indietro, agli inizi della carriera discografica dell'artista. Ritornato i “suoni d'Irlanda” e questo lo si intuisce immediatamente, a partire dal brano che apre il disco “As I Rovered Out”. Si torna agli inizi anche per quanto riguarda le registrazione, l'album viene infatti registrato in un tempio a nord di Toronto, il tempio di Sharon. Per alcuni aspetti “The Wind That Shakes The Barley” rappresenta una sorta di chiusura del cerchio, di ritorno da dove si era partiti (la tradizione celtica) e gli esempi si susseguono uno dietro l'altro, cosi come il brano di apertura, anche “Brian Boru's March” con le sue uillen pipes, ci riporta alle alte scogliere d'Irlanda. Ritorna anche il poeta W.B.Yeats - che non trovavamo più dai tempi di “Elemental” - con “Down By The Sally Garden” musicata da Loreena. “On A Bright May Mornig” piuttosto che la title track, testimoniano perfettamente il nuovo percorso della McKennitt che, dopo aver riempito alcuni dei suoi dischi di strumenti (i più disparati), andando a creare meravigliose atmosfere, adesso si avvale di pochissimi strumenti musicali, dosandone bene l'entrata in scena. “The Parting Glass” vede la voce di Loreena accompagnata prevalentemente dall'ipnotico suono di alcuni bicchieri mentre “The Star Of A County Down” costituisce il suo perfetto contraltare.

L'unico elemento che è rimasto costante negli anni è il ricorso alla letteratura come principale fonte di ispirazione (e in seconda istanza i viaggi).

All'inizio menzionavamo l' “eclectic celtic”, questo breve viaggio che abbiamo fatto attraverso la discografia di Loreena ci ha permesso di comprendere meglio il significato reale di questo termine. Pochissimi artisti possono vantare un percorso come quello di Loreena, fatto di studio e continua ricerca, con l'unica certezza di poter riuscire, col tempo, ad unire radici musicali all'apparenza lontane ma che invece sono unite - a loro volta - da una stessa base comune. Molte storie finiscono con il piegarsi alla volontà del tempo, diventando sempre più introvabili; a pochissimi spetta l'onore di riportarle in luce e farle conoscere. L'arte del tramandare è un'arte in via di estinzione e bisogna imparare ad apprezzare di più artisti che nei modi più diversi si applicano affinché questo non avvenga. Loreena McKennitt è una di questi artisti e con la sua voce, decisa ed evocativa al tempo stesso, ha contribuito a creare un mondo caratterizzato dalle storie più diverse, facendo vivere all'ascoltatore un caleidoscopio di emozioni suscitate da atmosfere adesso celtice, adesso orientali, adesso celt-orientali; “eclectic celtic”, appunto.

“A good traveller has no fixed plans and is not intent on arriving”. Attendiamo con ansia di scopire dove ci porterà il prossimo viaggio.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su RadioGas ( http://www.radiogas.it/ )

Anathema - "We're here because we're here"

2011-02-15T23:30:00.000-08:00

Gli Anathema sono un gruppo in continua evoluzione, ecco perché sorprende solo in parte la notizia che “We're Here Because We're Here” sia stato eletto disco prog dell'anno 2010 dal magazine Classic Rock. Sembrano lontani anni luce i tempi di “All Faith Lost”, demo che gli permise di firmare un contratto per la Peaceville Records (etichetta che dalla metà degli anni ottanta ha iniziato a produrre gruppi di death e doom metal). Da quel 1991 ad oggi di virate musicali - dovute anche ai cambi di line-up - ne sono state fatte parecchie dal gruppo; le atmosfere si evolvono disco dopo disco, passando dai growl di “Serenades” (1993) alle atmosfere gotiche di “The Silent Enigma” (1995). Un primo cambio di rotta importante si ha con “Eternity” (1996), ma è con “Judgement” (1999) che gli Anathema abbandonano ogni rimando al genere doom metal per lasciare spazio alla sperimentazione di atmosfere più vicine al rock progressivo; gli album che seguiranno saranno una sorta di laboratorio musicale all'interno del quale ricercare la costruzione del disco perfetto. Del passato non resta nemmeno un eco lontano e “We're Here Because We're Here” vede l'approdo ad una delle etichette più interessanti nell'ambito del rock progressivo, la Kscope (Porcupine Tree, NoSound, Steven Wilson...). Dalla copertina possiamo intuire ciò che ci attende, un'esplosione di luce; la progressione di brani come “Everything” o “Dreaming Light” sono un crescendo di speranza, speranza che si schiude avvolgendoci con la sua energia abbagliante. Le atmosfere vengono dilatate fino al limite sostenibile, fino al punto in cui iniziano a rarefarsi. Anche le liriche abbandonano le imprese epiche del passato per diventare maggiormente introspettive (“Angels Walk Among Us”). “We're Here Because We're Here” arriva a sette anni di distanza dall'ultimo lavoro in studio e vede la luce dopo un lungo travaglio dovuto soprattutto a problemi con le case discografiche. C'è la supervisione di Steven Wilson e questo si sente, si sentono i richiami agli ultimi Porcupine Tree, particolarmente inclini alla ricerca del climax in ogni brano, ricerca che è ben riuscita agli Anathema (“Thin Air”, “Angels Among Us” oltre alle già citate “Dreaming Light” ed “Everything”). Quest'ultimo lavoro dei fratelli Cavanagh & Co. è sicuramente il loro disco più maturo e segna un punto di non ritorno. Ascoltando i primi lavori degli Anathema in pochi avrebbero potuto immaginare che prima o poi sarebbe arrivata la pace musicale per un gruppo del genere, ed invece eccoci qui a scrivere di quanto la Kscope non abbia appiattito la creatività e le intuizioni del gruppo, ma abbia invece cercato di sublimarle in ogni loro aspetto, grazie anche al lavoro di Wilson. Adesso dobbiamo solo sperare che ad un passo avanti non ne equivalgano due indietro.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Decemberists - The King Is Dead.

2011-02-05T06:45:00.000-08:00

Questo 2011 è iniziato all'insegna di grandi aspettative nei confronti del nuovo disco dei Decemberists e la domanda ricorrente è stata: questa volta che strada avranno deciso di intraprendere Colin Meloy & company? La band di Portland ci ha infatti abituati a continui cambi di rotta, alla perenne ricerca di nuovi stimoli musicali. The Hazards Of Love sembrava voler essere il “non plus ultra” del gruppo, una rock-opera piena di rimandi ai generi più disparati, 17 brani intrisi di folk, indie e ammiccamenti al progressive. Difficile proseguire per la stessa strada, soprattutto dopo che gran parte delle critiche al disco erano state inclementi. Meglio tentare di tornare sui propri passi, un passo indietro, ma fatto con la dovuta classe. Ritorno alle radici, alla semplicità, nessun orpello, si lavora “a togliere”. The King Is Dead è tutto questo più una costante che mantiene il disco legato ai precedenti: la voglia di raccontare storie lontane che hanno il gusto della leggenda narrata intorno al fuoco dal membro più anziano della tribù. Se intessere opere dal sapore mastodontico può sembrare cosa assai complessa, il ricercare linee melodiche che riescano a restarti in mente per giornate intere - i cosiddetti “motivi orecchiabili” - non è pregio comune. Il passaggio dall' “articolato” al “semplice” nel caso di The King Is Dead è riuscito in pieno! Ecco quindi il ritorno alle origini, che vanta debiti importanti verso la tradizione folk americana - da Bob Dylan a Neil Young - e la dolce June Hymn ne è un esempio: semplicissimo arpeggio chitarristico e un'armonica a bocca a rimarcarne la nostalgia. Ma non mancano i momenti più sostenuti, come in Down By The Water dall'intro tiratissimo e assolutamente springsteeniano. Non c'è solo la tradizione statunitense, Rox In The Box contiene un omaggio alla migliore tradizione musicale d'oltremanica, la ballata The Raggle Taggle Gypsy (già omaggiata dai Waterboys nel loro bellissimo Room To Roam); le due culture musicali si fondono in All Arise, caratterizzato da una linea melodica di violino che rimanda ai gruppi folk di fine anni Sessanta (Albion Band per nominarne uno). Tra i tanti echi del passato spunta anche un omaggio a uno degli artisti più amati da Meloy, This Is Why We Fight non nasconde la sua simpatia verso Morrissey (che nel 1986 con gli Smiths licenziò The Queen Is Dead, titolo con una certa assonanza con The King Is Dead). A completare il quadro del “ritorno alle origini” contribuisce anche Gillian Welch che presta la sua voce nella trascinante Down By The Water, mentre invece il giro chitarristico stile jingle di Calamity Song è opera di Peter Buck, chitarrista dei R.E.M. che ritroviamo anche in Down By The Water e Don't Carry It All. The King Is Dead non è certamente un disco che annoia, l'intento, più volte rimarcato da Colin Meloy, di voler tentare la strada della semplicità è riuscito perfettamente, l' “esercizio di moderazione” tanto agognato dal leader dei Decemberists ha dato i suoi frutti. Un passo indietro? Un ritorno verso strade più sicure? O l'ennesimo nuovo orizzonte esplorato? A quanto pare questo non ci è dato saperlo, quello che è certo è che il viaggio dei Decemberists continua e noi non dobbiamo far altro che attendere e vedere su quale inesplorata terra attraccherà la nave dei nostri impavidi naviganti.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Approfondimento Syd Barrett: It's clear that I'm not here.

2011-01-23T06:13:00.000-08:00

“It's awfully considerate of you to think of me here And I'm much obliged to you for making it clear That I'm not here”

Così ha inizio l'ultima canzone che avrebbe legato il nome di Syd Barrett a quello dei Pink Floyd. La tagliente ironia di “Jugband Blues” è la perfetta fotografia del rapporto – ormai saturo – tra la band e il “diamante pazzo”. Famosa è la storia di come il gruppo decise che avrebbe continuato la propria strada senza Syd. Durante un'intervista il suo successore David Jon Gilmour la riassume così: 'Non credo di aver mai pensato che Syd sapesse quello che stava succedendo. A quel tempo era così “fuori”...Di solito lo andavamo a prendere con il Bentley ma un giorno qualcuno chiese: “Andiamo a prendere Syd? E qualcun altro rispose: “No, non preoccupiamoci”. Non andammo più a prenderlo. Andò semplicemente così .'

Questa è la cruda realtà del music business - “Welcome To The Machine” per dirla con i Pink Floyd di metà anni settanta – music business che avrebbe contribuito non poco a ridurre Barrett a poco più di un “Vegetable Man”.

Ma andiamo con ordine.

Roger Keith Barrett nasce il 6 gennaio del 1946 – penultimo di cinque figli - nella ricca ed universitaria cittadina di Cambridge. Il soprannome Syd gli venne dato al Riverside, locale frequentato da veri e propri puristi del jazz. Tra i tanti membri del club c'era un certo Sid “The beat” Barrett, ex-batterista con il quale Barrett si intratteneva spesso a parlare. Non ci volle molto agli assidui frequentatori del Riverside a chiamare i due Barrett nello stesso modo, distinguendoli l'uno dall'altro con la sostituzione della “i” con la “y”, così, Roger Keith Barrett venne ribattezzato Syd!

La sua inclinazione artistica non tardò a manifestarsi, fin da giovanissimo dimostrava un particolare talento soprattutto nella pittura, sua passione più grande. La folgorazione musicale arriva con un certo Bob Die Lon, cercato a lungo ma inutilmente in tutti i negozi di dischi della città, fino alla scoperta dell'arcano, Bob Die Lon altri non era che Bob Dylan. L'essere sempre un passo avanti di Barrett viene testimoniato anche dall'amico Storm Thorgerson (autore delle copertine di quasi tutti i dischi Floydiani e dei due dischi solista di Syd), il quale dichiarerà che Barrett ascoltava Dylan e i Beatles mentre i suoi coetanei erano ancora fermi a Elvis Presley.

Bo Diddley, Dylan, Miles Davies, i Beatlse, i classici del rhythm and blues, questo è l'humus sul quale si formerà la tempra musicale di Syd. La prima formazione di Barrett, i Those Without, venne costituita in seguito alle provocazioni di David Gilmour il quale sosteneva l'incapacità di Barrett a creare un gruppo musicale (di successo). La nascita di una band ci fu ma purtroppo il complesso di Barrett non poteva neanche lontanamente competere con quella di Gilmour.

Il tempo del riscatto musicale non si sarebbe fatto attendere per Syd e quello stesso effimero riscatto avrebbe contribuito a farlo precipitare in un baratro senza ritorno. Fu proprio il futuro mancato architetto Rogers Waters ad introdurre Barrett all''interno del suo gruppo “The Abdabs”; tanti nomi avevano militato all'interno del gruppo per periodi più o meno lunghi (tra i tanti anche due nomi destinati a restare, Nick Mason e Richard Wright). Gli “Abdabs, poi divenati “Leonard's Lodgers” per poi mutare in “Tea Set” trovarono la loro collocazione ideale sotto il nome di “The Pink Floyd Sound”, nome trovato proprio da Syd Barret che portò una ventata di novità all'interno del gruppo, dalla stesura dei testi all'esecuzione dei brani.

Il 1966 fu un anno fondamentale per i nascenti Pink Floyd, qualcosa sembrava iniziare a girare per il verso giusto, qualcuno – un certo Peter Janner - era finalmente disposto a credere nelle potenzialità del gruppo.

Janner non verrà deluso e nel '67 escono due 45 giri a firma Pink Floyd. Due dei quattro brani, più precisamente i lati A delle facciate dei dischi mettono in evidenza tutto il genio compositivo di Barrett. Le due canzoni in questione sono “Arnold Layne” e “See Emily Play”. I due 45 giri non sono altro che l'anticamera verso il mondo fiabesco intriso di psichedelia qual'è “The Piper At The Gates Of Dawn” (*****) uscito nell'agosto del 1967. Nick Mason, Richard Wright, Roger Waters (relegato al basso dopo l'arrivo di Barrett) e Syd Barrett danno alle stampe un vero e proprio capolavoro che vede Syd al “comando” in quanto genio incontrastato. La sua forte capacità di osservazione, il suo trovare peculiarità bizzarre in ogni storia vista o ascoltata, la sua grande passione per le fiabe e l'astronomia verranno tutte riversate nell'album, ecco quindi che il “Pifferaio alle porte dell'alba” è pronto a guidarci in quello che sarà un vero e proprio viaggio in un universo “altro”, costellato da gatti dall'aura inquietante (“Lucifer Sam”), gnomi provenienti direttamente dalla terra di mezzo (“The Gnome”), il viaggio spaziale di “Astronimy Domine” e quello nella mistica Cina con il capitolo 24 dell'oracolo I-Ching (“Chapter 24”). Altri brani come “The Scarecrow”, “Matilda Mother” e la già citata “The Gnome” invece attingono direttamente dal mondo della letteratura.

“The Piper At The Gates Of Dawn” è un album intriso di vere e proprie perle che influenzeranno musicisti fino ai giorni nostri. Ma l'arrivo dell'oscurità è dietro l'angolo per Syd. Il successo inatteso arrivato a gran velocità coglie impreparato Barrett che non ha i giusti anticorpi per affrontare una situazione altamente stressante come può essere quella della rock-star famosa. I live si susseguono uno dopo l'altro e la casa discografica spinge per l'uscita di un nuovo lavoro che possa essere all'altezza del precedente. La predisposizione verso la sperimentazione di droghe di Barrett diventa adesso il rifugio ideale per potersi estraniare il più possibile da un mondo con il quale il chitarrista dei Floyd sente di non avere nessuna affinità. Ecco quindi arrivare i primi problemi, storie come quella in cui si narra di un Barrett che sale sul palco con i capelli intrisi di una sostanza che si scioglierà presto sotto la luce dei riflettori facendolo diventare una sorta di “uomo gelatinoso” o interi concerti in cui Syd suonava per l'intera durata del live in modo continuativo un'unica nota sono ormai diventate leggenda, ed avevano in sé il germe di un disadattamento verso il mondo del music-business; la sua imprevedibilità era ormai diventata ingestibile per il resto del gruppo (e del management).

La situazione diventò pesante per tutti e l'idea di Waters di fare con Barrett quello che i Beach Boys avevano fatto con Brian Wilson - relegandolo a semplice autore di testi e tenendolo fuori da tutto il resto - non andò in porto. Fu così che venne scritturato David Gilmour (che aveva già rischiato di far parte degli “Abdabs” proprio su indicazione di Barrett, ma l'idea non andò a buon fine per i troppi impegni di Dave. Buffo il destino...) e il 2 marzo 1968 venne resa ufficiale la dipartita di Syd Barrett che si porterà con sé il “sound” e l'articolo ”The”, lasciando ai suoi ex compagni di viaggio la semplice dicitura di “Pink Floyd”. A Waters e compagni non mancò però di lasciare un brano - “Jugband Blues” - che avrebbe chiuso “A Sourceful Of Secrets”, secondo lavoro dei Floyd. “Jugband Blues” è l'ultimo atto di un sodalizio che ha avuto la vita e la bellezza di una meteora.

La storia dell'ascesa Floydiana è ormai nota, lavori come “Dark Side Of The Moon”, “Wish You Were Here” e “The Wall” diventeranno vere e proprie pietre angolari del rock, questo successo fu possibile soprattutto grazie al passaggio (forzato) di testimone da Barrett a Gilmour che avrebbe avvolto i meravigliosi testi di Waters con melodie dalla semplicità sconvolgente, così come sconvolgente sarebbe stata la loro potenza evocativa. Ma lo sguardo restava comunque sempre rivolto verso quella figura messa con tanta facilità all'angolo, alcune delle canzoni più belle mai scritte da Waters prendevano spunto proprio dal ricordo di Syd, “Brian Damage” o “Shine On You Crazy Diamond” tanto per citare le più note, l'intera opera “The Wall” vanta non pochi debiti d'ispirazione verso Barrett. Così il “pifferaio alle porte dell'alba” diventò il “diamante pazzo”, il “folle sull'erba”, l'anima fragile che avrebbe dato vita a non pochi sensi di colpa nelle coscienze dei Floyd. Furono proprio questi, molto probabilmente, la spinta propulsiva che spinse Waters e Gilmour su tutti a seguire la brevissima attività solista di Syd. Gli anni che intercorsero tra il divorzio con i Pink Floyd e il suo primo lavoro solista non furono certo facili; essere messi alla porta da compagni che soprattutto a te devono l'ascesa verso il successo non poteva essere certo un boccone dolce da buttar giù. La situazione mentale di Barrett si fece sempre più preoccupante e l'uso di droghe aveva ormai offuscato molte speranze.

“The Madcap Laughs” (***1/2) fu il primo tentativo di dimostrare che il genio di Barrett non si era eclissato per sempre. Le verità che si nascondono dietro la nascita di questo album sono però diverse e mettono in luce quanto difficile potesse essere a quel tempo lavorare con Syd, tanto difficile che nelle fasi finali del disco il produttore Malcolm Jones gettò la spugna, sostituito da Waters e Gilmour. Al disco, tra i vari musicisti collaborarono anche Richard Wright, Robert Wyatt e Hugh Hopper (Soft Machine), oltre a Waters e Gilmour.

Il disco non manca di momenti di toccante bellezza, dal brano che apre l'album “Terrapin” alla “disperata” “Dark Globe”. L'amore per la letteratura non poteva non trovare spazio in un disco solista di Syd, ecco allora l'ipnotica “Golden Hair” tratta dalla raccolta di poesie “Chamber Music” di James Joyce. I percorsi acustici che rappresentano la maggior parte dei brani dell'album trovano il loro contraltare in canzoni come “No Good Trying” o “Late Night”, caratterizzati da digressioni psichedeliche che rimandano alla mente il Barrett del periodo Floyd, così come la giocosa presa in giro di “Love You” rimanda non poco al “Pink Floyd Sound” di “Bike”. La chitarra satura di “No Man's Land” riporta la mente ad alcuni dei gruppi migliori della fine degli anni sessanta, i Velvet Underground di Lou Reed su tutti. Non mancano però brani dall'incedere quasi jazzato come “Here I Go”, dal semplice giro di accordi che fa tanto anni cinquanta. Bob Dylan è sempre lì dietro l'angolo nel folk di “She Took A Long Cold Look”. La falsa partenza di “If It's In You”, mette in evidenza quanto poco tempo abbiano avuto a disposizione Gilmour e Waters per rivedere e re-incidere tutto il materiale registrato in precedenza. L'album infatti non manca di alcuni momenti deboli come la già citata “If It's In You” e “Feel” che ha in sé un grande potenziale che però necessitava di più tempo per poter essere mostrato in tutta la sua bellezza.

La critica (ma anche il pubblico) accoglie positivamente “The Madcap Laughs” e questo incentivò non poco l'insicuro Syd nel rimettersi al lavoro per far uscire nuovi progetti musicali. La produzione per il successivo “Barrett” (***1/2) viene affidata interamente a Gilmour (e anche a Wright che però non si sa perché scompare magicamente dai credits) che effettua un lavoro magistrale, testimoniato anche da un giovane Alan Parson, all'epoca addetto ai nastri negli studi di Abbey Road.

Le differenze tra i due album appaiono evidenti fin dal primo ascolto, mentre “The Madcup Laughs” risultava essere un disco “di pancia”, a tratti imperfetto causa forte vulnerabilità di Syd e anche mancanza di tempo per rifinirlo (o ridefinirlo); “Barrett” appare di gran lunga migliore da un punto di vista tecnico ma risulta più freddo e distaccato rispetto al suo predecessore. L'album ha un' apertura composta da un trittico impeccabile: “Baby Lamonade” con il suo bellissimo intro di arpeggio blues, “Love Song” con le tastiere che la fanno da padrona e “Dominoes” con i suoi chiaro-scuri. Il sound primordiale del blues lo ritroviamo in “Maisie” dove Syd si diverte a ricreare con la propria voce il cantato tipico dei musicisti blues. Il Barrett che aveva brillato e fatto brillare i Pink Floyd è invece nei brani “It Is Obvious”, “Rats” o “Waving My Arms In The Air”. L'amore per le favole ritorna in “Wolfpack”, mentre il giro di chitarra di “Wined And Dined” rimanda la mente ad alcuni pezzi dei Nirvana versione “unplugged at MTV”. La chiusura dell'ultimo lavoro solista viene affidata ad un brano risalente ai tempi dell'adolescenza di Syd quando, nella sua casa di Cambridge la madre accoglieva i giovani artisti in erba che trovavano nella camera di Barrett uno dei pochissimi luoghi in cui poter esprimere la propria creatività; “Effervescing Elephant” è stata composta all'età di 16 anni ed è fortemente influenzata dalla scrittura di Hilaire Belloc (famoso per il suo libro per ragazzi “Cautionary Verses”). Il mondo della letteratura tanto caro a Barrett è la nostra chiusura del cerchio, l'avevamo trovata fin dal titolo del primo album in studio “The Piper At The Gates Of Dawn” che prendeva ispirazione direttamente da “Il Vento Tra I Salici” di Kenneth Grahame”, per poi incontrarla nuovamente nei suoi lavori solisti e a chiusura di un album che sarà l'ultima fatica in studio per Barrett.

Tutto ciò che seguirà negli anni a venire altro non sarà che raccolte su raccolte. Come molto spesso accade per artisti che scompaiono prematuramente dalle scene, le case discografiche tendono a creare un continuo di uscite discografiche che non poche volte sfiora l'imbarazzante.

Ecco allora un piccolissimo riassunto delle uscite “post-album in studio” di Syd Barrett.

Nel 1974 esce il doppio album “Syd Barrett” (***) che comprende “The Madcup Laughs” e “Barrett” e che contiene delle bonus track dei due album solisti.

Nel 1988 esce “Opel” (***1/2) raccolta di outtake dai due album solisti di Barrett (degna di nota è proprio la title track “Opel”) e versioni inedite di alcuni brani dei medesimi dischi (la germinale “Octopus” che qui prende il nome di “Clowns And Jugglers” e una bella versione di “Dark Globe” dal titolo “Wouldn't You Miss Me?”). Da avere per completare il quadro Barrettiano.

Bisogna aspettare il 2001 per trovare un nuovo inedito di Barrett inserito all'interno di un'antologia – nel frattempo sono uscite altre due antologie “Octopus: The Best Of Syd Barrett” uscito nel 1992 e “Crazy Diamond” del 1993 che contiene “Opel”, i primi due album solisti, più l'aggiunta di alcuni bonus di brani editi – la raccolta in questione è “The Best Of Syd Barrett: Wouldn't You Miss Me?” (***) che contiene l'inedita “Bob Dylan Blues” sarcastico omaggio di Syd ad uno dei suoi miti giovanili.

Ed ecco arrivare l'ultima raccolta - “An Introduction To Syd Barrett” (***1/2) - che porta il nome della Hipgnosis di Storm Thorgherson per la copertina e la supervisione tecnica di David Gilmour per la scelta e il re-mixaggio dei brani. L'arco temporale coperto dalla raccolta è molto ampio, si parte dai primi lavori di Barrett con i Pink Floyd (“Arnold Layne”, “Apple And Oranges” e brani da “The Piper At The Gates Of A Dawn”) fino alla svelata “Bob Dylan Blues”, passando ovviamente per i due album solisti.

Avremmo potuto iniziare questo approfondimento con una forma retorica tanto cara a Barrett, “c'era una volta”, ci siamo lasciati sfuggire l'occasione.

La lista degli artisti che hanno reso omaggio a Barrett attraverso cover di sue canzoni è molto lunga e non staremo qui a stilarla, ma ancora più lunga è la lista degli artisti che vantano un debito artistico nei confronti di Syd, genio dal fortissimo estro creativo.

Syd Barrett muore il 7 Luglio del 2006 nella sua casa di Cambridge, dove aveva provato a ricominciare una vita da “uomo normale”, centellinando i suoi contatti umani e dedicandosi alle sue passioni di sempre, la scrittura e la pittura (...e la tv). Da anni era ormai stato reso noto il suo “non interesse attivo per la musica”, ma resta emblematica una testimonianza (raccolta durante gli anni novanta) che non deve essere ridotta a semplice pettegolezzo.

“Un giorno, non molto tempo fa, Syd andò a trovare suo cognato Paul Breen, che dirige un hotel a Cambridge. Mentre stava seduto nel suo ufficio, l'attenzione di Syd venne attratta dalla chitarra del cognato appoggiata in un angolo della stanza. A un certo punto Mr. Breen venne chiamato. Quando tornò, trovò Syd che impugnava la chitarra e stava strimpellando delicatamente un pezzo. Resosi conto di essere stato colto in flagrante, Syd lasciò cadere lo strumento come fosse una pietra e si voltò con espressione colpevole...testamatta sorrise.” (racconto estratto da “Syd Barrett il diamante pazzo dei Pink Floyd” di Mike Watkinson e Pete Anderson)

Once upon a time there was the piper at the gates of dawn. “Oh, Mother Tell Me More!”.

Chiara Felice.

Recensione pubblicata su RadioGas ( http://www.radiogas.it/ )

Loreena McKennitt "The Wind That Shakes The Barley".

2011-01-20T03:48:00.000-08:00

Dal 2006 l'appuntamento con Loreena McKennitt sembra esser diventato costante, a cadenza annuale l'artista canadese delizia le orecchie dei suoi estimatori con uscite discografiche alternando sapientemente le registrazioni in studio con quelle dal vivo. Ecco allora che a An Ancient Muse del 2006 segue Nights From The Alhambra del 2007, A Midwinter Night's Dream del 2008 viene seguito da A Mediterranean Odyssey del 2009. Il 2010 si chiude con una nuova uscita discografica, The Wind That Shakes The Barley infatti è l'ultimo album in studio della McKennitt. Il disco, registrato nello storico tempio di Sharon (eretto nel 1832) a nord di Toronto è un nuovo tuffo verso le radici celtiche tanto care alla polistrumentista. "Every once and again there is a pull to return to one's own roots or beginnings, with the perspective of time and experience, to feel the familiar things you once loved and love still" per dirlo con parole della stessa Loreena. The Wind That Shakes The Barley riprende dunque un discorso iniziato nel lontano 1985, con Elemental, disco composto interamente da brani appartenenti alla tradizione irlandese; canzoni come She Moved Throught The Fair o l'adattamento in musica di Stolen Child (W.B. Yets) avrebbero trovato grande spazio nei concerti degli anni a venire diventando un vero e proprio must per ogni live che si rispetti. Tutto non poteva che avere inizio in Irlanda, il brano che da il titolo all'album, infatti, altri non è che una ballata del poeta irlandese Robert Dweyer Joyce, che ci riporta indietro fino al 1798, anno della rivolta irlandese. La canzone racconta la storia di un giovane combattente irlandese che vede portarsi via la propria amata uccisa dagli occupanti inglesi; da quel momento in poi la sua decisione di combattere a fianco dei ribelli irlandesi diventerà una storia nella storia. L'irlandese William Butler Yets ritorna anche in questo ultimo lavoro di Loreena McKennitt che mette in musica la sua poesia Down By The Sally Garden. L'album è ricco di storie dalle quali l'artista ha soffiato via la polvere per donare loro nuova luce. L'inconfondibile voce della McKennitt riesce sempre a donare ad ogni brano un carattere quasi epico. Non ci vuole molto per lasciarsi trasportare in epoche lontane, per guardare - come da dietro il vetro di una finestra - la storia di un giovane amore che non si risolverà con dei fiori d'arancio (Down By The Sally Garden) o l'amore immaginato di un giovane per un'affascinante donna (The Star Of The County Down), gli eventi attorno ai quali si svilupperà la morte della regina Jane, terza moglie di Enrico VIII (The Death Of The Queen Jane) o la marcia di Brian Boru (Brian Boru's March). Il disco scivola via in un istante e senza nemmeno rendercene conto arriviamo all'evocativa The Emigration Tune, brano strumentale che anticipa The Parting Glass, ballata tradizionale irlandese che chiude il disco. The Wind That Shakes The Barley è l'ennesimo viaggio di un'artista dalle grandi capacità vocali e musicali alla scoperta di un mondo ricco di fascino che ha ancora tanto da raccontarci. La fortuna vuole che esistano ancora artisti dalla curiosità implacabile, disposti a fare da intermediari per far sì che non si spezzi la catena del "tramandare".

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Brian Wilson "Reimagines Gershwin"

2011-01-18T03:56:00.000-08:00

Nel 1924 il glissando dell'intro di Rhapsody In Blue di George Gershwin sembra voler definire una nuova e possibile strada all'interno della storia della musica, dove musica popolare e musica colta riescono ad unirsi in un equilibrio perfetto. Gershwin è l'autore che riesce a porre fine alla sudditanza della musica americana nei confronti di quella europea e lo fa attingendo dal grande caleidoscopio di suoni che appartengono alla musica popolare statunitense, prima fra tutti il jazz. Jazz che Gershwin non si preoccupa di “ripulire” per poterlo elevare ai livelli della cosiddetta musica colta, ma lo lascia al suo stato originario nel tentativo – perfettamente riuscito - di abbattere il muro che divide la musica colta da quella popular. A quasi ottantasei anni di distanza quella Rhapsody in Blue costituisce l'apertura e la chiusura dell'ultimo lavoro in studio di Brian Wilson, leader del gruppo che al tempo della British Invasion venne definito “la risposta americana ai Beatles”: i Beach Boys. L'album Reimagines Gershwin appare chiaro fin dal titolo; il disco non vuole essere un semplice e sterile tributo a Gershwin ma bensì un voler re-immaginare la sua musica. Ecco allora che la Rhapsody In Blue viene ridotta ai minimi termini e lasciata ad un arrangiamento per sole voci e clarinetto. In brani come They Can't Take That Away From Me e I've Got a Crush On You Wilson compone geniali armonie vocali - armonie che una volta avevano costituito il tratto distintivo delle canzoni dei Beach Boys - mentre I Got Rhythm con il suo incedere assolutamente surf sia nei cori che nei riff chitarristici riesce a donare al brano una freschezza unica. L'album è il frutto della scelta da parte del pronipote di George, Todd Gershwin, di mettere a disposizione di Wilson ben centoquattro demo incompiute, da questi brani appena abbozzati sono nate le due canzoni inedite presenti nell'album, la meravigliosa e delicata The Like In I Love You e la ritmata Nothing But Love. Il disco si compone di brani che sono dei veri e propri classici del repertorio gershwiniano, con ben quattro estratti dall'opera Porgy And Bess>: la soffusa e sognante Summertime che confluisce nella tenera I Loves You Porgy, la strumentale I Got Plenty O' Nuttin e il soul che diventa Beach Boys di It Ain't Necessarily So. Fin dall'età di quattro anni Brian Wilson ascoltava rapito per ore e ore la Rhapsody In Blue finendo poi per impararne la melodia al pianoforte; l'amore per questo brano ha fatto sì che oltre a trovarlo in apertura e chiusura del disco - seppur ridimensionato nei tempi - la sua ombra aleggi anche oltre queste due estremità, ecco allora che lo ritroviamo anche nell'apertura di I Got Rhythm e Someone To Watch Over Me. Eravamo partiti scrivendo di come Gershwin avesse cercato di far interagire musica colta e popular music; moltissimi anni dopo Brian Wilson prova a portare avanti questa convinzione, cambiando l'ordine degli addendi. Reimagines Gershwin è il sogno di un bambino chiuso nella confortante solitudine della sua stanza, con un pianoforte come imprenscindibile compagno di viaggi.

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Atlantic/Pacific "meet your new love".

2011-01-17T04:00:00.000-08:00

Oggi il termine indie non viene più usato per decretare l'appartenenza ad un'etichetta sganciata dalle major – appunto, indipendente - ma bensì per definite un determinato sound. L' “indie” è una connotazione stilistica, un genere musicale. Il primo lavoro degli Atlantic/Pacific “Meet Your New Love” va ad inserirsi proprio all'interno di questo nuovo filone e, se da una parte i richiami all'ultimo album dei Band of Horses “Infinite Arms” attraversano buona parte disco, palesandosi in brani come “Let Me Meet Your Light” o “Meet Your New Love”, dall'altra il ricorso ad innesti elettronici (“Ship To Shore” per fare un esempio) e i richiami all'indie-folk contribuiscono a creare uno spettro musicale più ampio e ricercato. Ma andiamo con ordine. Nel 2008 due amici di vecchia data, Garrett Khlan (Texas Is The Reason) e John Herguth iniziano a lavorare ad alcuni brani nell'appartamento di Garrett a Brooklyn. Aprono i concerti di artisti quali Mercury Rev e Chamberlain e nel 2009 si autoproducono l'ep “Autumn Edition Volume 1” che incontra l'interesse dell'etichetta Arctic Rodeo Recordings per la quale licenzieranno il loro album di debutto “Meet Your New Love”. Le due colonne portanti del disco risultano essere le costruzioni armoniche delle chitarre, estremamente semplici ma di grande impatto che bene si coniugano con la delicatezza del cantato e le interessanti basi elettroniche. Virate verso sonorità acidamente psichedeliche (ascoltare il finale di “Let Me Meet Your Light"), approcci velatamente punk (“The Latest”), timidi richiami al west-cost sound (“Picture Perfect”) evitano di ridurre l'album ad un unico e monotono strano sonoro! Il disco risulta invece piacevole. Unica nota dolente è la mancanza di assolo chitarristici, eccezion fatta per l' accenno che troviamo in “One Of One”; da questo punto di vista non si è voluto osare, si è invece preferito percorrere strade più sicure relegando la chitarra a contorno armonico e a tessitrice di delicate linee melodiche, peccato. L'inizio degli Atlantic/Pacific promette bene, le dieci tracce del disco sono state costruite con molta cura ed equilibrio, grazie anche alla supervisione del camaleontico Collin Jordan. Piace soprattutto l'idea che Garrett e Herguth si siano voluti lasciare alle spalle il loro passato musicale per poter intraprendere nuove strade sonore. Tracklist 1.Meet your new love 2.Some weary valentine 3.Patterns 4.The inquisition 5.One of one 6.Picture perfect 7.Ship to shore 8.The latest 9.Darling disappear 10.Let me into your light

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Central Unit "I See You"

2011-01-11T04:07:00.000-08:00

Tre album e un Ep rilasciati nell'arco di quasi trent'anni, il loro ultimo lavoro “I See You” arriva dopo sei anni dall'uscita di “Internal Cut”. Per i Central Unit non valgono – fortunatamente - le regole del music business. Sono gli inizi degli anni ottanta quando in una Bologna musicalmente affascinante nasce il progetto Central Unit che, come si evince dal nome stesso, darà un'importanza fondamentale all'uso dell'elettronica all'interno della propria musica. L'elettronica va però ad unirsi a suoni dal sapore zigano grazie all'inserimento (1981) del violinista Alvise Cristinelli all'interno della formazione. Nel 2004 la partecipazione al disco “Internal Cut” del trombettista jazz Marco Tamburini amplia il respiro musicale della band con l'aggiunta di marcate venature jazz. L'atmosfera jazz si riduce notevolmente in “I See You” dove non troviamo più la tromba di Tamburini. Resta il sax di Alberto Pietropoli a tracciare percorsi a volte ambient-jazz (“Wooden Bread”), altre quasi free-jazz (“Perno Moncone”), sax che molto spesso trova il suo contraltare nella delicatezza delle linee melodiche tracciate dal flauto traverso (“Bankful Of Money"). L'album si apre con la bellissima “Maintenunb”; sintetizzatori, suoni digitali ed analogici, tappeti sonori elettronici sui quali si susseguono brevi passaggi di sax, batteria, basso, tastiere e chitarra in un meraviglioso crescendo sonoro! L'esplosione musicale dell'inizio viene subito mitigata dalla seconda traccia. Questa volta l'atmosfera si fa crepuscolare, con poche e semplici note di piano che vanno ad aprire la strada ad una delicata melodia di sax. Il cantato arriva con il terzo brano “Bankful Money” che è intriso di effetti vocali alla Battiato stile “Shock In My Town” (tanto per restare in Italia). La “radio-catcher” “Hear Your Shadow”, paradossalmente, risulta essere il brano più debole, non tanto per il suo ammiccare ad un sound di facile acchito quanto piuttosto perché risulta essere una sorta di “già sentito”; a questo si va ad aggiungere che i momenti strumentali – e sono la maggior parte – risultano essere i più interessanti. La commistione di diversi generi continua in brani come “Feldpato” e “Bailamme”. “See You” va sicuramente ad inserirsi tra i brani più belli dell'album; piano e sax, anche in questo caso, sembrano aver trovato la sintonia perfetta. L'alternarsi di diverse situazioni musicali rende l'ultimo lavoro dei Central Unit un disco non facile. L'album necessita di più e più ascolti per essere compreso, ma sicuramente brani come “Maintenumb” e “Wooden Bread” sono capaci di entrarti sottopelle fin dal primo ascolto. E’ sicuramente un disco ben riuscito, dove l'elettronica non prende il sopravvento ma diventa punto di partenza per nuove tessiture musicali. La bella copertina testimonia il fortunato sodalizio dei Central Unit con il grafico e fumettista Giorgio Carpinteri. Tracklist 1.Maintenumb 2.Wooden Bread 3.Bankful Of Money 4.FeldPato 5.Bailamme 6.See You 7.Too Late 8.Hear Your Shadow 9.Perno Moncone

Chiara Felice

Recensione pubblicata su Extra! Music Magazine ( http://www.xtm.it/Index.aspx )

Intervista a Giancarlo Erra (NoSound)

2010-10-23T06:16:00.000-07:00

Chiara Felice intervista Giancarlo Erra, leader e fondatore del progetto Nosound, in occasione del suo live al Blag Club di Londra (13 agosto 2010).

Chiara Felice - Ciao Giancarlo, grazie per averci concesso questa intervista.

Giancarlo Erra - Ciao Chiara, grazie a voi.

C. F. - Iniziamo dai Nosound. Tu sei la figura cardine anche perché fondamentalmente si tratta di un tuo progetto.

Giancarlo - Sì perché i Nosound sono nati da me. Già prima suonavo con gli attuali componenti della band ma in altre formazioni. Il primo disco l'ho fatto quasi sostanzialmente tutto io, per cui io sono la figura che si occupa della scrittura e poi della produzione.
Nel tempo si sono aggiunti anche tutti gli altri ragazzi, un paio di loro: il tastierista Paolo Martellacci e il bassista Alessandro Luci in verità sono nati con me insieme ai Nosound; c'erano fin dall'inizio anche se non partecipavano. Per quanto riguarda la chitarra acustica c'è stato invece un cambio, all'inizio avevamo un altro chitarrista acustico ed un altro batterista, oggi ci sono il batterista Gigi Zito e Alessandro Vigliarolo alla chitarra.

C. F. - "Radici" era un promo?

Giancarlo - Sì, "Radici" era un promo interno, fatto girare ad amici, conoscenti e basta. Diciamo il primo disco dei Nosound in quanto reale progetto è "Sol29".

C. F. - "Sol29" che aveva avuto molto successo, portandovi ad avere un discreto numero di live dai quali poi sarebbe stato tratto un dvd e che quest'anno è stato rimasterizzato dall'etichetta Kscope alla quale siete approdati nel 2008.

Giancarlo - Sì è stato rimasterizzato con un nuovo packaging e con dvd aggiuntivi.
Tantissimi live no perché comunque non è facile, la crisi economica ha influito anche sul badget dei locali che sono sempre più stretti e quindi alla fine se non fai o cover di gruppi famosi o cose che siano un tantino più accessibili diventa tutto più difficile. Un po' di live li abbiamo fatti, poi è uscito il dvd. Diciamo che sicuramente “Sol29” ha aiutato; per essere stato un disco pubblicato dal nulla sicuramente sì, ha avuto un buon successo. Poi sicuramente abbiamo anche avuto una serie di persone - vedi Steven Wilson dei Porcupine Tree, i No-Man - che ci hanno preso sotto la loro ala protettiva aiutandomi a spingerlo. L'esser stati in rapporti con loro, l'aver suonato, aver avuto un loro giudizio sicuramente ci ha aiutato ad uscire.

C. F. - Avete suonato con Steven Wilson?

Giancarlo - Sì. Con il mio primo gruppo - dove poi incontrerò l'attuale tastierista dei Nosound - facevamo delle cover dei Porcupine Tree. Abbiamo fatto alcuni concerti a Roma dove proprio i Porcupine Tree sono venuti a sentirci perché noi suonavamo il giorno prima del loro concerto nella capitale. Con Wilson ci conosciamo perché nel '98, quando ancora i Porcupine Tree non erano molto conosciuti, li abbiamo aiutati a farli suonare a Roma. Ci conosciamo da molto tempo, Steven Wilson ora per esempio ha mixato il mio album con Tom Bowness, "Memories of the machines", progetto che uscirà presto, spero a fine anno.

C. F. - Proprio Tim Bowness presterà la sua voce nel brano "Someone starts to fade away" contenuto in "Lightdark". La collaborazione è nata sempre attraverso la casa discografica?

Giancarlo - La collaborazione con Tim Bowness è nata perché lui gestisce Burning Shed che è un negozio online oltre che un'etichetta. Lui è un dei fondatori per cui io quando ho fatto "Sol29" ho inviato anche a lui il cd per vedere se potevamo venderlo su Burning Shed. Lo ha ascoltato, gli è piaciuto molto e mi ha contattato dicendomi che avremmo potuto lavorare a qualcosa insieme. "Someone starts to fade away" era una canzone nata per questo progetto con Tim ("Memories of the machines") ma poi abbiamo deciso di inserirla in "Lightdark".

C. F. - Il nome Nosound. Ovviamente non c'entra niente con i NoMan, nonostante la vostra collaborazione con Bowness...

Giancarlo - Originariamente in Italia lavoravo per un internet provider e quindi ad un certo punto avevo preso un nome di dominio che ricordo fosse nosound.net. Dopo due anni che era stata creata la band sono tornato a quel progetto originario del dominio internet quindi ho detto, "ho già il dominio internet, il nome mi piace ancora" e quindi..ecco Nosound! Poi mi affascinava molto l'idea di una band chiamata No-sound. Con NoMan ci ho pensato dopo che potesse esserci qualche collegamento. E' una coincidenza.

C. F. - Passaggio alla Kscope. Molti ascoltatori vedono il passaggio ad un'etichetta più grande come un tradimento. Ovviamente qualche aspetto negativo c'è sempre ma io credo che la maggior parte delle volte è un ottimo motivo per crescere ulteriormente. E' una sorta di passaggio dall'infanzia all'età adulta.

Giancarlo - Sì, e credo che sia un passaggio necessario. Tanti gruppi giovani non si rendono conto di quanto lavoro bisogna fare da soli. Devi lavorare molto per arrivare ad un'etichetta, perché se non arrivi a un'etichetta non avrai mai la potenza promozionale. Quindi, se tu hai la fortuna di lavorare molto e bene approdi in un'etichetta, però le etichette non sono più come una volta, non è che prendono il gruppetto che ha fatto il demo e gli danno i soldi per andare a fare il disco ad Abbey Road. Diciamo così, oggi ci si sposa con l'etichetta ma devi andare con una "dote", senza una dote non ci si sposa più. E la dote non te la può dare nessuno, vuol dire tanti soldi spesi; io ora sono qui, lavoro per un'etichetta e quindi va sicuramente molto meglio, però per 10 anni anni ho fatto un lavoro come tutti gli altri, in ufficio dalla mattina alla sera e la notte a fare il musicista per avere l'indipendenza economica, per poter fare la mia musica, per potermi stampare i miei 1.000-2.000 cd e metterli in un negozio online. Casa mia era diventata un deposito, lo è tutt'ora. E' così, devi metterti lì, trovare i siti, i giornalisti. E' difficile capire questo concetto secondo me, in particolare in Italia.
Quando arrivi ad alti livelli ti puoi permettere di non avere più l'etichetta, però, come dire, c'è questa fase intermedia molto lunga - per alcuni non finisce mai - dove comunque hai bisogno, soprattutto all'inizio, di un'etichetta.

C. F. - Parliamo dell'album "Lightdark". Il titolo, la copertina caratterizzata da questa immagine molto sfocata, la musica che brano dopo brano va delineando atmosfere sempre più rarefatte; non c'è niente di "definito", tutto sembra essere accennato. Si ha quasi la sensazione di affacciarsi ad una porta lasciata semiaperta, lasciando all'ascoltatore la possibilità di immaginare cosa ci possa essere oltre. Inoltre, ascoltandolo la parola che maggiormente mi veniva in mente era "ricordo". Che peso ha avuto il ricordo in questo disco?

Giancarlo - Ci sono due motivi, il primo è che vivo di ricordo, in particolare di cose belle e non più presenti, oppure di cose brutte che hanno lasciato il segno. Sicuramente il ricordo è un tema portante nelle liriche che scrivo, ma anche nella musica che ascolto. La "non definizione" è dovuta al fatto che fondamentalmente mi piace scrivere ma mi piace scrivere senza mai dire troppo; un po' perché le cose risultano maggiormente affascinanti e un po' perché mi piace che l'ascoltatore che percepisce quella cosa lì la possa sentire anche sua. Se tu scendi troppo in un dettaglio lasci poco all'immaginazione, invece a me piace l'idea di provare a far sì che si torni ad un ascolto musicale: ti metti lì con le cuffie, tranquillo. E' come quando leggi un libro, io non ho mai visto una persona che legge un libro e nel frattempo stira, non ho mai capito perché uno debba ascoltare musica e stirare! Mi piacerebbe che la musica venisse intesa come ascolto, poi c'è anche la musica di intrattenimento e va bene, ma quella è un'altra storia. Se la musica deve essere quella "da ascolto", allora mi piace raccontare una storia. Se devo raccontare una storia parto dal presupposto che i fatti tuoi, arrivati ad un certo punto annoiano sempre, quindi devi per forza cercare di virare verso l'immaginazione. La malinconia è sicuramente qualcosa che mi affascina, che mi lascia tanto da raccontare, anche se quasi mai è intesa come una malinconia disperata, forse nell'ultimo disco sì ma è un eccezione, tendenzialmente è più una malinconia calda, è più un senso di casa, un senso di interno; quella è una cosa che mi piace molto: un senso di estraneazione da ciò che è l'esterno. La copertina rappresenta una mamma e una bambina ed è legato perché nel disco parlo di ricordi che possono riferirsi all'infanzia.

C. F. - Una parentesi proprio sulla copertina del disco: la foto è stata scattata da te?

Giancarlo - Sì, tutte le foto delle copertine dei dischi dei Nosound sono state scattate da me. La foto originale della copertina di "Lightdark" era realmente così, a parte la gradazione del colore che è stata modificata. Era la foto di una mamma, in una spiaggia vicino Roma, che giocava con la figlia; questo è ciò che c'è nella foto, anche se non si vede chiaramente.
Mi piace dare un continuum artistico tra il prodotto e la musica che faccio. Quando una persona spende 10 euro per comprare un disco dei Nosound, non sta comprando solo la musica, sta comprando un prodotto, quindi mi piace pensare come era con i vinili. Quando uno prende un album ha tra le mani un prodotto che è tutto legato. Oggi il mercato è diviso in due parti: il settore del download e della musica di consumo e il settore dell'appassionato. L'appassionato che spende soldi deve avere tra le mani non un cd con una paginina di libretto dentro e un disco stampato alla buona, deve avere un qualcosa che si adoperi ad essere "opera d'arte"; ovviamente ad uso della musica.

C. F. - Si sentono molte influenze nella musica dei Nosound, a partire dai Porcupine Tree e i NoMan. La base di partenza potrebbe essere definita progressive ma questa poi si sviluppa portando con se elementi che possono rimandare la mente alle atmosfere sonore di Robert Fripp e Brian Eno piuttosto che ai Sigur Ros.

Giancarlo - Sì, si sentono cose un tantino più oblique, meno legate al progressive classico. In Italia abbiamo tantissima gente che fa bella musica ma che spesso e volentieri rimane comunque legata al progressive italiano degli anni '70 che ha fatto un sacco di cose belle, ma siamo rimasti comunque lì. Alcune belle eccezioni stanno comunque uscendo fuori ma purtroppo vengono prese e portate all'estero.
Sicuramente la musica di Fripp come quella di tanti altri artisti la vedo molto più vicina a quelle che possono essere le ispirazioni alla Nosound piuttosto che, per esempio, il neo-progressive. Il legame con il new-prog c'è ma francamente non lo ritengo tra le influenze più importanti.
I Sigur Ros li ho visti per la prima volta a Londra ed eravamo 150 perone. Adesso riempiono le arene ma quando li vidi io, tanti anni fa, lo dissi subito che si trattava di un gruppo che avrebbe fatto storia.
Sigur ros e tantissima musica dal nord Europa, penso che il nord Europa sia un calderone creativo enorme. Dagli ultimi lavori degli Ulver che facevano death metal e adesso stanno facendo delle cose magnifiche. Ci sono gruppi assolutamente sconosciuti che fanno delle belle musiche: queste misture con strumenti tipici del posto uniti all'elettronica, uniti a qualcosa che potrebbe essere post-rock ma dove però è sempre presente una linea melodica vocale per cui non ci si perde in questi giri infiniti del post-rock. Penso che mai come oggi ci sia così tanta bella musica in giro. Non sono d'accordo con chi dice che la musica fa schifo, la musica si è semplicemente moltiplicata fino a saturare il mercato per cui se anche prima il 20% era buono e ci piaceva e l'80% no, prima l'80% erano 100 gruppi, adesso l'80% sono 10.000.000 di gruppi; per contro anche quel 20% è aumentato. Secondo me andando in giro su internet si trova tantissima bella musica, ripeto, negli ultimi due anni ho un elenco di band che ho scoperto tutte bravissime.

C. F. - Due parole sullo spettacolo di stasera.

Giancarlo - Lo spettacolo di stasera se vogliamo è un inedito. Questa sera ci saranno pezzi in equa misura tra ”Sol29”, “Lightdark” e “A sense of loss”. Io di solito suono la chitarra e canto mentre questa sera, essendo da solo, suonerò la chitarra, la tastiera e canterò, quindi farò un po' tutto. Spero venga fuori una bella cosa perché a me piace molto l'idea, ho riarrangiato tutti i pezzi per essere fatti o piano e voce o chitarra e voce. Alcuni sono addirittura meglio, cioè sono meno di impatto però in termini di significato e di atmosfera credo che alcuni pezzi ne abbiano guadagnato, sono sicuramente più intimi. Potrebbe essere il primo di una serie. Speriamo.

C. F. - Ancora Grazie Giancarlo.

Giancarlo - Grazie a te.

Chiara Felice

One of the beautiful song you should know (Nosound - Lightdark - Someone starts to fade away) http://www.youtube.com/watch?v=exlEmCaCJxE&feature=related

Peter Gabriel live@Arena di Verona 26.09.2010

2010-10-01T12:17:00.000-07:00

"L'inno alla gioia" di Beethoven che viene agganciato al finale di Solsbury Hill riassume al meglio l'ennesima Genesi di Peter Gabriel. Il suo nuovo e attesissimo "New Blood Tour" lo ha visto in Italia per un'unica data e in una location che meglio di ogni altra poteva ospitare un concerto che fin dalle premesse - "Orchestra. No drums, no guitars" - si presentava pieno di sorprese: "expect the unexpected", per dirla alla Gabriel! E così è stato, quasi tre ore e mezza di musica con un pubblico entusiasta (tanto da riuscire a battere le mani quasi sempre nel momento meno opportuno: a canzone non ancora finita)!

Il concerto è stato articolato in due parti, una prima dedicata all'esecuzione integrale del suo ultimo lavoro (Scratch My Back) e una seconda che ripercorrerà gran parte della carriera solista dell'artista; ad accompagnarlo un'orchestra di giovani musicisti diretti dall'altrettanto giovane maestro Ben Foster. L'inizio, come da copione, viene lasciato alla particolarissima rivisitazione di Heroes. La voce di Gabriel è una magia continua che riesce a tessere meravigliosi crescendo emotivi (su tutte la toccante Flume); The Power Of The Heart a tratti sembra sussurrata più che cantata così come The Book Of Love, resa più "leggera" soltanto dalla divertente animazione che scorre nello schermo a LED. In brani come I Think It's Going To Rain Today, Après moi e My Body Is A Cage le parole vengono modellate fino ad acquisire nuova vita. Wallflower - che chiude la prima parte del concerto - è il perfetto anello di congiunzione tra le predominanti atmosfere crepuscolari di Scratch My Back e l'alternativo viaggio a ritroso che sarebbe iniziato da lì a pochi minuti.

Grappoli di note al pianoforte introducono la tenera San Jacinto e danno inizio alla seconda parte del concerto. I brani si susseguono, uno dopo l'altro, in un crescendo emotivo senza paragoni, lo stesso Gabriel sembra essere meno ingessato. C'era la paura - da parte di chi scrive - che la maggior parte dei brani storici potessero perdere di spessore, o peggio di vita una volta tolta loro la linfa (batteria e chitarre); questo timore è stato smentito in toto. La sensazione è stata quella di avere avuto la possibilità di ascoltare i brani da un'altra - nuova - prospettiva. Signal To Noise, The Rhythm Of The Heat sembravano esser particolarmente predisposte fin dalla nascita ad una trasformazione del genere.

Niente è lasciato al caso, ogni parte degli arrangiamenti sembra esser stata curata nel minimo dettaglio, non si è cercato di dare un sottofondo orchestrale alle canzoni, un tappeto sonoro sopra al quale far aderire la voce di Gabriel; ogni brano è stato ricostruito, mantenendo dell'originale soltanto l'ossatura centrale.

Ogni singola nota, ogni singolo strumento è stato preso in considerazione per cercare di mettere in risalto e far ascoltare un lato ancora inesplorato di quella stessa canzone. Ecco quindi la struggente versione di Mercy Street impreziosita dal flauto traverso e scandita dalle note di uno xilofono, la tormentata Darkness, l'acida (e a tratti Gershwiniana), Intruder e l'intima Washing Of The Water (cantata insieme alla figlia Melanie). Più di una volta Gabriel si mette da parte lasciando il palco all'orchestra a ribadire, ancora una volta, la profonda stima verso i giovani musicisti che lo accompagnano in questa avventura. Le trascinanti Red Rain e Solsbury Hill (quest'ultima con un Gabriel, come è giusto che sia, alla Solsbury Hill , nonostante i "no drums, no guitars") scuotono il pubblico dal suo stato meditativo, incitandolo ad una partecipazione più attiva!!! Purtroppo siamo alle battute finali, resta il tempo per una manciata di brani: la travolgente In Your Eyes e Digging In The Dirt che vede alla voce femminile la giovane artista norvegese Ane Brun (cantante che ha aperto, con due brani, il concerto di Peter). Manca davvero poco, Peter si siede al piano (per la prima ed unica volta in tutta la sera) e la dolcissima The Nest Who Sailed The Sky regala l'ultimo sogno ad un pubblico emozionato fino all'inverosimile. Per quanto questo brano abbia costituito la perfetta conclusione del concerto, la sensazione - da parte di chi scrive - è che Gabriel abbia voluto lasciare un discorso in sospeso, che prima o poi, dovrà essere ripreso.

Non ho mai pensato che tre ore e mezza potessero avere la durata di un battito di ciglia. E' stato come aprire gli occhi e svegliarsi da un sogno. Pochi artisti hanno la capacità di farti attraversare infiniti stati d'animo, Peter Gabriel è un maestro in questo e poterlo ascoltare dal vivo vuol dire elevare all'ennesima potenza queste emozioni. Non sò quanto tempo ancora dovrà passare prima di poterlo ascoltare di nuovo ma sò che ci sono storie che aspettano ancora di essere narrate e che prima o poi arriveranno alle orecchie di Gabriel.

"Expect the unexpected".

Chiara Felice

Scaletta
Prima parte:
Heroes, The boy in the bubble, Mirrorball, Flume, Listening wind, The power of the heart, My body is a cage, The book of love, I think it's going to rain today, Après moi, Philadelphia, Street spirit, Wallflower,

Seconda parte:
San Jacinto, Digging in the dirt, The drop, Signal to noise, Downside up, Darkness, Mercy street, Blood of eden, The rhythm of the heat, Washing of the water, Intruder, Red rain, Solsbury hill,
Bis
In your eyes, Don't give up, The nest that sailed the sky,

www.radiogas.it

Concerto Portico Quartet

2010-09-29T17:28:00.000-07:00

Il jazz incantatore dei Portico Quartet approda alla XXVI edizione del Verucchio Music Festival (direzione artistica di Ludovico Einuaudi) per la loro quarta data italiana. La cornice è quella della Sala Grande della rocca Malatestiana che con le sue imponenti mura domina il paese e gran parte del territorio circostante.

La curiosità di ascoltare dal vivo i bellissimi brani contenuti nel loro ultimo album ("Isla") è tanta e le aspettative, a detta di chi scrive, non verranno deluse! I quattro giovanissimi musicisti riescono a tessere trame musicali avvolgenti, cercando di sfruttare al massimo ogni possibilità sonora del proprio strumento e ipnotizzando per un'ora e mezza gli spettatori presenti. Sperimentazioni e ricerca della melodia riescono a concatenarsi alla perfezione. "Isla" viene eseguito quasi per intero, alternandola ad altri brani tratti dal loro EP "Abbey Road".

La perfetta alchimia che si è creata tra i musicisti riesce a dar vita a splendide versioni di "Isla", "Paper scissor stone" e "Life mask". Notevole anche l'improvvisazione sul finale di "Dawn Patrol" lasciata a Duncan Bellamy (batteria) e Jack Wyllie (sax). Le linee melodiche disegnate dal sax riescono a svilupparsi alla perfezione sui tappeti sonori creati dall'hang di Nick Mulvey mentre il contrabbasso di Fitzpatrick ricama o funge da contraltare alle melodie di Wyllie. In contrapposizione all'hang di Mulvey, la batteria di Bellamy è l'elemento essenziale per le svolte acide.

Nessun rimorso, nessuna delusione, il sound ipnotico dei Portico Quartet risulta estremamente affascinante sia su disco che dal vivo; in quest'ultimo caso però bisogna ammettere che i Portico trovano la loro massima espressione.

Pistoia Blues 14 luglio 2010: Porcupine Tree, Anathema, North Atlantic Oscillation, Astra.

2010-07-23T18:49:00.001-07:00

La 31° edizione del Pistoia Blues si apre all'insegna del rock dalle forti tinte prog! Il gruppo più atteso è sicuramente quello di Steven Wilson che è approdato a Pistoia per esibirsi, così come tutti gli altri gruppi di questa rovente serata di Luglio, nell'unica data italiana. Ma i gruppi chiamati a scaldare il palco ai Porcupine Tree non deludono le aspettative! Aprono la serata gli Astra, formazione californiana progressive tanto nella musica quanto nell'abbigliamento, quattro pezzi in quasi quaranta minuti! Un album all'attivo e molte buone possibilità di fare strada se riusciranno a dare un taglio più personale alle proprie composizioni e soprattutto se riusciranno a "condensare" la propria proposta che, in sede live, potrebbe alla lunga annoiare.

Dagli States si vola fino alla Scozia con i North Atlantic Oscillation, altra giovane band che arricchisce di venature elettroniche i propri brani. Sono il giusto intermezzo tra la serietà heavy prog degli Astra e il sound pieno di richiami ed influenze (..chi ha detto Pink Floyd?!?) degli Anathema.

Gli Anathema, gruppo dei fratelli Cavanagh non delude le aspettative e l'unica nota "dolente" è legata al fatto di non aver avuto il tempo necessario per poter creare la giusta atmosfera, elemento imprescindibile per questo gruppo che da "Serenades" (1993) ha continuato ad evolversi, anno dopo anno, fino ad arrivare al bellissimo "We're here because we're here" dal quale sono stati eseguiti svariati estratti tra i quali "Universal", l'emozionante "A simple Mistake" e "Everything ", cantata da Vincent con l'accompagnamento della dotatissima vocalist Lee Douglas (autrice di una performance canora stupenda, specialmente durante l'esibizione di "A natural Disaster"). I favolosi "Judgement" ed "Alternative 4" non hanno avuto il giusto risalto, se non per l' immancabile "Fragile Dreams", canzone con la quale la band di Liverpool si è congedata dall'audience del Pistoia Blues che ha veramente molto gradito l'esibizione nel suo intero. Ma d'altra parte , non ci si poteva aspettare niente di particolarmente diverso: il disco da promuovere è "We're Here because we're here"... Il palco si svuota molto velocemente e viene preparato per l'esibizione dei Porcupine Tree: set di chitarre, passaggio di aspirapolvere (Steven Wilson usa esibirsi scalzo) e al centro del palco viene posizionato quello che a prima vista avrebbe tutte le sembianze di un antico scrittoio ma che in realtà nasconde una tastiera.

Tocco alla Wilson che contribuisce non poco a creare un' atmosfera familiare e nostalgica (sulla scia del video di Lazarus). Il concerto si apre con "Occam's Razor" da "The incident"; sempre dall'ultimo disco verranno eseguiti anche altri pezzi, su tutti la camaleontica "Time flies" e "Drowing the line". Altri brani tratti da "The incident" si alternano ai classici della discografia dei Porcupine; ci sarà spazio per una strepitosa versione di "Hate song", le atmosfere rarefatte di "Russia on ice", la parte centrale di Anesthetize (per intendersi il momento più heavy dell'intera discografia dei PT) e l'immancabile dolce nostalgia di "Lazarus". Il concerto si chiude con il classico "Trains"; dispiace solo che sia durato così poco (un'ora e mezza di esibizione). Si è comunque trattato di uno spettacolo incredibile, esecuzioni perfette coadiuvate dalle immagini montate da Lasse Hoile proiettate sullo schermo dietro la band. Perfetta la sintonia tra i musicisti (le atmosfere create da Richard Barbieri sono assolutamente geniali, il drumming di Gavin Harrison è come al solito stratosferico e la precisione di Colin Edwin rende la sezione ritmica dei PT una delle migliori che la scena prog abbia mai prodotto).

Una menzione particolare per l'ottimo John Wesley oramai dal 2002 elemento imprescindibile per il sound live dei Porcospini. In definitiva, nessuna aspettativa è stata delusa e il coinvolgimento da parte del pubblico (e di chi scrive) è stato totale!!!

Roberto Biancalani e Chiara Felice
http://www.radiogas.it/news.asp

Band of horses "Infinite arms"

2010-07-23T18:45:00.000-07:00

Anno di pubblicazione: 2010

Etichetta: Columbia - Fat Possum Records - Brown Records

Provenienza: Washington (United States)

Genere: Indie Rock

Voto: ***

Brani migliori: Infinite Arms, On My Way Back Home, Compliments, Blue Beard.

Un cielo stellato che si tramuta in una vorticosa scia luminosa pronta a catturare la nostra immaginazione. La circolarità della splendida foto di copertina dell'ultimo lavoro dei Band Of Horses - scattata da Cristopher Wilson - riflette alla perfezione il brano che da il titolo all'album, Infinite Arms che nel delicato crescendo del ritornello sembra prenderci per mano e portarci in volo verso i nostri ricordi più belli, "when my thoughts drift to you".

Infinite Arms, prodotto da Phil Ek è il terzo lavoro della band di Seattle e si presenta come un disco di "rock sognante" con testi non proprio eccelsi ma con arrangiamenti musicali a volte avvolgenti pur nella loro estrema semplicità (On My Way Back Home), altre volte più sostenuti (Compliments) per un discreto risultato finale. Non mancano riferimenti espliciti al country statunitense, su tutti basti ascoltare l'intro di Older, suonato con la pedal steel guitar. Infinite Arms cerca di vestire a nuovo sonorità appartenenti soprattutto al country-rock, rivisitando le radici musicali della terra d'origine della band con arrangiamenti più "attuali". La delicatezza della voce di Benjamin Bridwell in brani come Evening Kitchen e Neighbor riportano subito alla mente Samuel Beam, mentre invece alcune armonizzazioni vocali rimandano ai Jayhawks. Il disco alterna momenti di notturna contemplazione (Infinite Arms) ad attimi in cui l'immaginazione fugge verso gli sconfinati paesaggi del Pacific Northwest ("NW Apt.").

L'album, registrato tra le Blue Ridge Mountains, il deserto californiano, le Hollywood Hills, il South Carolina e il Pacific Northwest pare aver assorbito tutto lo spirito di questi luoghi. Questo album traccia una nuova strada per la Band Of Horses, segnato dal passaggio da un'etichetta indipendente (Sub Pop) ad una major (Columbia) oltre che dal cambio del chitarrista nella line-up del gruppo con l'arrivo di Tyler Ramsey. Rispetto ai dischi precedenti i suoni sembrano meno spigolosi e le costruzioni vocali più riflettute e affascinanti. Il gruppo sembra aver trovato con questo disco il giusto equilibro, lavorando "a togliere" e a modellare le canzoni fino ad ottenere la composizione perfetta nella sua semplicità. Per contro, l'attitudine tipicamente rock di alcuni brani rende l'album un alternarsi continuo di emozioni e paesaggi eterogenei tanto quanto quelli della terra nativa di Benjamin Bridwell & Co.

Non resta che lasciarci avvolgere dal vortice stellare creato da Infinite Arms e scoprire le emozioni che possono suscitarci queste dodici "istantanee musicali".

http://www.radiogas.it/news.asp

Portico Quartet "Isla"

2010-07-23T18:33:00.000-07:00

Anno di pubblicazione: 2009

Etichetta: Real World Records

Provenienza: United Kingdom

Genere: Jazz

Voto: ***1/2

Brani migliori: paper scissors stone, life mask, clipper.

I Portico Quartet - due album all'attivo - nascono quattro anni fa dalla fusione di due diversi gruppi. I componenti del quartetto, tutti poco più che ventenni, si fanno le ossa suonando fuori dal Teatro Nazionale di Londra. In poco tempo riescono a costruirsi un'ottima reputazione e nel 2007 firmano il loro primo contratto discografico per l'etichetta Babel/Vortex che terrà a battesimo il loro "Knee Deep In The North Sea".

La line-up composta da Duncan Bellamy (batteria), Milo Fitzpatrick (contrabbasso), Nick Mulvey (hang e percussioni) e Jack Wyllie (soprano, sax tenore ed elettronica) è quindi arrivata ad un punto di svolta, ma il bello deve ancora arrivare! Nel 2009 approdano alla Real World Records, l'etichetta fondata da Peter Gabriel e nell'ottobre dello stesso anno licenziano il loro ultimo lavoro "Isla". L'album risulta molto più omogeneo rispetto al disco d'esordio, grazie anche al lavoro del produttore John Leckie. Il quartetto non perde la sua attitudine live, gran parte del disco è stato eseguito dal vivo nello studio 2 di Abbey Road (studio reso leggendario dai Beatles. E non solo).

Isla raccoglie in sé stati d'animo differenti, si passa dalla delicatezza di "life mask" alla svolta acida contenuta in brani come "clipper" e "dawn patrol", mentre il crescendo di "paper scissors stone" si innalza a manifesto musicale della band. Il sax di Wyllie viene spesso ammorbidito dalle sonorità dello hang (strumento a percussione in metallo, formato da una cavità centrale e otto piccole cavità laterali). Proprio l'hang è l'elemento che caratterizza maggiormente il sound dei Portico Quartet, concedendo a sonorità tipiche del jazz citazioni etniche e sposandosi magistralmente con le tonalità calde del sax.

E' un jazz particolare quello dei Portico, orecchiabile ma mai banale e che risente della passione dei quattro musicisti per la musica suonata dal vivo. La bravura di questi musicisti risiede nel riuscire a creare in ogni pezzo uno stato d'animo differente. Isla è un disco di jazz sognante, con venature di musica minimale e passaggi di world music (il sax di Wyllie ricorda a tratti il Garbarek più etnico). La loro filosofia sembra essere quella del "crescendo" (musicale e non solo) e bisogna ammettere che con questo disco ci sono riusciti perfettamente!

http://www.radiogas.it/news.asp

Disco della settimana di Radiogas!!! Natalie Merchant "Leave your sleep"

2010-05-09T09:30:00.000-07:00

Anno di pubblicazione: Aprile 2010 Etichetta: Nonesuch Voto: ***** Brani migliori: Nursery Rhyme Of Innocence And Experience, The Man In The Wilderness. "This colletcion of songs represents parts of a long conversation I've had with my daughter during the first six years of her life", così Natalie Merchant introduce il suo ultimo, splendido lavoro. Leave your sleep si presenta chiaro fin dalla copertina: una lunga serie di dischi posti di taglio quasi a voler sembrare libri su uno scaffale, su ogni "dorso" troviamo il titolo di una canzone, come a voler dire che ogni brano è un mondo a sé. Ogni canzone un libro. Ogni libro una storia. Il progetto è ambizioso, mettere in musica una selezione di poesie di poeti classici contemporanei che abbia come filo conduttore il tema dell'infanzia. Sono pochissimi gli angoli di mondo e i generi musicali che non vengono esplorati. Il viaggio comincia nella verde terra d'Irlanda (e non poteva essere altrimenti) con il brano "Nursery Rhyme of Innocence and Experience" eseguito insieme agli irlandesi Lúnasa (che torneranno in "The Walloping Window Blind" e in "I saw a ship a-sailing") e da qui si estende fino a toccare la Cina con "The king of China's daughter" (suonato insieme ad un ensemble di musicisti cinesi), la Giamaica ("Topsyturvey-world") e l'immancabile "fiume del blues" ("Peppery man"). I 26 brani (o 13 a seconda dell'opzione che sceglierete) del disco presentano un'eterogeneità musicale difficile da rintracciare altrove. Al dixiland di pezzi come "The janitor's boy" o "Bleezer's Ice-cream" si alternano il klezmer di "The dancing bear", magnificamente eseguita dai Klezmatics. Non mancano echi della migliore tradizione pop degli anni '60 con la beatlesiana "It makes a change". La voce di Natalie entra sottopelle fin dalla prima parola della toccante "The man in the wildness", vera e propria ballata in stile Merchant. Due generazioni si fondono nell'esecuzione di "Peppery man", da una parte il soul delicato della Merchant e dall'altro il blues della voce più profonda dei Fairfield Four. Gli arrangiamenti - sempre estremamente illustrativi - sono merito della collaborazione con il tecnico del suono Nick Wollage, autore di importanti colonne sonore; il suo tocco lo si può notare soprattutto in brani come "Spring and fall: to a young child" e "The land of nod" che assumono una vera e propria dimensione cinematografica. Come chiusura del cerchio non poteva mancare uno sguardo rivolto gli indiani d'America, a loro è dedicata "Indian names". La bellezza di questo album risiede nel suo non essere mai lineare, gli stati d'animo si alternano, così come si alternano le canzoni che vanno dallo spirituale ("Indian names") al comico ("Bleezer's ice cream"), all'introspettivo ("If no one marries me"). Ogni canzone è una finestra che di volta in volta ci offre la possibilità di affacciarci in un mondo sempre diverso. Quasi infinita è la lista degli artisti che hanno collaborato a questa meravigliosa impresa: il compositore Stephan Barber, il trombettista Wynton Marsalis e i Memphis boys solo per citarne alcuni. Sicuramente "Leave your sleep" si colloca come miglior disco di tutta la carriera solista di Natalie Merchant perché rispetto agli altri ha il valore aggiunto di essere riuscito in quella che poteva sembrare una vera e propria impresa titanica, mettere in musica poesie di autori contemporanei avvalendosi di un gran numero di musicisti. "And it's so sweet, sweet and a lullaby". http://www.radiogas.it/news.asp

Recensione "San Patricio" Chieftains - Ry Cooder

2010-05-09T09:27:00.000-07:00

Come promesso si ricomincia con gli interventi sul blog, ma la situazione è cambiata! Non posterò più scalette riguardanti Beyond the Horizon ma recensioni di album. Le recensioni ovviamente sono state scritte dalla sottoscritta. E alora diamo il via a questa nuova avventura iniziando con l'ultimo progetto dei Chieftains e Ry Cooder che prende il titolo di "San Patrizio". Buona lettura, ma soprattutto buon (successivo) ascolto.

Anno di pubblicazione: 2010

Etichetta: Hear Music Genere: Folk

Voto: ***1/2 Miglior brano: "Luz De Luna" per l'intensa interpretazione di Chavela Vargas.

San Patrizio è una ricostruzione in musica di una pagina di storia da sempre lasciata nell'ombra. Nella metà dell'ottocento, durante la guerra tra Stati Uniti e Messico, 175 soldati irlandesi facenti parte del battaglione "San Patrizio" e arruolati nell'esercito statunitense decidono di passare nelle fila messicane "We are the San Patricios, a brave and gallant band. There'll be no white flag flying within this green command We are the San Patricios, we have but one demand, To see the Yankees safely home across the Rio Grande. [...] We've disappeared from history like footprints in the sand But our song is in the tumbleweeds and our love is in this land But if in the desert moonlight you see a ghostly band We are the men who died for freedom across the Rio Grande" In "March to battle (across the Rio Grande)" viene narrato dall'attore irlandese Liam Neeson il punto di vista dei soldati irlandesi, marchiati come disertori dall'esercito statunitense ma considerati dei veri e propri eroi in Irlanda e Messico per la loro scelta dettata dalla coscienza e da motivi religiosi in quella che aveva tutte caratteristiche di una guerra di conquista da parte degli Stati Uniti. L'album non è interamente caratterizzato da brani che si riferiscono espressamente alla guerra, è piuttosto un disco che tenta di fondere la tradizione musicale messicana con quella irlandese, basta ascoltare "Persecution de villa", molto simile all'irlandese "Kevin Berry". Paddy Maloney, instancabile leader dei Chieftains e Ry Cooder diventano così registi di un' opera che racchiude al suo interno canti popolari, bolero, ninnenanna e storie di vita e di morte, il tutto ricreato magnificamente da suoni che rimandano al mondo musicale messicano con venature di folk irlandese, rock e blues. Il disco alterna momenti da festa popolare ("La iguana") a momenti di forte coinvolgimento emotivo ("Luz de Luna"). Moltissimi gli ospiti che vanno (solo per citarne alcuni) dai messicani Los Folkloristas, Cenzontles, Los Camperos De Valle e Chavela Vargas, alla voce dei Clannad Moya Brennan, passando per Linda Rostadt. Ry Cooder ci regala due interventi, il primo nella toccante "The sands of Mexico" e il secondo in "Canciòn Mixteca", divisa in due parti - nel tentativo di suggerire due punti di vista completamente diversi dello stesso pezzo - una prima eseguita da Cooder, Chieftains e Van Dyke Parks e una seconda parte eseguita da Los Tigres del Norte. Il progetto San Patrizio è stato un progetto ambizioso ma ben riuscito, Maloney e Cooder sono riusciti a creare un disco che fonde musica folk messicana e irlandese senza mai scadere nel banale e nel luogo comune. ...per tutte le news (di recensioni e non solo) date un'occhiata qui http://www.radiogas.it/news.asp

...is back!!!!

2010-04-25T17:17:00.001-07:00

Tenetevi pronti perché sto per tornare. Molte recensioni e aggiornamenti vi attendono... Per troppo tempo questo blog è stato abbandonato, è arrivata l'ora di riportarlo a nuova vita :) Stay tuned ed ovviamente ascoltateci su www.radiogas.it tutti i martedì e giovedì mattina dalle 10 alle 11.30 e l'immancabile appuntamento all'insegna del vinile del mercoledì sera, dalle 19.30 alle 21. Buona vita!!!! Chiara.

Radiogas presenta: "Mille papaveri rossi"

2009-01-06T09:34:00.000-08:00

In occasione del decimo anniversario dalla morte di Fabrizio De Andrè, Radiogas dedica tre giorni e due notti della sua programmazione al ricordo di Faber. 57 ore di diretta dedicata alla musica di Fabrizio. www.radiogas.it

Zanarkand's Hopes...

2008-10-30T08:39:00.000-07:00

..."A volte ritornano"...

2008-04-12T14:33:00.000-07:00

Già...proprio per la serie "a volte ritornano" eccomi nuovamente a casa. "Home, home again, I'd like to be here when I can" tanto per citare i miei tanto amati Floyd...Sono passati più o meno tre mesi dall'ultimo aggiornamento, ci siamo lasciati con gli Ashram, adesso ritorno con qualche novità, ma sopratutto con una promessa nei confronti di chi ogni tanto fa un salto nel mio blog non tanto per leggere quelle due o tre cose che a cadenze molto irregolari mi degno di scrivere, quanto piuttosto per ascoltare i brani contenuti nell'Ipod. Prometto che d'ora in avanti ogni domenica o lunedì caricherò nuovi brani. Ogni volta troverete una selezione di pezzi presi dalle nostre trasmissioni ("Beyond the Horizon" e, forse, "Work in regress"). Vi basterà cliccare sul brano che vi interessa e potrete tranquillamente ascoltarlo (se tutto procede secondo i programmi...). Vi renderete conto che le nostre trasmissioni, sopratutto "Beyond the Horizon" sono una sorta di porto franco dove si incontrano tantissimi stili musicali a volte anche estremamente diversi tra loro. Comunque, non voglio dilungarmi troppo, la scaletta di questa sera è molto improvvisata proprio perchè improvvisa è stata la voglia di inserire nuovi brani...Cercherò di introdurvi in breve i pezzi. Per quanto riguarda due gruppi: Lake of tears e Oysterband, il mio intento era quello di caricare per intero i loro album (a mio avviso) più belli "Forever autumn" per i primi e "The shouting end of life" per i secondi. I Lake of tears sono un gruppo svedese attivo ormai dal 1994, ammetto che per poter apprezzare pienamente quest album forse bisogna avere uno stato d'animo particolare..."Forever autumn" l'ho travato splendido anche se, molto spesso si sente una chiatarra di Gilmouriana memoria. In questo caso ho preferito inserire un brano strumentale (Otherwheres) che secondo me poteva essere una splendida introduzione al brano successivo "nuvole bianche" di Ludovico Einaudi, artista spesso "presente" con i suoi pezzi a "Beyond the Horizon". Devo ancora ascoltare compleatemnte il suo ultimo lavoro "Divenire", nell'attesa ci sentiamo uno dei suoi brani più belli "Nuvole bianche". Gruppo che ruota attorno alla figura del tastierista/cantante Chris Martin, loro sono i Coldplay. Tutti stanno attendendo con ansia quello che si va delineando sempre di più come un vero e proprio parto travagliato, il loro ultimo lavoro in studio, che vede la supervisione del geniaccio Brian Eno!!! In attesa di news..."Dont' panic"!!!...We live in a beautiful world!!! Io ho i miei periodi, questo vale anche nell'ambito musicale. Ultimamente sto scivolando sempre di più nel "periodo Radiohead". Non mi dilungherò in questo post a parlare di Thom Yorke e della sua ciurma, ma credo che presto diro la mia sui lavori di questo gruppo. Nel frattempo...una canzone molto molto bella "Fake plastic trees", tratta da un album altrettanto notevole (loro secondo lavoro) "The bands". Un vero e proprio genio, tante collaborazioni, tantissimi dischi, una sensibilità musicale che ricorda (ma per sua fortuna non dipende) il Gilmour migliore (anche se non esiste un Gilmour peggiore!!!!! XD ), lui è Steven Wilson, nessuna parentela (almeno che io sappia) con il più famoso Brian! Grande mente dei Porcupine Tree. Anche in questo caso vi faccio ascoltare una mia fissa, "Nine cats"! Wilson che ha "visto nove gatti danzare sulla luna" mi ha leteralmente stregata!!! Altro gruppo che non ne ha sbagliata una, i "The National". Anche in questo caso vado un pò indietro visto che il loro ultimo lavoro "Boxer" ve l'ho fatto ascoltare in tutte le salse. Torno indietro ad una canzone meravigliosa "Lucky you" tratta dalla album "Sad Songs For Dirty Lovers". Il loro ultimo album vede una crescita (a mio parere) dal punto di vista degli arrangiamenti musicali che risultano ancora più curati, mentre invece le liriche e il modo di cantare di Matt Berninger diventano sempre più un vero e proprio "marchio di fabbrica": introspezione, delicatezza e tanta tanta classe. Berninger canta il graffio dell'animo che tanto è caro ai melanconici (e non solo, forse...). Non potevano mancare i suoni di una terra che adoro...in verità loro sono Inglesi, per la precisione di Canterbury, ma il sound è quello della verde terra d'Irlanda. Vi ho accennato all'inizio di questo disco che vi consiglio di ascoltare per intero, "The shouting end of life". Nell'ipod troverete il brano "By northern light", loro sono gli Oysterband. Ok, mi sto dilungando davvero troppo, forse è il caso che accorci un attimino i tempi, altrimenti non la finisco più. Comunque, siamo arrivati alla svolta, musicalmente parlando!!! Iniziamo con una voce decisamente bella ed un altro bel disco. Lei è Amy MacDonald, vi consiglio di ascoltarla la sua This is the life, brano che da il titolo al suo ultimo album. Due gruppi molto interessanti, due album a mio avviso molto belli, per certi aspetti si continua sulla scia dei National, vedi la vena letteraria di Will Sheff degli Okkervil River che nel 2005 licenziano un album perfetto "Black Sheep Boy". Proprio da questo lavoro ci andiamo ad ascoltare "Black". La ricerca etnomusicolgica di una terra affascinante come il messico è il fulcro attorno al quale ruota l'attività di una band che unisce gli States all'America cantrale, basti pensare al nome, Calexico, fusione delle iniziali dello stato della California con le ultime lettere dela parola Mexico. Nel 1998 esce il loro lavoro migliore "The Black Light", ma per questa volta ho preferito optare per un brano preso dall'album "Hot rail", "Crystal frontie". Un discorsone a parte meriterebbero gli ultimi due artisti, ma non è il caso di dilungarsi adesso. Da una parte abbiamo l'alter-ego di Ian Curtis, Robert Smith, leader dei Cure, band etichettata come "dark", definizione che io credo sia non solo riduttiva ma anche estremamente fuorviante. Ci sentiamo "Friday I'm in love", provateli ad ascoltare (se non lo avete ancora fatto) e createvi da soli una vostra idea sulla musica dei Cure, lasciate perdere gli "esperti in materia". Dulcis in fundo...l'amore della mia metà radiofonica Francesca, meglio conosciua come MissLonely (provate ad indovinare da dove ha preso il nick... XD ), Bob Dylan. Bob Dylan piace alla Francesca ma Hurricane piace tanto, ma proprio tanto a me!!! Cosa devo dirvi, sarà il violino...!!! Ragazzi, ho scritto davvero troppo...è che quando inizio faccio fatica a fermarmi. Comunuque, io vi ricordo gli appuntamenti: Tutti i martedì e venerdì dalle 9.00 alle 11.00 "Beyond the Horizon" Tutti i mercoledì sera dalle 19.30 "Work in regress" per tutti i nostralgici del vinile...just like us... Ovviamente tutto questo potrete ascoltarlo solo ed esclusivamente su http://www.radiogas.it/ Non resta che salutarvi e darvi appuntamento al prossimo fine settimana per gli "aggiornamenti musicali"!!! Buona settimana. Chiara. P.S. Carissimo Luca "Nuvole bianche" è la tua, così come tuo è il merito di questo post, dopo tre mesi di assenza....Un saluto.

Recensione "Shining Silver Skies" - Ashram -

2008-01-13T14:11:00.000-08:00

Ed eccomi di nuovo!!! Dopo un'assenza un pò troppo lunga torno ad aggiornare il mio blog che assomiglia sempre più ad un albero in autunno... Questa volta però non vi parlerò delle puntate di "Beyond the Horizon" o di "Work in Regress", ma di un disco a mio parere molto bello!!! Mi limiterò a postare una recensione che ho fatto un pò di tempo fa. Le canzoni del disco in questione le trovate nell'Ipod del blog, potrete quindi ascoltarle e decidere voi se e quanto questo gruppo (tutto italiano) sia riuscito ad affascinarvi... Buona lettura e buon ascolto!!! “Noi esseri finiti, personificazioni di uno spirito infinito, siamo nati per avere insieme gioie e dolori; e si potrebbe quasi dire che i migliori di noi raggiungono la gioia attraverso la sofferenza.”

Ho scomodato il genio della musica (Ludvig Van Beethoven) per poter parlare di questo disco, ma la frase sopra citata a mio parere riassume alla perfezione la musica di questo gruppo. La musica degli Ashram, gruppo italiano ma che da sempre lavora con etichette straniere è la sintesi dell’incontro di tre anime che riescono a viaggiare in sincrono; prima ancora che di tre musicisti. Nel 1998 Luigi Rubino (piano) Sergio Panarella (voce) Alfredo Notarloberti (violino) formano il primo nucleo della band, alla quale si andrà poi ad aggiungere nel 2001 il violoncellista Leonardo Massa. Come si può intuire dalla strumentazione, la musica degli Ashram non è “convenzionale”, è la musica di un tempo fuori da ogni tempo, è il rumore del silenzio.

Nel 2006, dopo quattro anni di silenzio, esce la loro seconda fatica discografica (se si esclude il cd-demo “For my son”) “Shining Silver Skies” (per l’etichetta portoghese equilibrium music). Il disco sembra davvero essere il frutto di un’ alchimia che deriva da un’intesa spirituale prima ancora che musicale dei componenti del gruppo. La musica che ne deriva altro non è che un viaggio all’interno di noi stessi, negli angoli più lontani, oscuri e dimenticati della nostra anima. Brani come “Maria and the violin’s string”, “Elizabeth” e “Il mostro”, sono perle di rara bellezza. In modo particolare “Maria and the violin’s string” è una corsa verso la felicità, una felicità tanto splendente quanto effimera, non si fa in tempo ad afferrarla che già ci appare nuovamente distante. Ma questo è poco importante; anche se solo per un attimo, la nostra anima è riuscita a prendere il volo, planando sopra i dolori e le ferite che la vita ci ha riservato, e per un istante che ci è sembrato eterno, abbiamo davvero toccato il cielo e abbiamo avuto la sensazione che splendesse solo per noi. “Maria and the violin’s string” è questa e tantissime altre sensazioni, è semplicemente il dolore che si scioglie e scivola via lasciandoci liberi di volare.

Gran parte del disco si muove su questa doppia linea di ossimori: dolore/gioia, ombra/luce, corpo/anima che finisco per fondersi tra di loro creando un solo spirito. Non fa eccezione “Il mostro” (non fatevi ingannare dal titolo), che come gran parte dei brani di questo disco sembra nascere da un silenzio interiore. Forse le parole di Edo Notarloberti riassumono alla perfezione il senso della musica degli Ashram: “se la propria anima è rumorosa, si riuscirà a sentire soltanto ciò che è più rumoroso di lei.”

I brani presenti nel disco meriterebbero tutti un’attenzione particolare e il discorso si farebbe troppo lungo. A livello di arrangiamenti, il violino e il pianoforte la fanno da padrona, non mancano però brani dove è presente il canto (“5 steps…”, “Lullaby”, “Last kiss”, “For each and every child”, “Lady”, “Shinign Silver skies”) e, in pochi casi, un accompagnamento di chitarra, però mai invadente. Al violino spetta il ruolo principale, ma il pianoforte di Luigi Rubino riesce sempre a tessere delle trame musicali delicate e mai banali. In molti brani si ha la sensazione che il pianoforte giochi a creare armonie che rimandano al suono del carillon (esempio emblematico è “Ultimo carillon”, ma vanno ricordati anche “All’imbrunire”, “Rose and air” e i secondi finali di “Maria and the violin’s string,), quasi a voler invitare l’ascoltatore a chiudere gli occhi e a tornare indietro nel tempo, quando ogni aspetto della vita appariva facile e leggero, come un volo di gabbiano. Solo con il passare del tempo l’uomo si renderà conto di quanto pesante possa essere la leggerezza.

La sensazione che si ha ascoltando “Shining silver skies” è quella di essere catapultati completamente in un altro mondo, un mondo che noi conosciamo benissimo perché nostro, ma che molto spesso, volutamente o meno, finiamo per ignorare. Si inzia con “5 steps…” dove il piano sembra darci l’impressione di un fiume in piena, di un cuore che non trova pace, questo turbinio di fondo, dato dal pianoforte, viene stemperato dal violino e dalla splendida voce di Sergio Panarella. L’atmosfera cambia radicalmente in “Lullaby”, ninnananna quasi sussurrata, che mette in risalto tutta la bellezza e la dolcezza della voce di Luigi. L’inizio di “For each and every child” potrebbe far pensare ad un notturno di Chopin. La melanconia che pervade “Tango para mi madre y marialuna” è un po’ il filo conduttore di gran parte del disco. In “Ultimo carillon” l’incedere incerto, sempre più lento del pianoforte, ci avverte che il viaggio sta per terminare, è l’ultimo, fulmineo, raggio di sole; prima dell’ultimo, faticoso, giro di carillon. Dopo aver ascoltato questo disco il sentimento che ci pervade è quello di una dolce tristezza. Questi quattordici brani altro non sono che lo specchio della parte più nascosta di noi, di quella parte che facciamo fatica a tirar fuori, un po’ per pudore, un po’ per gelosia.

Prima di lasciarvi vorrei ricordarvi i nostri appuntamenti:

Martedì e venerdì dalle 9 alle 11 "Beyond the Horizon"

Mercoledì dalle 19.30 alle 21.00 "Work in Regress" trasmissione interamente dedicata ai vinili...

Tute le volte che avrete voglia di ascoltare della buona musica, noi siamo pronte a tenervi compagnia!!! Potete ascoltarci su http://www.radiogas.it/!!!

Ciao a tutti e alla prossima...sperando che non sia troppo distante...

Chiara

...Paturnie...

2007-11-03T19:24:00.000-07:00

..."Ma non è per questo che vado pazza per Tiffany. Sapete quei giorni, quando vi prendono le paturnie?

Cioè, la melanconia?

No, - disse lentamente. - la melanconia viene perchè si diventa grassi, o perchè piove da troppo tempo.Si è tristi, ecco tutto. Ma le paturnie sono orribili. Si ha paura, si suda maledettamente, ma non si sa di che cosa si ha paura. Si sa che sta per capitarci qualcosa di brutto, ma non si sa che cosa. Avete mai provato qualcosa di simile? [...] Mi sono accorta che per sentirmi meglio mi basta prendere un taxi e farmi portare da Tiffany. E' una cosa che mi calma subito, quel silenzio e quell'aria superba: non ci può capitare niente di brutto là dentro, non con quei cortesi signori vestiti così bene, con quel simpatico odore d'argento e di portafogli di coccodrillo. Se riuscissi a trovare un posto vero e concreto dove abitare che mi desse le medesime sensazioni di Tiffany, allora comprerei un po' di mobili e darei un nome al gatto."

Sono le tre e mezza del mattino, se non sono paturnie poco ci manca...

Vorrei suonare, perchè, quando mi assalgono certe paure trovo il mio rifugio nella chitarra, proprio come Holly ritrova i suoi battiti naturali da Tiffany. Niente da fare, non è il caso di strimpellare nel cuore della notte, a un passo dal mattino.

Solitamente quando le "paturnie" si impossessano di me o imbraccio la chitarra o leggo, non potendo adottare la prima soluzione, sono passata alla "fase B", ma anche quella è terminata, visto che ho appena finito di leggere "colazione da Tiffany" (forse qualcuno l'aveva intuito...)! Di dormire non se ne parla, così come è assolutamente fuori discussione cominciare un altro libro, perchè voglio finire di riflettere su quello che ho appena terminato. Tolte tutte queste opzioni, per alleviare questo peso che ho sull'anima non mi resta che scrivere qualcosa (si spera sensata) su questo blog.

Bene, di aggiornamenti ce ne sarebbero molti, quindi, nella speranza di non dimenticarmene nessuno, inizio a darvi le news!!!

Francesca ed io abbiamo cominciato la scorsa settimana una nuova trasmissione dal titolo (e perdonatemi la poca modestia) che è una vera e propria perla di genialità...WORK IN REGRESS!!!!! Sono troppo felice ed orgogliosa per questo titolo. Così come siamo state contente del fatto che la nuova trasmissione sia piaciuta (almeno a chi era all'ascolto)!!! Vi riassumo brevemente Work in regress. Si tratta di una trasmissione dove vengono passati soltanto vinili, quindi, nessun Mp3 ma solo un piatto che gira con sopra un vinile che a sua volta dovrebbe girare ma che...sono più le volte che salta o s'incanta!!! Ehehehe...però mi piace troppo!

Ah, dimenticavo la cosa più importante, Work in regress è un appuntamento fisso: tutti i mercoledì dalle 19.30 alle 21.00...trasmettere di sera è tutta un'altra storia, è una magia!

Per questa trasmissione abbiamo creato uno spazio apposta su myspace (in questo caso è ancora work in PROgress... ;P ) ed il link è il seguente:

www.myspace.com/workinregress

Quindi, facendo un piccolissimo riassunto:

martedì, dalle 9.00 alle 11.00 "Beyond the Horizon"

mercoledì, dalle 19.30 alle 21.00 "Work in Regress" (only long playing)

venerdì, dalle 9.00 alle 11.00 "Beyond the Horizon" (puntata a tema)

Ok, se continuiamo così ci daranno un posto-letto in radio...

So...le ultime due puntate del venerdì sono state dedicate, rispettivamente, alle "carriere soliste" e alle "donne". Per adesso non vi metto le scalette perchè credo di averle perse da qualche parte...

Sempre per combattere le paturnie ho creato delle slide composte da copertine di album che, per motivi diversi mi hanno affascinata.

Credo che aggiornerò l'Ipod perchè ho troppe belle canzoni da farvi ascoltare...

Adesso ho perso gli altri aggiornamenti quindi, per quanto riguarda la radio mi fermo qui.

..."Un'altra cosa, ho buttato via gli oroscopi. Devo aver speso un dollaro per ogni maledetta stella del maledetto planetario. E' una seccatura, ma rispondono sempre che le cose buone ti capitano solo se sei buona. Buono? Questo è già più vicino a quel che intendevo io. Non un'onestà di tipo legale - io non ci penserei due volte a profanare una tomba e a rubare gli occhi a un morto se pensassi che può contribuire al mio divertimento quotidiano - ma un'onestà nei confronti di se stessi. Sii quello che vuoi ma non un vigliacco, un fanfarone, un ladro di emozioni, una sgualdrina; preferirei avere il cancro piuttosto che un cuore disonesto. Il che non significa essere pii. Semplicemente pratici. Il cancro può stenderti, ma quell'altra cosa stende di sicuro. Oh, ma al diavolo...dammi la chitarra, bello, e ti canterò un fado nel più perfetto portoghese."

"Colazione da Tiffany"

Buonanotte...

Chiara

DOPO TRE MESI DI ASSENZA...ECCO UN "PICCOLO" AGGIORNAMENTO!!!

2007-10-20T13:40:00.000-07:00

Ciao a tutti!!!! Credo che siano passati più o meno tre mesi dall’ultima volta che ho aggiornato il blog...Lo sò, mi vergogno di me stessa, il problema è che non sò bene come continuarne l’aggiornamento. Mi spiego meglio, la nostra trasmissione “Beyond the Horizon” ha raddoppiato il suo appuntamento, non trasmettiamo più solo il venerdì mattina ma anche il martedì (sempre dalle 9.00 alle 11.00), però il venerdì resta il giorno della “puntata a tema” mentre invece il martedì si va a “briglia sciolta”! Comunque, oltre ai problemi logistici ci sono anche problemi di tempo, non credo di avere il tempo materiale per aggiornare costantemente il blog, vabè, vedremo cosa verrà fuori! Ho troppe idee su come organizzare questo blog, vedremo cosa sceglierò di fare. Tornando alla musica, cercherò di aggirnarvi brevemente. Gli ultimi due temi che abbiamo affrontatato sono stati: la connessione tra musica e droghe e un anno particolare, il 1984, anno abbastanza bello per quanto riguarda la musica ma soprattutto, anno in cui sono nate la sottoscritta e la sua “metà radiofonica”. Comunque non mi dilungherò a spiegare questi due argomenti, inserirò due-tre canzoni nell’iPod per ognuna delle due puntate. A proposito di Ipod, anche in questo caso devo dire che non sò come deciderò di organizzarlo, appena mi si chiariranno le idee ve lo farò sapere. Per adesso inserirò dei brani che ultimamente ho ascoltato e che mi sono piaciuti moltissimo, ognuno meriterebbe un discorso a sé però mi rendo conto che rischierei di fare un post chilometrico quindi, mi basta dirvi che ci sono gruppi che meritano un approfondimento notevole come ad esempio i The National e i Porcupine Tree! Per quanto riguarda gruppi come Poets of the Falls, The New Pornographeres, The Saw Doctors non posso pronunciarmi adesso perchè conosco solo pochissime canzoni, ma quelle che ho inserito nell’Ipod, secondo me, sono molto belle. Poi ci sono anche i “mostri sacri” (ognuno nel proprio genere) come Peter Gabriel, Dream Theater, Judas Priest. Ho aggiunto anche un pezzo dei Sonic Youth, per due motivi, il primo è perché mi piacciono ed ho intenzione di approfondirli ed il secondo è perchè in questa canzone trovo la voce del cantante estremamente bella. Avevo detto che avrei inserito anche qualche brano per ogni puntata a tema, quindi, per quanto riguarda il 1984, resto nel metal mettendo i Metallica e gli Iron Maiden, mentre invece, per la seconda puntata (droga/musica) non potevo non tornare indietro fino agli ani ’60, con il gruppo più rappresentativo di quello che veniva chiamato “acid rock” (dal nome si capisce tutto…), vale a dire i Grateful Dead. Altro gruppo di punta della cosiddetta “controcultura hippie” erano i Jefferson Airplane. Poi è il turno di un grande equivoco, “Lucy in the Sky with Diamonds” che all’epoca venne etichettata come canzone che “inneggiava” all’uso di sostanze stupefacenti vista la sua allusione all’LSD [il titolo della canzone sarebbe stato inteso come acronimo di L(ucy)S(ky)D(iamonds)]. Ed infine non potevano mancare i miei Floyd con Astronomy Domine che altro non è (per farvela breve) che il “resoconto” della prima esperienza lisergica di Syd Barrett. Ok, ho scritto troppo però non posso non dire un’ultima cosa. Marooned perde il suo primato nel’Ipod, non so se lo riconquisterà perché, come vi ho detto, sto ancora pensando a come gestire il tutto. Fatto sta che, a dimostrazione di quanto io abbia subito diverse influenze musicali in questi mesi, dal metal, alla new-wave, al folk americano e a tutti gli altri sottogeneri del tipo gothic-synth-dark-cold-broken-dub e non fatemi andare avanti altrimenti finisco per arrabbiarmi (dio le etichette! Cioè, avere dei punti di riferimento mi sembra più che giusto, ma che con ogni gruppo che nasce venga creata una nuova etichetta, sinceramente, non lo posso tollerare, ergo, fino a quando potrò, farò un’unica distinzione: buona musica\cattiva musica). Tornando a noi, il primo brano che troverete nell’Ipod s’intitola “Eternity: Memory Of Lightwaves”, brano tratto dalla colonna sonora di Final Fantasy (se non mi sbaglio FF X-2). La maggior parte dei brani musicali di questo videogioco è stata composta dal compositore giapponese Nobuo Uematsu. Fino a un po’ di tempo fa non conoscevo né Final Fantasy, né Uematsu, però, devo essere sincera, dopo aver ascoltato un po’ di brani della colonna sonora, mi sono dovuta ricredere e ho cominciato a rivalutare i compositori di musica per videogiochi (almeno quelli di FF!!). Chi conosce Ludovico Einaudi sentirà una somiglianza sorprendente (e io aggiungerei imbarazzante!!) tra questo pezzo di Final Fantasy e il brano “Le onde” di Einaudi. Cosa dire, le mie conoscenze musicali sono arrivate fino alle colonne sonore per videogiochi. Comunque, se la Francesca è d’accordo, molto probabilmente dedicheremo una puntata alla musica di Final Fantasy, così potrò ringraziare come merita chi mi ha fatto conoscere questo genere di musica. E pensare che il creatore di questo videogioco lo chiamò Final Fantasy (ultima fantasia) perché, se il progetto non fosse andato a buon fine, quella sarebbe stata la sua ultima fantasia. Strano che è il destino… Ok, adesso vi lascio alla scaletta delle ultime due puntata e dei brani presenti nell’Ipod, ho cercato di sintetizzare ma non ce l’ho fatta (non del tutto), d’altronde erano mesi che non scrivevo e un minimo di aggiornamento andava fatto. Buon ascolto, ci sentiamo quando avrò chiaro come procedere con il blog!!! Se volete, potete ascoltarci, come sempre su Radiogas: “Beyond the Horizon” martedì e venerdì dalle 9.00 alle 11.00.

SCALETTA BRANI Ipod

Final Fantasy Soundtracks - Eternity: The Memory of the Lightwaves
The National - Green Gloves
Porcupine Tree - Lazarus
Dream Theater - The Spirit Carries on
Peter Gabriel - Downside-Up
Sonic Youth - Superstar
Radiohead - Creep
Judas Priest - Angel
Poets of the Fall - Carnival of Rust
The New Pornographers - Challengers
The Saw Doctors - Share the Darkness

SCALETTA PUNTATA "MUSICA/DROGA"

Tool: Schism
Jefferson Airplane: Somebody to love (*)
Grateful Dead: Truckin'
Eric Clapton: Cocaine
Jimmy Hendrix: Hey Joe
Doors: Light my Fire
Beatles: Lucy in the Sky with Diamonds (*)
Pink Floyd: Astronomy Domine (*)

SCALETTA PUNTATA "1984"

Van Halen: Jump
Judas Priest: Rock Hard, Ride Free
David Gilmour: Out of the Blue
Steve Vai: Junkie
U2: Pride
Mauro Pagani: Sidun
Iron Maiden: Powerslave (*)
Metallica: Fade to Black (*)

(*) questi brani li potete ascoltare nell'Ipod!

Alla prossima!!!

Ciao

Chiara

SI PARTE PER LE VACANZE, MA APPENA TORNO...

2007-07-28T05:11:00.000-07:00

Ciao a tutti!!! Mi rendo conto di aver superato ogni limite non aggiornando il blog per più di un mese...Sorry, sorry, sorry! Tra pochissimi minuti parto e starò via per una settimana, destinazione Ibiza, spero di tornare indenne e di superare la "fobia del volo". Appena tornerò vi aggiornerò su tutto, progetti, anticipazioni sulle puntate di "Beyond the Horizon" che riprenderà a settembre (però non perdetevi il "the best" della settimana prossima dove la Francy vi farà ascoltare il meglio delle nostre puntate!!!) e vi farò anche un sunto delle ultime quattro o cinque puntate che non ho postato! Insomma, cercherò di recuperare il tempo perso!!! Per adesso vi auguro di passare delle splendide vacanze!!! Ci sentiamo presto! P.S.: Vorrei ringraziare di cuore tutte le persone che ci hanno seguito in questa avventura di "Beyond the Horizon"!!! Ci avete ascoltato, supportato ma, soprattutto, sopportato (il che non è poco....), speriamo di essere state un buona compagnia proprio come voi lo siete stati per noi...! GRAZIE!!! Ciao Chiara

QUATTORDICESIMA PUNTATA RADIOGAS 22/06/2007 "VIDEO"

2007-06-22T14:29:00.000-07:00

Come avrete capito nella puntata di venerdì abbiamo parlato di video! Questa volta sarò estremamente sintetica limitandomi a dirvi, semplicemente: BUONA VISIONE!

VIDEO

MIKE OLDFIELD "LETE THERE BE LIGHT"
PETER GABRIEL feat SINEAD O'CONNOR "BLOOD OF EDEN
PINK FLOYD "HIGH HOPES"
COLDPLAY "THE SCIENTIST"
NINE INCH NAILS "HURT"
F. DE ANDRE' "LA DOMENICA DELLE SALME"
HOUSEMARTINS "CARAVAN OF LOVE"

Come forse qualcuno avrà intuito, la scelta dei video sì è basata (come ormai è nostra consuetudine) sul semplice gusto personale. Non abbiamo voluto, assolutamente, fare la storia dei video, anche perchè sarebbe stato sì bello, ma anche scontato. Naturalmente i video che abbiamo scelto sono solo una piccolissima parte di quello che avremmo potuto mettere, d'altronde il tempo non è infinito, quindi, probabilmente dovremmo dedicare un'altra puntata ai videoclip... :-P Nella prossima puntata avremmo come ospite un fan dei Pink Floyd (Gilmouriano come me), però non parleremo dei Floyd, o per lo meno, non solo di loro, ma bensì di PORGRESSIVE!!! Se l'argomento vi affascina, vi invito a farci compagnia: venerdì 29 giugno dalle 9.00 alle 11.00 a "Beyond the Horizon" in compagnia mia, di Francesca e...special guest: GASPARE, alias FAKEWATERS!!! Per suggerimenti, consigli e tutto quello che vi passa per la testa... http://radiogas.forumfree.net/?t=15841944

A VENERDI'!!! CIAO

CHIARA

TREDICESIMA PUNTATA RADIOGAS 15/06/2007 "MUSICA E LETTERATURA"

2007-06-19T14:22:00.000-07:00

Ciao a tutti, mi rendo conto che il ritardo che ho accumulato nell'aggiornare il blog sia veramente imbarazzante e di questo mi scuso! Comunque, finalmente ho due secondi e posso aggiornare il blog in santa pace. La puntata di venerdì scorso è stata particolarmente appassionante, si è parlato del rapporto (molto stretto) che c'è tra la musica e la letteratura. Non chiedetemi perchè ho messo quest'immagine come introduzione al post perchè le motivazioni (del tutto soggettive) sarebbero lunghe da spiegare, però un piccolissimo nesso con la puntata di venerdì c'è: questo dipinto di Magritte ("Il castello dei Pirenei") è ispirato ad un racconto di Edgar Allan Poe. Bene, mi sto chiedendo come fare a riassumere in poche righe tutto quello che avrei da dire sul rapporto musica/letteratura...è un pò impossibile sintetizzare (soprattutto per me...!). Posso comunque dire che la musica può rifarsi esplicitamente o implicitamente alla letteratura, questo perchè il bagaglio letterario che ognuno di noi (...musicisti compresi) si porta dietro, influisce nelle attività che facciamo, tanto più se queste attività hanno un'inclinazione artistica. Quindi, per quanto riguarda una canzone, il riferimento ad un libro o ad una poesia può essere palese (vedi gli Iron Maiden con "The evil that man do", frase ripresa pari pari da una citazione di Shakespeare) oppure più "nascosto". In questo caso è la nostra conoscenza/esperienza che ci permette di accostare una canzone ad un libro. Naturalmente le interpretazioni sono soggettive; per quanto mi riguarda, per esempio, io ritrovo in molti arrangiamente musicali di Ivano Fossati delle atmosfere "alla Marquez" (l'autore di "Cent'anni di solitudine" e "L'amore ai tempi del colera"). Naturalmente le "influenze implicite" mi appassionano molto di più, perchè mi permettono di viaggiare maggiormente con la fantasia e di crearmi dei "mondi" unici, proprio perchè soggettivi, quindi, in quanto tali, irripetibili. Adesso chiudo perchè il discorso sarebbe troppo lungo... Andiamo con la scaletta!!!

..."THE SWEET SMELL OF A GREAT SORROW LIES OVER THE LAND"...

MAURO PAGANI: QUANTAS SABEDES (CREUZA DE MA)
DOORS: ALABAMA SONG (THE DOORS)
CHARLIE PARKER: TAKE FIVE
MODENA CITY RAMBLERS: MACONDO EXPRESS (TERRA E LIBERTA')
IVANO FOSSATI: LA PIANTA DEL TE' (DAL VIVO VOL.1 BUONTEMPO)
IRON MAIDEN: THE EVIL THAT MAN DO (SEVENTH SON OF A SEVENTH SON)
F. DE ANDRE': SMISURATA PREGHIERA (ANIME SALVE)
PINK FLOYD: SORROW (A MOMENTARY LAPSE OF REASON)

Spero che la puntata vi sia piaciuta...Comunque il venerdì dalle 9 alle 11 ci troverete sempre lì, a "Beyond the Horizon" (questo titolo sta diventando sempre più un luogo ideale...)!

Nella prossima puntata si parlerà di video, chiunque abbia voglia di darci dei suggerimenti (http://radiogas.forumfree.net/?t=15841944)...noi saremo sempre lì, pronte a prendere appunti!!! :-P

(Per ascoltare le canzoni che ho passato venerdì...iPod!!!)

Alla prossima!

Chiara

Ciao

DODICESIMA PUNTATA RADIOGAS 08/06/2007 "OCCHI AZZURRI"

2007-06-10T09:39:00.000-07:00

BEN RITROVATI!!! QUESTA IMMAGINE POTREBBE MANDARVI FUORI PISTA, NELLA SCORSA PUNTATA NON ABBIAMO PARLATO DI BELLEZZA MA DI OCCHI AZZURRI!!! ;-P OVVIMENTE NON POTEVO NON METTERCI LO ZIO (DAVID GILMOUR PER I NUOVI ARRIVATI...), GLI OCCHI (E IL VOLTO) PIU' ESPRESSIVI CHE IO ABBIA MAI VISTO!!! COMUNQUE, EVITANDO ULTERIORI ELOGI, LA PUNTATA SUGLI OCCHI AZZURRI MI TROVA PRIVA DI ANEDDOTI, CERTO, POTREI PARLARE DI GILMOUR PERO' NON SONO IN VENA, COSI' COME NON ERO AL TOP DURANTE LA PUNTATA! QUINDI, NON MI DILUNGHERO' PIU' DI TANTO, ANCHE PERCHE' ORMAI SI E' CAPITO CHE GLI OCCHI CHE SFUMANO DALL'AZZURRO AL VERDE, PASSANDO PER IL GRIGIO MI INCANTANO! PER QUESTA VOLTA MI FERMO QUI! AGGIUNGO SOLO UNA COSINA CHE RIGUARDA LA SCELTA DELLE CANZONI. PER QUANTO RIGUARDA I BRANI, TUTTI I PEZZI, AD ECCEZIONE DI UNO (BEHIND BLU EYES) APPATENGONO AD ARTISTI CHE (OBVIOUSLY) HANNO GLI OCCHI CHIARI (AZZURRI, MA ANCHE VERDI...)!

VISTA LA MANCANZA D'ISPIRAZIONE, ANDIAMO CON LA SCALETTA...

..."NO ONE KNOWS WHAT IT'S LIKE, TO BE THE BAD MAN, TO BE THE SAD MAN; BEHIND BLU EYES. AND NO ONE KNOWS WHAT IT'S LIKE TO BE HATED, TO BE FATED TO TELLING ONLY LIES"...

SINEAD O'CONNOR: NOTHING COMPARES 2 U (THE VERY BEST OF...)
MARK KNOPFLER feat VAN MORRISON: THE LAST LAUGH (SAILING TO PHILADELPHIA)
COLDPLAY: YELLOW (PARACHUTES)
R.E.M. : MAN ON THE MOON (AUTOMATIC FOR THE PEOPLE)
FAIRPORT CONVENTION: WALK AWHILE (FULL HOUSE)
CRAMBERRIES: DREAMS (STARS - THE BEST OF 19992 - 2002)
THE WHO: BEHIND BLU EYES (WHO'S NEXT)
ROLLING STONES: SHE'S A RAINBOW (THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST)
PINK FLOYD: GOODBYE BLU SKY (THE WALL LIVE)
WOLFMOTHER: MINDS EYE (WOLFMOTHER)

VI RICORDO CHE QUESTI BRANI POTETE ASCOLTARLI SULL'iPOD!

LA PROSSIMA PUNTATA SARA' IMPEGNATIVA (ALMENO NELLA TEORIA) VISTO CHE PARLEREMO DELLE INFLUENZE CHE LA LETTERATURA HA AVUTO SULLA MUSICA ROCK! SPERIAMO DI RIUSCIRE A METTERE SU UNA PUNTATA INTERESSANTE...OVVIAMENTE IL NOSTRO INVITO E' SEMPRE VALIDO: SE AVETE QUALCHE SPUNTO, SUGGERIMENTO O ALTRO PER LA PROSSIMA PUNTATA, FATEVI SENTIRE (SCRIVETECI QUI: http://radiogas.forumfree.net/?t=15841944)

A PRESTO

CHIARA

UNDICESIMA PUNTATA RADIOGAS 01/06/2007 "FAVOLE"

2007-06-03T07:26:00.001-07:00

ECCOMI DI NUOVO!!! SCUSATE IL RITARDO MA LA PIGRIZIA PARE CHE ABBIA AVUTO IL SOPRAVVENTO...

ALLORA, VENERDI' A "BEYOND THE HORIZON" ABBIAMO PARLATO DI FAVOLE, CHI HA SEGUITO ALMENO DUE DELLE NOSTRE ULTIME PUNTATE SAPRA' BENISSIMO CHE IL TEMA CHE SCEGLIAMO ALTRO NON E' CHE UN PRETESTO PER CERCARE NEGLI ANGOLI PIU' NASCOSTI E DIMETICATI DELLA NOSTRA MEMORIA UN RICORDO CHE PORTA CON SE UNA LACRIMA, UN SORRISO O FORSE, IL PIU' DELLE VOLTE, UN VELO DI MALINCONIA. PARLANDO DI FAVOLE NON SI PUO' NON TORNARE INDIETRO ALLA NOSTRA INFANZIA...IO HO EVITATO MOLTI RICORDI ANCHE PERCHE' SENNO' LA PUNTATA SAREBBE ANDATA AVANTI PER GIORNI E GIORNI, PERO' NON HO POTUTO FARE A MENO DI RACCONTARE UN ANEDDOTO CHE GRAN PARTE DEI MIEI AMICI CONOSCONO...

QUANDO ERO PICCOLA PASSAVO LE MIE ESTATI DAI NONNI IN ABRUZZO, MOLTE VOLTE MI CAPITAVA DI VEDERE UN MIO ZIO (DIPENDENTE COMUNALE "TUTTO-FARE") ARRIVARE IN CIMA ALLA STRADA, POSARE PER TERRA UN SECCHIO PIENO DI COLLA E CON UN PENNELLO, RICOPRIRE DI COLLA UNA PARTE DEL MURO PER POI ATTACCARCI MANIFESTI DI VARIO GENERE.

QUESTO GESTO (QUASI QUOTIDIANO) DOVEVA ESSERMI ENTRATO TALMENTE TANTO NELLA TESTA DA ARRIVARE A SUBLIMARLO; QUASI A VOLERGLI DARE UN RESPIRO PIU' AMPIO, INSOMMA, IN PRATICA, TRASFORMAI MIO ZIO IN UN "EROE ROMANTICO". CERCHERO' DI SINTETIZZARE AL MASSIMO: MI ERO CONVINTA CHE MIO ZIO FOSSE IL "PITTORE DEL CIELO". PENSAVO CHE OGNI MATTINA, PRIMA DELL'ALBA, QUESTO OMETTO NON MOLTO ALTO, ARRIVASSE CON UNA SCALA ALTISSIMA "ARMATO" DI SECCHIO (QUESTA VOLTA CON DELLA TINTURA AZZURRA) E PENNELLO PER DIPINGERE IL GIORNO...ERO TALMENTE SICURA DI QUESTA COSA CHE MI ERO MESSA IN TESTA DI VOLERLO VEDERE (E SALUTARE), QUINDI UNA MATTINA MI ALZAI PRESTISSIMO, MI MISI A SEDERE VICINO ALLA FINESTRA E ASPETTAI! NELL'ATTESA, PERO', IL SONNO EBBE IL SOPRAVVENTO, MI SVEGLIAI CHE ERA GIA' GIORNO! NON RIPROVAI PIU' L'ESPERIMENTO, DECISI CHE QUELLA CONVINZIONE SAREBBE RIMASTA TALE INDIPENDENTEMENTE DAL RISCONTRO REALE! LA REALTA' OVVIAMENTE ERA UN'ALTRA, PERO' SONO SEMPRE RIMASTA AFFASCINATA DA QUESTO PERCORSO CHE ANCORA OGGI TENDO A FARE; VALE A DIRE: IL VOLER (INVOLONTARIAMENTE) TRASLARE LA VERITA', LA REALTA'; IN QUALCOS'ALTRO, IN QUALCOSA "DI ALTRO". IL MOTIVO NON SAPREI SPIEGARVELO (QUI SI ENTRA NEL CAMPO DELLA PSICOLOGIA), PERO' QUESTO ATTEGGIAMENTO MI PIACE, E MI SONO RESA CONTO CHE I BAMBINI NE FANNO UN USO ECCEZIONALE, E COME LORO, GLI ARTISTI!

VABE' ADESSO MI FERMO, ALTRIMENTI COMINCIO CON LE MIE DIVAGAZIONI.

TORNANDO A VENERDI', PER QUANTO MI RIGUARDA, IO HO VIAGGIATO PER LO PIU' SU DUE BINARI: PROGRESSIVE E FOLK IRLANDESE. DUE SCELTE PROBABILMENTE OVVIE VISTO CHE IL PROGRESSIVE E' IL GENERE "FIABESCO" PER ECCELLENZA, MENTRE DALL'ALTRA PARTE, L'IRLANDA E' DA SEMPRE SINONIMO DI FAVOLA, MITI, LEGGENDE, ELFI ETC ETC ETC. I PERCORSI CHE POTEVAMO SCEGLIERE ERANO INFINITI, QUINDI PRIMA O POI DOVREMMO DEDICARE UNA NUOVA PUNTATA ALLE FAVOLE!!!

ANDIAMO CON LA SCALETA...

..."SALVATE LE SUE LABBRA, SALVATE IL SUO SORRISO, NON HA VENT'ANNI ANCORA. CADRA' L'INVERNO ANCHE SOPRA IL SUO VISO, POTRETE IMPICCARLO ALLORA."...

THE CHIEFTAINS: JACK OF ALL TRADE (WATER FROM THE WELL)
LE ORME: FELONA (FELONA E SORONA)
MOODY BLUES: HOUSE OF FOUR DOORS (IN SEARCH OF THE LOST CHORD)
MODENA CITY RAMBLERS: FAREWELL TO ERIN (COMBAT FOLK)
JETHRO TULL: BUNGLE TO THE JUNGLE (WAR CHILD)
P. F. M. : LA CARROZZA DI HANS (STORIA DI UN MINUTO)
BEATLES: LUCY IN THE SKY WITH DIAMOND (SPLHCB)
F. DE ANDRE': GEORDIE (PRESA DA: "DE ANDRE' IN CONCERTO")
POGUES: FAIRYTALE OF NEW YORK (IF I SHOULD FALL FROM GRACE WITH GOD)
PINK FLOYD: THE GNOME (THE PIPER AT THE GATES OF A DAWN)

COME SEMPRE NON SONO RIUSCITA A METTERE UNA MAREA DI CANZONI AD ESEMPIO I LED ZEPPELIN CON STARWAY TO HEAVEN, I FAIRPORT CONVENTION ETC ETC ETC...SARA' PER LA PROSSIMA!

VENERDI' PROSSIMO SI PARLERA' DI "OCCHI AZZURRI", IO NON ASPETTAVO ALTRO...CERCHERO' DI NON MANDARE TUTTE CANZONI DELLO ZIO! :-P

SE QUALCHE CANZONE VI HA INCURIOSITO POTETE ASCOLTARLA (O RI-ASCOLTARLA) ATTRAVERSO L'IPOD! HO CREATO ANCHE UNA CLASSIFICA DELLE CANZONI CHE SECONDO ME NON POSSONO NON ESEERE ASCOLTATE, COMUNQUE, A VOI LA SCELTA! FATE COME MEGLIO CREDETE!!!

A VENERDI', SEMPRE DALLE 9.00 ALLE 11.00 SEMPRE IN COMPAGNIA MIA E DELLA FRANCY E SEMPRE, OBVIOUSLY, SU RADIOGAS!!!

A PRESTO

CHIARA

DECIMA PUNTATA RADIOGAS 25/05/2007 "AMORE"

2007-05-26T18:40:00.000-07:00

ED ECCOMI DI NUOVO QUA!

QUESTA VOLTA HO LA VAGA SENSAZIONE CHE RIUSCIRO' AD UNIRE UN NUMERO NOTEVOLE DI ARTI: PITTURA (NELL'IMMAGINE TROVIAMO "AMORE E PSICHE" DI CANOVA), LETTERATURA E, OVVIAMENTE MUSICA!

NELLA PUNTATA DI VENERDI' ABBIAMO PARLATO DI AMORE, ARGOMENTO FORSE TROPPO ABUSATO E DI CONSEGUENZA RESO QUASI BANALE. NON SI FINIRA' MAI DI FILOSOFEGGIARE SUL SENTIMENTO CHE E' DA SEMPRE IL POLMONE DEL NOSTRO CUORE! OVVIAMENTE L'AMORE IN SENSO ASSOLUTO E' IL MOTORE CHE MUOVE LA VITA DI OGNI ESSERE VIVENTE, PER QUESTO MOTIVO, DURANTE LA PUNTATA, HO PASSATO CANZONI CHE RACCONTANO DI STORIE D'AMORE, DELL'AMORE DI UN PADRE VERSO IL PROPRIO FIGLIO (ALL MY LOVE), DELL'AMORE VERSO IL PROSSIMO E VERSO I PROPRI IDEALI (PRIDE).

ADESSO PERO' MI PIACEREBBE RIPORTARVI UN PASSAGGIO DI UN LIBRO (QUALCUNO POTRA' SCOCCIARSI VISTO CHE E' GIA' LA SECONDA VOLTA CHE LO CHIAMO IN CAUSA) DI KUNDERA. MI RENDO CONTO CHE TENDO SEMPRE A LASCIARE AD ALTRI LA SPIEGAZIONE DEI MIEI SENTIMENTI, SE DOVESSI SPIEGARVI PERCHE', BEH, NON VE LO SAPREI DIRE. IN QUESTO ESTRATTO MUSICA ED AMORE SEMBRANO FONDERSI IN UN'UNICA ESSENZA, IO L'HO TROVATO SPLENDIDO E VISTO CHE ULTIMAMENTE MI VIENE SPESSO RIMPROVERATO DI NON PARLARE MAI DI ME...BEH, IN QUESTO PASSAGGIO C'E' MOLTO DI ME, O PER LO MENO, MOLTO PIU' DI QUANTO UN OCCHIO DISATTENTO POTREBBE TROVARCI!

..."LA NOSTRA VITA QUOTIDIANA E' BOMBARDATA DA COINCIDENZE O, PER MEGLIO DIRE, DA INCONTRI FORTUITI TRA LE PERSONE E GLI AVVENIMENTI CHIAMATI COINCIDENZE. UNA CO-INCIDENZA SIGNIFICA CHE DUE AVVENIMENTI INATTESI AVVENGONO CONTEMPORANEAMENTE, SI INCONTRANO: TOMAS COMPARE NEL RISTORANTE PROPRIO MENTRE LA RADIO SUONA BEETHOVEN. LA STRAGRANDE MAGGIORANZA DI QUESTE COINCIDENZE PASSA DEL TUTTO INOSSERVATA. SE AL TAVOLO DEL RISTORANTE AL POSTO DI TOMAS SI FOSSE SEDUTO IL MACELLAIO DELL'ANGOLO, TEREZA NON AVREBBE NOTATO CHE LA RADIO SUONAVA BEETHOVEN (SEBBENE ANCHE L'INCONTRO DI BEETHOVEN E DI UN MACELLAIO SIA UNA COINCIDENZA UGUALMENTE DEGNA DI INTERESSE). L'AMORE NASCENTE HA ACCESO IN LEI IL SENSO DELLA BELLEZZA, E QUELLA MUSICA LEI NON LA DIMENTICHERA' PIU'. OGNI VOLTA CHE LA SENTIRA' SARA' COMMOSSA. TUTTO CIO' CHE ACCADRA' INTORNO A LEI IN QUELL'ISTANTE, APPARIRA' NELL'ALONE DI QUELLA MUSICA E SARA' BELLO. ALL'INIZIO DEL ROMANZO CHE TEREZATENEVA SOTTO IL BRACCIO QUANDO ERA ARRIVATA DA TOMAS, ANNA INCONTRA VRONSKIJ IN STRANE CIRCOSTANZE. SONO SUL MARCIAPIEDE DI UNA STAZIONE DOVE POCO PRIMA QUALCUNO E' FINITO SOTTO UN TRENO. ALLA FINE DEL ROMANZO SARA' ANNA A GETARSI SOTTO IL TRENO. QUESTA COMPOSIZIONE SIMMETRICA, NELLA QUALE UN IDENTICO MOTIVO APPARE ALL'INIZIO E ALLA FINE, PUO' SEMBRARVI MOLTO "ROMANZESCA". SI', SONO D'ACCORDO, MA A CONDIZIONE CHE LA PAROLA "ROMANZESCA"NON LA INTENDIATE COME "INVENTATA", "ARTIFICIALE", "DIVERSA DALLA VITA". PERCHE' PROPRIO IN QUESTO MODO SONO COSTRUITE LE VITE UMANE.

SONO COSTRUITE COME UNA COMPOSIZIONE MUSICALE. L'UOMO, SPINTO DAL SENSO DeLLA BELLEZZA, TRASFORMA UN AVVENIMENTO CASUALE (LA MUSICA DI BEETHOVEN, UNA MORTE ALLA STAZIONE) IN UN MOTIVO CHE VA POI A ISCRIVERSI NELLA COMPOSIZIONE DELLA SUA VITA. AD ESSO RITORNA, LO RIPETE, LO SVILUPPA, LO TRASPONE, COME FA IL COMPOSITORECON I TEMI DELLA SUA SONATA. ANNA AVREBBE POTUTO TOGLIERSI LA VITA IN MANIERA DIVERSA. MA IL MOTIVO DELLA STAZIONE E DELLA MORTE, QUEL MOTIVO INDIMENTICABILE LEGATO ALLA NASCITA DELL'AMORE, NEL MOMENTO DELLA DISPERAZIONE L'AVEVA ATTRATTA CON LA SUA CUPA BELLEZZA.

L'UOMO SENZA SAPERLO COMPONE LA PROPIRA VITA SECONDO LE LEGGI DELLA BELLEZZA PERSINO NEI MOMENTI DI PIU' PROFONDO SMARRIMENTO. NON SI PUO' QUINDI RIMPROVERARE AL ROMANZO DI ESSERE AFFASCINATO DAI MISTERIOSI INCONTRI DI COINCIDENZE (COME L'INCONTRO TRA VRONKIJ, ANNA, IL MARCIAPIEDE DELLA STAZIONE E LA MORTE, O L'INCONTRO TRA BEETHOVEN, TOMAS, TEREZA E IL COGNAC), MA SI PUO' A RAGIONE RIMPROVERARE ALL'UOMO DI ESSERE CIECO DAVANTI A SIMILI COINCIDENZE NELLA VITA DI OGNI GIORNO, E DI PRIVARE COSI' LA PROPRIA VITA DELLA SUA DIMENSIONE DI BELLEZZA"... [L'INSOSTENIBILE LEGGEREZZA DELL'ESSERE]

"NELLA VITA ESISTONO SOLO DUE DRAMMI. UNO E' NON OTTENERE CIO' CHE SI DESIDERA, L'ALTRO E' OTTENERLO"

OSCAR WILDE

VINICIO CAPOSSELA: OVUNQUE PROTEGGI (OVUNQUE PROTEGGI)
LOU REED: PERFECT DAY (TRANSFORMER)
LIGABUE: TI SENTO (GIRO D'ITALIA)
GUNS 'N ROSES: SWEET CHILD OF MINE (APPETITE FOR DESTRUCTION)
F. DE ANDRE': UN MALATO DI CUORE (NON AL DENARO NON ALL'AMORE NE' AL CIELO)
QUEEN: TOO MUCH LOVE WILL KILL YOU (THE PLATINUM COLLECTION)
U2: PRIDE (THE UNFORGETTABLE FIRE)
LED ZEPPELIN: ALL MY LOVE (IN THROUGH THE OUT DOOR)
PINK FLOYD: COMING BACK TO LIFE (THE DIVISION BELL)

OK, MI SONO DILUNGATA TANTISSIMO, QUINDI, NON MI RESTA CHE DARVI APPUNTAMENTO A VENERDI' PROSSIMO, QUANDO PARLEREMO (SEMPRE CHE NON CI SIANO VARIAZIONI) DI FAVOLE. NATURALMENTE, COME E' NOSTRA CONSUETUDINE SPAZIEREMO A 360°...ED IO MI LASCERO' ANDARE NEI MIEI SOLITI "VOLI PINDARICI"...!!!

VENERDI' 9.00 - 11.00 "BEYOND THE HORIZON" SU RADIOGAS!

CIAO

CHIARA

L'INSOSTENIBILE LEGGEREZZA DELL'ESSERE

2007-05-25T15:45:00.000-07:00

Ed eccomi qua in una veste che coglie di sorpresa me ancor prima di voi. Questa sera mi è presa così, sento troppo il bisogno di scrivere, anzi di copiare parte di un libro che sono andata a recuperare per rileggerlo una seconda volta. Libro meraviglioso che sto rileggendo per imprimermi nella mente ogni sua singola parte e perchè mi ha aiutata a "filosofeggiare"...Vabè il discorso sarebbe troppo lungo e con i Pogues nelle cuffie non riesco a concentrarmi alla perfezione! Spero di poter trasformare al più presto questo blog in una sorta di mini-sito, ne sento troppo il bisogno. Probabilmente ho molte più cose da dire di quanto io non pensassi... Adesso vi lascio a Milan Kundera. Non ho la presunzione di insegnare niente a nessuno [so troppe poche cose e poi non ho il carattere adatto :-) ]. Questo mio "intervento" va preso per quello che è: un bisogno impellente di buttare fuori un qualcosa che fatica ad uscire e che forse, in parte ci riesce, attraverso le parole di altri... ..."Se ogni secondo della nostra vita si ripete un numero infinito di volte, siamo inchiodati all'eternità come Gesù Cristo alla croce. E' un'idea terribile. Nel mondo dell'eterno ritorno, su ogni gesto grava il peso di una insostenibile responsabilità. Ecco perchè Nietzsche chiamava l'idea dell'eterno ritorno il fardello più pesante (das schwerste Gewicht). Se l'eterno ritorno è il fardello più pesante, allora le nostre vite su questo sfondo possono apparire in tutta la loro meravigliosa leggerezza. Ma davvero la pesantezza è terribile e la leggerezza meravigliosa? Il fardello più pesante ci opprime, ci piega, ci schiaccia al suolo. Ma nella poesia d'amore di tutti i tempi la donna desidera essere gravata dal fardello del corpo dell'uomo. Il fardello più pesante è quindi allo stesso tempo l'immagine del più intenso compimento vitale. Quanto più il fardello è pesante, tanto più la nostra vita è vicina alla terra, tanto più è reale e autentica. Al contrario, l'assenza assoluta di un fardello fa sì che l'uomo diventi più leggero dell'aria, prenda il volo verso l'alto, si allontani dalla terra, dall'essere terreno, diventi solo a metà reale e i suoi movimenti siano tanto liberi quanto privi di significato. Che cosa dobbiamo scegliere, allora? La pesantezza o la leggerezza? Questa domanda se l'era posta Parmenide nel sesto secolo avanti Cristo. Egli vedeva l'intero universo diviso in due coppie di opposizioni: luce-buoi, spesso-sottile, caldo-freddo, essere-non essere. Uno dei poli dell'opposizione era per lui positivo (la luce, il caldo, il sottile, l'essere), l'altro negativo. Questa suddivisione in un polo positivo e in uno negativo può apparirci di una semplicità puerile. Salvo in un caso: che cos'è positivo, la pesantezza o la leggerezza? Parmenide rispose: il leggero è positivo, il pesante è negativo. Aveva ragione oppure no? Questo è il problema. Una sola cosa è certa: l'opposizione pesante-leggero è la più misteriosa e la più ambigua tra tutte le opposizioni."

NONA PUNTATA RADIOGAS 18/05/12007 "SOGNI"

2007-05-19T13:45:00.000-07:00

EBBENE SI', SONO TORNATA!!! LA FRANCY STAVA GIA' ORGANIZZANDO IL COLPO DI STATO...EH EH EH!!! IERI ABBIAMO PARLATO DI SOGNI...BEH IO ULTIMAMENTE RISENTO MOLTO DEL CALO D'ISPIRAZIONE PERO', ALLA FINE, NON E' ANDATA POI COSI' MALE! VI CHIEDERETE PERCHE' QUESTA IMMAGINE (TRA L'ALTRO MI SCUSO MA NON NE HO TROVATE DI PIU' BELLE!!)! COME AVRETE NOTATO, LA RAGAZZA (NATIVA AMERICANA) HA TRA LE MANI UN DREAM CATCHER, UN ACCHIAPPASOGNI. BENE, QUALCHE SETTIMANA FA SONO ANDATA ALLA MOSTRA DELL'ARTIGIANATO A FIRENZE INSIEME AD UN' AMICA, AD UN CERTO PUNTO CI SIAMO IMBATTUTE IN UNO STAND DI DUE UOMINI INDIANI (INDIANI D'AMERICA! :-) ). APPESO AD UN FILO HO VISTO DONDOLARE UN FOGLIO CON SCRITTO LA STORIA DELL'ACCHIAPPASOGNI E...MI SONO INNAMORATA! L'HO TROVATA UNA STORIA SPLENDIDA, NON SO SE RIUSCIRO' A RIASSUMERVELA, IO TENDO SEMPRE A DILUNGARMI. E' LA STORIA DI UNA BAMBINA CHE RACCONTA ALLA MADRE CHE QUANDO ARRIVA LA NOTTE UN UCCELLO NERO SCENDE A NUTRIRSI DEL SUO CORPO E NON SE NE VA FINO A QUANDO NON ARRIVA LA MADRE. LA BAMBINA NON RIESCE A CAPIRE IL SENSO DI TUTTO QUESTO, LA MADRE PROVA A RASSICURARLA DICENDOLE CHE LE COSE CHE VEDEVA DI NOTTE SI CHIAMAVANO SOGNI E L'UCCELLO NERO, ALTRO NON ERA CHE UN' OMBRA CHE VENIVA A SALVARLA! MA LA MADRE NON SI FERMO' QUI. INVENTO' UNA RETE CIRCOLARE CAPACE DI AFFERRARE I SOGNI NELL'UNIVERSO DELLA NOTTE E DIEDE A QUESTO OGGETTO UN POTERE MAGICO: RICONOSCERE I SOGNI BUONI DA QUELLI CATTIVI. NE COSTRUI' TANTI, UNO PER OGNI BAMBINO DEL VILLAGGIO E MAN MANO CHE I BAMBINI CRESCEVANO RIEMPIVANO GLI ACCHIAPPASOGNI CON OGGETTI A LORO CARI, TENENDOLO CON SE' PER TUTTA LA VITA. OGGI GLI INDIANI COLLOCANO L'ACCHIAPPASOGNI SOPRA LA CULLA DEI PROPRI FIGLI, SI TRATTA DI UN CERCHIO IN LEGNO CON ALL'INTERNO UNA RETE SIMILE ALLA TELA DEL RAGNO. ALLA TELA SPETTA IL COMPITO DI TRATTENERE TUTTI I SOGNI FATTI DAL BAMBINO. SE I SOGNI SARANNO BELLI IL DREAM CATCHER LI AFFIDERA' AL FILO DELLE PERLINE E FARA' IN MODO CHE SI AVVERINO, SE INVECE I SOGNI SARANNO NEGATIVI LI CONSEGNERA' ALLE PIUME DI UN UCCELLO E LI FARA' PORTARE VIA...! QUESTA E' LA LEGGENDA DELL'ACCHIAPPASOGNI (SECONDO LA CULTURA CHEYENNE. ESISTE ANCHE LA LEGGENDA SECONDO LA CULTURA LAKOTA)! L'HO TROVATA SPLENDIDA E, QUALE OCCASIONE MIGLIORE PER RACCONTARVELA SE NON IN OCCASIONE DELLA PUNTATA SUI SOGNI?! BEH, ADESSO, VISTO CHE MI SONO DILUNGATA TANTISSIMO NON E' IL CASO CHE CONTINUI (ANCHE SE MI SAREBBE PIACIUTO TANTISSIMO), SARA' MEGLIO CHE PASSI ALLA SCALETTA...

"I sogni...non sono altro che un pallido riflesso di una realtà che vogliamo si realizzi, non importa quanto siano assurdi o irreali, è desiderio convertito in fantasia, che è del tutto naturale e convenzionale, e affatto fuori dal mondo, perché è parte integrante del mondo."

PRINCIPE GANIMEDE XXI' :-P

FABRIZIO DE ANDRE': A CIMMA (LE NUVOLE)
COLONNA SONORA TUTTO SU MIA MADRE: TAJABONE
DE GREGORI: GAMBA DI LEGNO A PARIGI (PEZZI)
JOHN RENBOURN: LORD FRANKLIN (LIVE IN ITALY)
FOSSATI: NAVIGANTI (DAL VIVO VOL. 1 BUONTEMPO)
THE ALBION BAND: GO NORTH (NO SURRENDER)
BATTIATO: I TRENI DI TOZEUR (MONDI LONTANISSIMI)
PINK FLOYD: MAROONED (THE DIVISION BELL)***

*** QUESTO E' IL BRANO DEI MIEI SOGNI E...I MIEI SOGNI SONO TUTTI QUI, IN QUESTO BRANO...!!!

BEH, L'UNICA COSA CHE DEVO AGGIUNGERE E' CHE I MIEI BRANI, PIU' CHE ESSERE INCENTRATI SUI SOGNI, RIMANDAVANO AD ATMOSFERE SOGNANTI (SOGNANTI ALMENO PER ME!), SONO UNA TENSIONE COSTANTE VERSO IL SOGNO, SOGNO INTESO COME VIAGGIO DA FERMO VERSO LUOGHI "ALTRI", COME RICORDI SBIADITI CHE RESTANO IN QUALCHE ANGOLO DELLA NOSTRA MEMORIA, INSOMMA, LA MIA IDEA DI SOGNO SI AVVICINA MOLTO ALL'IDEA DI VIAGGIO, DI FUGA, DI VOLO E A VOLTE, ALL'IDEA DI RICORDO! NON VADO OLTRE, MI FERMO QUI!

A VENERDI' PROSSIMO! NELLA PROSSIMA PUNTATA PARLEREMO DI AMORE, SPINA NEL FIANCO PER GRAN PARTE DEL GENERE UMANO...QUESTA VOLTA L'ISPIRAZIONE C'E' TUTTA....!!!

...CI SENTIAMO A "BEYOND THE HORIZON"...

CIAO

CHIARA

OTTAVA PUNTATA RADIOGAS 27/4/207 "BOB DYLAN"

2007-04-27T14:34:00.000-07:00

CIAO!!! SONO DISTRUTTA MA DEVO PER FORZA AGGORNARE IL BLOG VISTO CHE NON CI TORNERO' DA QUI E UNA DECINA DI GIORNI...DEVO FARE UNA PREMESSA, LE MIE GAMBE SONO DISTRUTTE, LA MIA MENTE SI E' ANNEBBIATA E QUEI POCHI NEURONI CHE SONO RIMASTI ATTIVI A QUANTO PARE NON CE LA FANNO A PORTARE AVANTI LA "BARACCA", LE MIE DITA ATTRAVERSANO LA TASTIERA SOLO PER FORZA D'INERZIA, QUINDI, DATE CHE NON SO' COSA SARO' IN GRADO DI SCRIVERE CI TENGO A PRENDERE LE DISTANZE DA ME STESSA... :-) ALLORA, OGGI ABBIAMO PARLATO DI BOB DYLAN, CON LA FRANCY CHE CI HA SVELATO SCENE E RETROSCENA DEL CONCERTO CHE DYLAN HA TENUTO A TORINO PROPRIO IERI SERA!!! L'IMMAGINE CHE HO MESSO AD INIZIO POST NON VUOLE ESSERE IL MIO ENNESIMO OMAGGIO AL "GENIO FRAGILE" DEI PINK FLOYD. HO DECISO DI ACCOSTARE BOB E SYD BARRETT OLTRE CHE PER UNA EVIDENTE SOMIGLIANZA NEL TAGLIO DI CAPELLI ANCHE PERCHE' DI TUTTA LA PUNTATA, CHE E' STATA GIUSTAMENTE CELEBRATIVA NEI CONFRONTI DI DYLAN, SYD E' STATO L'UNICO ANELLO DI ROTTURA. NELLA SUA "BOB DYLAN BLUES" GIOCA AD INTERPRETARE BOB DYLAN IN QUASI OGNI SUO ASPETTO, ACCENTUANDO IN MODO IRONICO E QUASI PROVOCATORIO ALCUNI SUOI COMPORTAMENTI (..."FACCIO UN SACCO DI SOLDI, MA LI MERITO PERO'. HO ANIMA E UN BUON CUORE D'ORO PERCIO' CANTERO' DI GUERRA NEL FREDDO. PERCHE' SONO UN POETA NON LO SAPETE? ED IL VENTO, POTETE SOFFIARLO. PERCHE' SONO Mr DYLAN, IL RE E SONO LIBERO COME UN UCCELLO IN VOLO"...). INSOMMA UNA BELLA PROVA AL CARDIOPALMA PER I FANS PIU' ACCANITI!!! NON MI METTO A COMMENTARE ANCHE PERCHE' IL DISCORSO SAREBBE LUNGHISSIMO VISTO LE MILLE SFUMATURE CHE RISERVA. STA A VOI CREARVI UN'IDEA! LASCIANDO SYD, IL RESTO DELLA PUNTATA, PER QUANTO RIGUARDA LA MIA PARTE DI SCALETTA SI E' SVOLTO ALL'INSEGNA DEL "VIAGGIO" SIAMO PASSATI DAL BRASILE ALLA GRAN BRETAGNA DAGLI STATI UNITI ALL'IRLANDA. PER QUANTO RIGUARDA I GENERI CHIAMATI IN CAUSA...BEH MI SONO ADAGIATA SUI MIEI GUSTI: FOLK E TUTTE LE SUE PIU' DIVERSE DERIVAZIONI, C'E' ENTRATO ANCHE UN PO' DI JAZZ. INSOMMA NEL MIO PICCOLO, VISTO CHE NON CONOSCO APPROFONDITAMENTE BOB DYLAN HO VOLUTO TESTIMONIARE QUANTO LA SUA INFLUENZA SIA STATA VASTA IN LATITUDINE ETA' E GENERI MUSICALI!!! ANDIAMO CON LA SCALETTA!

..."MAY YOU BUILD A LADDER TO THE STARS AND CLIMB ON EVERY RUNG,

MAY YOU STAY FOREVER YOUNG"...

STAN GETZ: "BLOWIN' IN THE WIND"
FAIRPORT CONVENTION: "LAY DOWM YOUR WEARY TUNE"
INCREDIBLE STRING BAND: "WAY BACK IN THE 1960s"
THE WHO: "THE SEEKER"
SYD BARRETT (PINK FLOYD): "BOB DYLAN BLUES"
CAETANO VELOSO: "JOKERMAN" (SE NON L'AVETE MAI ASCOLTATA, PER FAVORE FATELO!)
WATERBOYS: "FOREVER YOUNG"
THE POGUES: "WHEN THE SHIP COMES IN"

LA PUNTATA, PER QUANTO MI RIGUARDA E' STATA MOLTO INTERESSANTE, NATURALMENTE IL MIO GIUDIZIO E' SOGGETTIVO ED E' INFLUENZATO DAL FATTO CHE, LE CANZONI CHE HO MESSO IN ONDA MI PIACCIONO TUTTE, NESSUNA ESCLUSA, MA PRIMA DELLA TRASMISSIONE SU DYLAN NE AVEVO IGNORATO L'ESISTENZA!!!

QUANTE COSE STO IMPARANDO...!!!

CIAO

CHIARA

SETTIMA PUNTATA RADIOGAS 20/4/2007 "GLI ANIMALI NELLA MUSICA"

2007-04-21T12:10:00.000-07:00

ECCOMI NUOVAMENTE QUI!

SO QUELLO CHE STARETE PENSANDO SE AVETE BUTTATO UN OCCHIO ALL'IMMAGINE DEL POST...:"BASTA!!!"

IL BASTA, OVVIAMENTE, E' RIFERITO AI PINK FLOYD, INFATTI QUALCUNO SI SARA' ACCORTO CHE L'IMMAGINE E' TRATTA DALLA COPERTINA DI UN ALBUM DEI FLOYD, PER LA PRECISIONE DA "ATOM HEART MOTHER" DEL 1970, COPERTINA MOLTO POCO FLOYDIANA, MA QUESTO AVVENNE PROPRIO PER UNA ESPLICITA VOLONTA' DEI MEMBRI DEL GRUPPO. DAVID E GLI ALTRI, ERANO INFATTI ARRIVATI AD UN PUNTO DI SVOLTA PER QUANTO RIGUARDA LA LORO MUSICA. QUESTO DISCO RAPPRESENTA IL PASSAGGIO DEL GRUPPO DA UN ROCK PSICHEDELICO AD UN ROCK PIU' "MATURO", PROGRESSIVE. ADESSO TIRO IL FRENO A MANO ALTRIMENTI COMINCIO E NON MI FERMO PIU'...

TORNANDO ALLA PUNTATA DI VENERDI', COME SI PUO' CAPIRE DALL'IMMAGINE, QUESTA VOLTA ABBIAMO PARLATO DI...ANIMALI!!! BEH, DEVO AMMETTERE CHE SONO STATA VERAMENTE ORIGINALE NEL TROVARE IL COLLEGAMENTO "IMMAGINE-PUNTATA"...! DEVO ANCHE AMMETTERE CHE SIA FRANCESCA CHE IO CI SIAMO DIVERTITE, SPERO CHE LO STESSO SIA STATO PER VOI CHE CI AVETE SEGUITO!!!

PER LA SERIE "LO ZOO E' QUI", GLI ANIMALI CHIAMATI IN CAUSA SONO STATI MOLTEPLICI: DAL GATTO (CAT STEVENS) CHE AMAVA IL PROPRIO CANE (I LOVE MY DOG), AI CAVALLI SELVAGGI CHE UN GIORNO (FORSE) VERANNO CAVALCATI, ALLE "GEOMETRIE ESISTENZIALI" DEGLI UCCELLI, ALLE ALI SPEZZATE DI UNA FARFALLA, FINO ALLE "ACCIUGHE CHE FANNO IL PALLONE", INSOMMA GLI ANIMALI SONO STATI TANTI. ABBIAMO ATTRAVERSATO, GRAZIE A LORO, FIUMI, MONTI, PRATERIE E, OVVIAMENTE, IL CIELO!!! E VISTO CHE NELLA PUNTATA SI E' PARLATO DEGLI ANIMALI NELLA MUSICA, NEL FINALE DI TRASMISSIONE NON POTEVAMO CHE FAR SALIRE SUL PALCOSCENICO UN "RAPPRESENTANTE DELLA CATEGORIA" E LASCIARGLI IL MICROFONO...INSOMMA, ALLA FINE, SEAMUS (UN CANE) HA VOLUTO DIRCI (SORRY: CANTARCI) LA SUA!!!

GRAZIE A TUTTI (ANCORA UNA VOLTA) PER LA CURIOSITA' E LA PARTECIPAZIONE CHE DIMOSTRATE VENERDI' DOPO VENERDI'!!!

ANDIAMO CON LA SCALETTTA!

..."OGNI TRE AMI C'E' UNA STELLA MARINA, OGNI TRE STELLE C'E' UN AEREO CHE VOLA, OGNI TRE NOTTI UN SOGNO CHE MI CONSOLA"...

PROCOL HARUM: A SALTY DOG (A SALTY DOG)
BEATLES: BLACKBIRD (THE WHITE ALBUM)
CAT STEVENS: I LOVE MY DOG (MATTHEW AND SON)
ROLLING STONES: WILD HORSES (STICKY FINGERS)
SCORPIONS: WIND OF CHANGE (WIND OF CHANGE)
JETHRO TULL: HEAVY HORSES (HEAVY HORSES)
FABRIZIO DE ANDRE': LE ACCIUGHE FANNO IL PALLONE (ANIME SALVE)
LED ZEPELIN: BLACK DOG (LED ZEPPELIN IV)
PINK FLOYD: SEAMUS (MEDDLE)

VI ASPETTIAMO VENERDI' PROSSIMO, NELLA SPERANZA CHE FRANCESCA RIESCA AD ARRIVARE IN TEMPO...LA FRANCY ARRIVERA' FRESCA FRESCA (SI FA PER DIRE) DAL CONCERTO DI BOB DYLAN A TORINO!!! I PIU' ACUTI, FORSE, AVRANNO GIA' CAPITO L'ARGOMENTO DELLA PROSSIMA PUNTATA...OVVIAMENTE BOB DYLAN!!! NON VEDO L'ORA, CREDO CHE SARA' UNA PUNTATA ESTREMAMENTE INTERESSANTE, HO SOLO UN PO' PAURA DI NON ESSERE ALL'ALTEZZA, PERCHE' NON CONOSCO MOLTO DYLAN. VABE', STAREMO A VEDERE!!!

A VENERDI' PROSSIMO, SEMPRE SU RADIOGAS, SEMPRE DALLE 9.00 ALLE 11.00 E SEMPRE [FINO A QUANDO NON VERREMO CACCIATE :-) ] FRANCESCA ED IO CON "BEYOND THE HORIZON"!!!

CIAO

CHIARA